Los Miserables del notable dramaturgo Víctor Hugo es una historia tramada en derredor de la vida del ex presidiario Jean Valjean, quien, rehabilitado tras diecinueve años de presidio por sustraer pan solo para alimentarse, sigue agobiado por su pasado. El argumento de la novela conserva el suspenso desde el principio hasta el final y nos cuenta la lucha entre el bien y el mal de Jean Valjean y la sociedad. y pronto se convirtió en una novela gloriosa, con una prosa ostentosa El protagonista Jean Valjean logra escaparse de la cárcel, donde cumplía prisión sin ninguna razón justa. Valjean anduvo desamparado los primero días, hasta que llamó a la puerta del Monseñor Charles Bienvenu Myriel, quien lo cobijó hospedándolo en su casa, sin sospechar Valjean de quien se trataba. A pesar del buen corazón del obispo nuestro protagonista le hurta una media docena de cubiertos de plata, mientras el monseñor dormía. Valjean abandona el aposento llevándose consigo lo robado, pero para su desgracia es aprehendido por la policía cuando se fugaba. Cuando la policía lo llevó ante la presencia del noble Monseñor Myriel para darle explicaciones de su conducta y este declara habérselos obsequiado. Al mismo tiempo que Valjean queda impactado emocionalmente por esta acción tan noble. Myriel le aconseja Valjean que se reforme y que tome el camino del bien. Luego se marcha despidiéndose del Monseñor. Desoyendo los consejos del obispo, el incorregible Valjean, al día siguiente le sustraer dos frascos a a otro hombre, a partir de este hecho Jean Valjean empiece a tomar conciencia de la necesidad de su regeneración. Encandilado y reverenciado por el pueblo, se ve obligado a aceptar el cargo de alcalde; sin embargo para su desgracia Valjean se encuentra con el hombre que lo persigue Javert, el inspector de policía y procura recordar no sin esfuerzo donde ha visto antes al venerado señor Magdalena. Tiempo después, confunden a un campesino que se había robado una manzana con Jean Valjean y luego de batallar con su conciencia, decide revelar la verdad por lo que es detenido una vez más. Por aquellos días una sumisa y sacrificada madre soltera llamada Cantina, deja a su querida hija Cosette al cuidado de los posaderos Thenardier, antes de deja este mundo; el protagonista Jean Valjean se planteaba la obligación de amparar y darle un lugar donde vivir a la niña Cosette antes de ser procesado una vez más, por lo que huye de la cárcel, libera a la huerfanita Cosette de la casa de los infames hermanos Thenardier y se marchan a Paris donde educa a la niña gracias a su gran fortuna, y no privándola de ninguna necesidad..La permanente escapatoria de Jean Valjean, que lo obligan a refugiarse en el convento donde Cosette se educaba, el mismo lugar donde él trabajaba como jardinero durante cinco largos años; el amor entre Mario de Pontmercy y Cosette; la liberación de Mario que Valjean realiza por los sumideros de Paris, escabulléndose de una barricada donde Mario resultò herido y perdiera el conocimiento; el nuevo encuentro con Javert al emerger de la alcantarilla y como Valjean le salva la vida al policía Javert, a quien los sediciosos le habían condenado a muerte; el suicido de Javert cuando resuelve no tomarlo prisionero, dejando de lado así a lo que el imaginaba su deber, retribuyéndole el misericordioso comportamiento de Jean Valjean; el matrimonio entre Cosette y Mario Pontmecccy, y la equivocación en la cual cae este, equivocación que le hace alejar a su esposa de quien para ella fue un verdadero padre, todas estas piezas sueltas y unidas por la brillante pluma de Victor Hugo se convierten en aristas impactantes de esta impresionante obra.Los personajes de Valjean y Javert están reflejados en el criminal francés absuelto Vidocq.Eugéne-François Vidocq vivió en el mismo periodo histórico que abarcó la obra de Victor Hugo, nació en 1775 y murió en 1857, tuvo una juventud signada por robos, peleas y discordias por simples riñas de bar. Estando encarcelado en Lyón comienza a colaborar con la policía pasando así a hostigar a sus compañeros de correrías, concluyendo en menos de un mes con la delincuencia de la ciudad de Lyón. Se convierte en personaje famoso y le trasladan a Paris, donde en 1811 es nombrado director de la policía francesa (la Seguridad Nacional) hasta el año 1827.Durante estos años, Vidocq batalló contra el crimen y la delincuencia, pero también pretendió mejorar las condiciones de los presos, echando mano a todos los trucos que tenía a su alcance, entre ellos el disfraz, práctica de la que era un maestro.Victor Hugo, también se sirve acabadamente de la historia de Francia para emplazar a sus personajes en el contexto histórico adecuado. Los personajes de la obra han sido testigos  de la Revolución francesa de 1789 y los ulteriores cambios políticos. Sobrellevan la batalla de Waterloo y la pobreza extrema que causó; son protagonistas del imperio napoleónico, la posterior Restauración con Luis XVIII y Carlos X, y las revoluciones de 1830 y 1848.“Los Miserables” es un alegato social, no sólo por narrar la historia de Francia durante veinte años consumando un excelente tratado de la sociedad de aquella época, sino por la clara denuncia de la miseria y del género humano.

Publicada por vez primera en 1890, "El retrato de Dorian Gray" nos cuenta la historia de vida de un muchacho de extraordinaria y asombrosa belleza dispuesto a consumar las mayores monstruosidades con tal de atesorar para siempre, su hermosa juventud. "El retrato de Dorian Gray" es un relato que habla sobre la naturaleza humana, la predestinación del destino y la asepsia del alma que no tiene desperdicio. Cuando se publicó «El retrato de Dorian Gray», la crítica moralizante no dejó de incriminar a su protagonista de ser una figura perversa, corrupta y depravada, sin advertir que era el personaje protagónico de una novela que expresaba la fatalidad de los románticos: Oscar Wilde (1854-1900) pretendía hacer de la belleza un distinción de la inteligencia; y para ello introdujo a su protagonista en una atmósfera de depravación dominada por el arte y la potestades de un misterio que está más allá de la realidad: gracias a los dioses, la sumisión a la belleza puede llevar las huellas del paso del tiempo a un cuadro, mientras el rostro de Dorian Gray permanece inalterado e intacto. Acierta Oscar Wilde al ir más allá de la simple descripción: involucra a su personaje en un crimen y, así como acostumbraba a hacer Edgar Allan Poe en sus relatos, lo rodea de un misterio inexplicable . Definido como cuento fantástico y alegoría, Dorian Gray continua siendo, cien años después de la muerte de su autor, una pieza trascendental en los porfías entre la ética y la estética, en las relaciones que sostienen el bien y el mal, el espíritu y el cuerpo, el arte y la vida. Regida por la ley de la fatalidad, Dorian Gray, que también personifica el mal y su castigo, no deja de alcanzar el objetivo que el propio Wilde ambicionaba para su libro: Basil Hallward es un artista que queda considerablemente conmovido por la belleza estética de un joven llamado Dorian Gray y comienza a pensar en él de un modo caprichoso, imaginando que esta belleza es la responsable de la nueva forma de su arte, así que Basil pinta un retrato del joven. Es justamente en el jardín de Basil, donde Dorian se relaciona con Lord Henry Wotton, un amigo de Basil, y empieza a sentirse cautivado por la mirada del mundo que Lord Henry no se cansa de contarle. Al percatarse de que un día su belleza se esfumará , Dorian guarda la imposible esperanza de conservar siempre la edad de cuando Basil lo inmortalizó en el cuadro. El deseo de Dorian, por motivos que se sugieren pero se ignoran, se vuelve realidad, mientras él mantiene en todo momento y para siempre la misma apariencia del cuadro, la figura pintada en el retrato envejece por él. Su exploración del placer lo arrastra a una serie de actos de obscenidad y perversión, llevando consigo a la rastra algunos de los mas conspicuos individuos de la sociedad inglesa; pero el retrato sirve como un memorándum de los efectos de cada uno de los actos perpetrados sobre su alma, con cada desliz la figura se va deformando y sumando años sin cesar. Una tarde cualquiera Dorian regresaba a su casa muy sereno mientras percibía que hablaban de él, sentía placer que la gente hablase de el. llegó y se refugio en la biblioteca, empezó a recordar su ultima charla con Lord Henry acerca de su “juventud rosada”, comenzó a reprochar lo feliz-lo infeliz que esto le había acarreado como consecuencia, pasó lista a todos los errores que en los había incurrido en su vida, lo único que deseaba era comenzar de nuevo sin malicia alguna en su vida, pero para esto precisaba obligadamente suprimir todo lo del pasado y eso conllevaba arrasar con el retrato que era único testigo de todas sus reniegos, le echo una rápida mirada al cuchillo con el que le había quitado la vida a Basilio, resolvió destrozar el cuadro pero lo único que logró fue destruirse a si mismo ya que era el mismo reflejado en un retrato, después de este acto sanguinario los sirvientes que encontraron el retrato vieron como siempre a su amo joven, hermosísimo convertido en un adonis en plena mocedad, y un hombre exánime tirado en el piso tan largo era, vestido de etiqueta, viejo y rugoso, hasta pudieron reconocerlo porque aun llevaba los anillos puestos. El Retrato de Dorian Gray es una novela que sobresale del resto por el ambiente asfixiante en el que se desarrolla y el lenguaje escrito con el que está narrado.Además de ser una obra precursora en el terror gótico, sucesora de Edgar Allan Poe, es una historia sobre la jactancia, la egolatría, el temple, el estoicismo, la imperturbabilidad, el desencanto amoroso, el transcurso del tiempo y la eternidad. Dorian Gray elige cargar sólo con su cuerpo, arbitrario e duradero, mientras que el retrato acoge su alma. Con un estilo franco, espontáneo e impasible como su protagonista, Wilde consigue conmover al lector con un tinte personal en medio de una atmósfera conforme a la sordidez y tenebrosidad de la narración. Con todo,, El Retrato de Dorian Gray se las arregla para convertirse en un tratado sabiamente plasmado sobre las debilidades humanas en la pluma de su autor, y es por sobre todas las cosas, una obra maestra absorbente e incuestionable que ningún entusiasta de la lectura debería perderse.

Hester Prynne es la mujer de un comerciante holandés y se ha sumado recientemente a esta comarca de Nueva Inglaterra, mientras su marido se mantiene fuera de la ciudad, solucionando algunos problemas. En el transcurso de dos años, cuando él aun no ha regresado, ella mantiene una aventura con un hombre desconocido, relación producto de la cual queda embarazada de una niña.Al nacer la niña a la mujer le resulta imposible ocultar su desliz, y una junta vicaria acaba juzgándola culpable de adulterio. A raíz de esta circunstancia, se ve apartada de la sociedad y señalada, tanto física como psicológicamente, mucho mas cuando ella se niega terminantemente a revelar la identidad del padre de la niña La novela se estructura en veinticuatro capítulos, ninguno de ellos excesivamente largos. Su lectura es un poco más enmarañada que otras obras más modernas, ya que las frases son excesivamente largas y no faltan los rodeos muchas veces innecesarios . La novela de Hawthorne está escrita en tercera persona, con un narrador omnipresente y erudito, que está al tanto de todos los pensamientos de los personajes, y especialmente de la protagonista de la historia., historia la cual se desarrolla alrededor de tres personajes. La primera es la protagonista (o mas que eso, por ella pasa el hilo conductor de la historia), Hester Prynne. Se desvincula totalmente de ella, pretendiendo ignorar que ella era su mujer, solo para no verse arrastrado por el deshonor. Se promete a si mismo no detenerse hasta encontrar al hombre que su mujer no ha querido delatar .El cura, Dimmesdale, fue el pastor de Hester durante el tiempo que ella estuvo viviendo en la colonia. Nathaniel Hawthorne su autor, se valió de La Letra Escarlata para dejarnos una llamada de atención a los extremismos, una critica a esa sociedad obtusa e hipócrita. Nació en Salem y sus tatarabuelos se ocuparon de quemar a las primeras brujas. El argumento de la novela de Hawthorne es un relato sobre la intolerancia, en un mundo donde la religión, la justicia, la moral y ley son casi la misma cosa El desliz, el remordimiento, castigo y la culpa son los ejes de la narración, los “trazos” con que se garrapatea la grafía de la A escarlata. Emblema del Adulterio, y también, quizá, de la América primitiva del imperio inglés. Pretendiendo olvidar las magnificas obras que ha dado la literatura sobre la cuestión de la infidelidad, la intriga puede resultar una historia vulgar y remanida por lo usual de la situación: el triángulo amoroso. La acción está enmarcada en una época de incisiva intolerancia de actitud y credo: la sociedad puritana de la Nueva Inglaterra del S. XVII; con unos personajes atrayentes en varios aspectos y nada vulgares , que le brindan al escrito un gran interés. Es un cautivante estudio sobre temas incompatibles dentro de la condición humana y social: esperanza y exaltación, amor y moral, placer y penitencia, verdad y apariencia, libertad y sumisión, perdón y castigo. Hestere Prime es una mujer esforzada ante el rechazo, la soledad y la apatía de la comunidad, que responde con una fortaleza de ánimo, inmolación y generosidad dignos de ponderación, llevando con orgullo su agravio: la culpa y el amor secreto. Mujer con opiniones propias que reta a las autoridades sociales y “divinas”, un modelo de independencia y autosuficiencia (¿feminismo?) que tendrá que atravesar sufrimientos y amarguras, tanto de una naturaleza interna como externa. El amante, un ser aprensivo y paciente, que carece de la fortaleza y resistencia de su amada, estará zozobrando en un mar de dudas y arrepentimientos. Este estado de perplejidad será su personal letra escarlata. Su corazón sufre (figuradamente y literalmente) ante la fe, su amor, la hipocresía y la mentira, elementos que están enmarañados en su vida: alta posición y reputación social. Se debate entre el desasosiego y la acción liberadora de la confesión. El marido, un hombre erudito e inteligente, intentará consumar su venganza pretendiendo leer (figuradamente y literalmente), gracias a su sagacidad, la letra infame en el pecho del amante subrepticio. El esposo también ha sobrellevado una mutación dolorosa, está deambulando por el sombrío laberinto del mal al plantearse la posibilidad de cobrar su “deuda”. La letra escarlata es una novela fundamental, y quizás el mejor producto y el mayor logro de Nathaniel Hawthorne dentro de la narrativa. Su personaje principal, Hesner Prynne, es toda una estampa de lo femenino, de aquellos rasgos femeninos que no conciernen a este mundo. Los hombres, dicho sea de paso, no quedan de todo bien parados en esta historia: el amante de Hesner, el reverendo Dimmensdale, jamás aparece como un héroe redentor, sino que se consume en el silencio; y finalmente acaba quitándose la vida. El mutismo de la protagonista es el mismo, sin embargo no guarda silencio por sí misma, sino por la honra de su amante; y es su altruismo ante la infortunio la que exime su indiscreción, pues la letra infame, pensada para estigmatizar, para discriminar a alguien ante los demás, acaba convirtiéndose en un símbolo de grandeza, enriqueciendo su lápida, honrando la tumba de Hesner .

Cuando aquel día de fin de mayo el profesor Lidenbrock ingresó presuroso en su casa llevaba consigo el libro antiguo de Snorre Turleson titulado "Heims-Kringla", en ese momento jamás imaginò que ese sería el principio de una maravillosa aventura de la que él y su sobrino participarían en forma activa. Un antiguo documento escrito a mano y amarillento por el paso del tiempo se encontraba subrepticiamente escondido en su interior, un manuscrito atribuible al mismísimo Arne Saknussemm, famoso vidente del siglo XVI, y que proporcionaba las claves de la situación exacta dónde se encontraba la entrada al centro de la tierra. "Viaje Al Centro De La Tierra" es posiblemente una de las novelas más célebres del ilustre escritor francés Julio Verne. Juzgada como una de las más impresionantes aventuras de todos los tiempos modeladas en papel, fue considerada una ocurrencia genial de sus coetáneos  y, aun hoy, en la actualidad es motivo de admiración, fascinación y devoción por muchos. ". En el año 1864, la ciencia general aun no había alcanzado el nivel de productividad con el cual se precipitó en el siglo XX, tampoco tal vez había llamado la atención del público general, fue en ese momento cuando un autor célebre de nacionalidad francés escribió “Viaje al centro de la tierra”. Sugestionado por ‘Charles Lyell's Geological Evidences of the Antiquity of Man’, un libro que influenció a varios otros escritores, Jules Verne escribió una obra que proyectó la humanidad hacia el futuro. El genero de ciencia ficción, como se conoce en el siglo XX1, casi no existía cuando Verne escribió esta novela. La trama es bastante lineal; a un suceso le sigue otro, sin momentos imprecisos. La ficción se centraliza en tres personajes, lo que convierte a la historia en una sucesión de hechos fácil de seguir, y el desarrollo de los personajes bien personal. Viaje al Centro de la Tierra está narrada a la manera de una anécdota. En la obra de Verne, se puede percibir el lenguaje antiguo del siglo IXX, no abunda con palabras innecesarias, volviendo llano y directo. El título es un resumen de la novela. No recurre a la utilización de retóricas, símbolos, rodeos, etc. El sobrino del científico Lidenbrock, Axel, nos cuenta la aventura como si él mismo fuera un personaje secundario. Verne no rompió estándares lingüísticos y no creó tan solo un personaje que permaneció en el tiempo. Escribió una novela que fue reconocida mundialmente, que influyó y mucho ---- en un genero literario y que lo catapultó a ser considerado por muchos como el padre de la ciencia ficción. La novela cuenta la historia de un descubrimiento científico extraordinario y de la aventura de tres exploradores -Lidenbrock, Axel y Hans-, donde abundan los peligros, la acción y los elementos fantásticos. Todo ocurre en el año 1863. Aunque la historia comienza la historia en Hamburgo, los personajes viajan a diferentes áreas de Eauropa, hasta llegar a Islandia. A partir de este momento en adelante, los personajes reanudan su trayectoria dentro de las cuevas y los tubos subterráneos de un volcán.Cuando el profesor Lidenbrock se hace de un libro antiguo islándico de Snorri Sturluson, quien supuestamente había hallado la manera de llegar al centro de la tierra, se obsesiona con interpretar el texto. A medida que trasponen diferentes túneles y pasadizos, encuentran certeza de las diferentes etapas del planeta tierra y de las diferentes especies que pululaban en el pasado.“El viaje hacia el centro de la tierra” bien puede interpretarse como un desafío a la ciencia de esos tiempos. Verne convierte a sus personajes en superhombres sin embargo el nudo de la historia es una lucha contra el tiempo para salir con sus vidas incólumes. Viaje al Centro de la Tierra tiene ingenio, una trama intrigante, acción, credibilidad y muchos otros rasgos que hacen de la obra una joya. La novela fue un salto en el tiempo, un envión hacia el futuro..Julio Verne (1828-1905) es sinónimo de creación, de predicción, de futuro, de imaginación agresiva, y de aventuras asombrosas. Viaje al Centro de la Tierra, entre tanto no es más que el relato de una odisea convertida en hazaña por el mundo subterráneo,,Las primeras escenas, asombrosamente visuales, hacen que la lectura del libro valga mucho la pena. Uno se plantea si Verne no ha vivido de verdad en Islandia el tiempo suficiente para describir (como lo hace) con tanta fidelidad los lugares, el clima, las costumbres, los detalles de los sitios donde ubica su obra que el lector progresa, página tras página, en una complicidad consumada con lo que se le está narrando. Su mayor logro es su capacidad para recrear escenas e imágenes de forma meramente visual, de forma que las maravillas que se encuentran en la obra son tan sobrecogedoras que el lector no tiene por qué detenerse mucho en la forma en que está narrada la obra.Aunque la sorpresa final está un poco impuesta, y con casi una centuria media años desde que se publicó, puede resultar hasta previsible, es considerado un incuestionable clásico por su carácter épico, por el argumento, muy refinado, y porque confirma el talento imaginativo de Julio Verne, que con Viaje al Centro de la Tierra escribió no solo su obra maestra sino además un trascendental catálogo de divulgación científica

Aunque después de un tiempo de publicado, Cumbres Borrascosas fue considerado un clásico de la literatura inglesa, la obra de Emil Bronte tuvo por parte del publico lector un recibimiento inicial tibio en el mejor de los casos. Su estructura innovadora, perturbó a los críticos cuando apareció. Algunos especularon que éste era un trabajo anterior, menos formal, de Charlotte Brontë (que había publicado Jane Eyre ese mismo año bajo el seudónimo de Currer Bell). Las críticas posteriores revisaron este concepto, y convinieron en que la originalidad de Cumbres Borrascosas fue mas allá de los trabajos de sus hermanas Charlotte y Anne.La novela cuenta la fatal historia de amor entre Catherine Earnshaw y su entrañable amigo del alma, el abrumado Heathcliff, un amor que se extenderá más allá de la muerte. Cumbres Borrascosas es la fábula de una historia conmovedora e infausta. Comienza con la llegada del niño Heathcliff al hogar de los Earnshaw, el cual es llevado por el padre de la familia desde Liverpool. La novela de Bronte es también una historia de amor y de represalia, de rencor y locura, de vida y de muerte. Catherine Earnshaw y Heathcliff mantienen una relación de sumisión mutua a lo largo de su vida, desde la infancia hasta aún más allá de la muerte.La libertad que Heathcliff representa no es la más idónea para una mujer que pretende ser respetable, y Catherine acabará casándose con el hijo de los Linton, Edgar, magistrado de la región. A lo largo de dos generaciones, cuyos lazos comunes serán Heathcliff y la observadora y cuentista de la historia, Nelly Dean, se revela el pasado y el presente de los personajes, en interpretaciones distintas de sí mismos. Cumbres Borrascosas es la única novela que escribió Emily Brontë (1818-1848). El resto de su creación está constituida por poemas, publicados en diversas ediciones, entre los cuales destacan los relativos a Gondal, donde pueden encontrarse semejanzas o analogías con "Cumbres Borrascosas".Cumbres borrascosas, de Emily Brontë, vio la luz en 1847, algunos meses después de la publicación de Jane Eyre, obra de su hermana Charlotte. Estamos frente a una novela implacable, con personajes de perfiles bien m arcados , en algunos casos, excesivo y cruel. Cuando Emily creó a sus protagonistas directos y sin rodeos, lo cual no agradò ni al público ni a la crítica de aquel tiempo que los consideró como brutales e inhumanos.Emily Brontë se dibuja a sí misma como un ser de misceláneas facetas y crea dos personajes, Heathcliff y Catherine, que componen la propia naturaleza de la escritora. Es la mismísima Emily y no otra la que grita cuando Catherine afirma "Heathcliff soy yo".la que grita.¿Es Cumbres borrascosas una historia de amor? Ese es, el sentimiento, que se halla menos latente durante la narración, a pesar de ser la variable mas constante en la historia. Durante el desarrollo de la novela el corazón se va envolviendo de una capa de escarcha que apenas se desvanece La atmósfera de Cumbres borrascosas surca el papel, el lector puede percibir en la cara la brisa fresca de los pedregales y escuchar el sonido del viento que furioso lleva mensajes de muerte y desamparo. Estamos ante una novela que aglutina todos los ingredientes básicos del sainete: amor, odio y sed de venganza del que se ha visto desengañado. Cumbres Borrascosas, ambientada en el asfixiante mundo rural de la Inglaterra victoriana, fotografía la pasión imposible entre Heatcliff, una pobre criatura sin hogar erradicado de las sucias calles de Liverpool, y la joven y acaudalada Catalina Earnshaw. El amor entre dos clases sociales opuestas, imprimirá el ritmo de la novela hasta su desenlace. Heatcliff se resiste contra el destino que le imponen al morir su protector y padre de Catalina: ellos suponían que el solo podía convertirse en sirviente. Al ver que su amada Catalina elige esposarse con el rico y maleable Eduardo Linton, vecino de la granja de los Tordos –otro de los escenarios donde se despliega la novela, y que representa a la perfección los valores tradicionales y de siempre -, Heatcliff escapa de Cumbres Borrascosas y regresa tres años después , esta vez transformado en un rico propietario. Su vuelta presume el inicio de la tragedia que vivirá la familia Linton (Catalina incluida), y los descendientes (Earnshaw-Linton), todos mezclados , a quienes Heatcliff les retribuirá todo el mal que un día perpetraron contra él. Toda la novela está contada con diálogos espeluznantes y despiadados. Las mujeres en esta historia son enérgicas, resueltas, rebeldes e instruidas, mientras que los hombres (a excepción de Heatcliff, aunque al final también él se desmorona, son personajes débiles y enclenques. La novelista escapa con sabiduría, “de la metáfora victoriana del roble y la hiedra”, simbolizados respectivamente en la figura del hombre y de la mujer, según la cual la hiedra requiere del roble para crecer. La vigorosa y adusta figura de Heathcliff domina Cumbres Borrascosas, novela apasionada y procelosa cuya sensibilidad se adelantó a su tiempo. Los oscuros y sombríos pedregales de Yorkshire son el extraño escenario donde se despliega con fuerza impetuosa esta historia de venganza y odio, de pasiones desatadas y amores exasperados que van más allá de la muerte y que hacen de ella una de las obras más singulares y sugestivas de todos los tiempos.

«Estoy metido en el libro de lleno y con una pasión que pocas veces suelo sentir ¡El tema es espléndido y da pie a situaciones que me parecen bellísimas!», le confió Julio Verne vehemente al editor Hetzel, Cuando empezaba a delinear el argumento de El correo del zar, su nueva obra imaginada en la geografía rusa. «¡Voy tan lanzado por Siberia que no me puedo detener ni un día! Sí, me parece que todo va bien y sigo en ello con pasión», le añade en otra misiva. Pero, mientras Verne trabajaba con bravura para volver creíble a su ambicioso fresco de la Rusia zarista; su perspicaz editor, quien tenía puestas grandes esperanzas en el libro, no dejaba de pensar también en sus suscriptores rusos, pues deseaba que la novela les agradase y temía que los ofendiese. Verne, a quien le inquietaban tanto como a Hetzel las posibles dificultades políticas, decidió visitar junto con su editor, al embajador ruso en París para poner en consideración el texto para que éste le brindara su aprobación. El príncipe Orloff no mostró escrúpulo alguno, aunque les sugirió que era preferible modificar el título «por precaución». Ambos habían disfrutado del privilegio de que lo leyese el ilustre escritor ruso Iván Turgueniev, amigo y mentor literario de Hetzel. La cuantiosa documentación que Verne transmite sobre la historia y geografía rusa, así como de las tradiciones de los pueblos rusos y siberianos, tomada de las fuentes contemporáneas más irrefutables, era tan justa que el propio Turgueniev tampoco puso reparos a la novela. Verne recreó a través de su imaginación una invasión tártara a Rusia para la creación de su célebre novela Miguel Strogoff Hetzel le obligó por razones de prudencia a Verne a eliminar «todo cuanto pudiera imputarse al zar actual o a su padre», así como a suplir el título inicial de El correo del zar por el de Miguel Strogoff. De ahí que el libro tomó ese nombre, aunque ello no resulto óbice que se presentase al protagonista desde el principio de la historia como correo del zar. . Miguel Strogoff fue publicada por entregas encadenadas en el Magasin d’Education et de Récréation del 1 de enero al 15 de diciembre de 1876. Mientras tanto, apareció como libro en dos tomos: el primero en el verano de ese año y el segundo en otoño. En noviembre se divulga en volumen doble bajo el título: Miguel Strogoff. De Moscú a Irkutsk, junto con Un drama en México, el primer cuento que el autor escribiera en su juventud Escrita entre 1874 y 1875, Miguel Strogoff es la primera de una sucesión de novelas en las que Verne se sustenta en la historia, procurando un giro a sus acostumbradas novelas científicas. En este caso, puntualiza su atención en la expansión zarista en Asia, con los problemas de relación entre Rusia y los janatos de Bujara y Jiva en el Turquestán. El relato nos cuenta la invasión a Irkutsk, ciudad principal de Siberia, gobernada por el gran duque, hermano del zar, por decisión de una legión de tártaros encabezados por el personaje ficticio Feofar Khan y por el traidor ruso Iván Ogareff. Tras la interrupción por un corte de la línea telegráfica por los rebeldes, el zar que gobierna en Rusia resuelve enviar un trascendental mensaje en secreto al gran duque, insinuándole del peligro apremiante que lo amenaza. Esta misión es sumamente peligrosa, pues el hombre que la lleve a cabo tendrá que atravesar las líneas enemigas tártaras a través de la sabana, corriendo el riesgo de ser capturado en un largo recorrido que lo llevará de extremo a extremo de la Rusia imperial. El capitán del grupo de correos del zar, Miguel Strogoff, será el oficial comisionado de recorrer más de 5500 kms hasta Irkutsk para entregarle en mano la carta al gran duque. En su recorrido se relacionará con Nadia, una bella joven que también viaja a Irkutsk a reunirse con su padre, convirtiéndose en su incondicional compañera. También el lector conocerá a las gentes que habitan todos los rincones del camino que recorren Strogoff y Nadia, y será protagonista con ellos en la acción. Julio Verne agrega la virtud de relajar la tensión narrativa, con las ocurrencias de los corresponsales de guerra de las fuerzas occidentales de la época. Durante su audaz viaje, Miguel Strogoff seguirá una ruta precisada pero llena de sorpresas y sobresaltos, mientras que el traidor Iván Ogareff marcha tras sus pasos con eventual tranquilidad y los reporteros europeos marchan desenvueltamente compilando información para sus periódicos. Todos ellos viajan a lo largo de Siberia al mismo tiempo, por rutas parecidas pero no iguales y con disímil capacidad de adaptación, lo que los lleva a entreverarse en un sinnúmero de aventuras. Miguel Strogoff es una novela épica llena de heroísmo, en donde el viaje argumental se vuelve un viaje iniciático para el protagonista. El lector que sigue de cerca las ocurrencias de Strogoff, acompaña al correo del zar por las violentadas estepas siberianas, participando junto a él de su valentía. Se trata, sin dudas, de una narración de aventuras llena de acción palpitante y sostenida hasta el final, ideada para entretener al lector y sumarlo a la aventura de un sugestivo viaje a través de la Rusia zarista de finales del siglo XIX.

Rebelión en la granja (en inglés Animal Farm) (1945) es una fábula mordaz de George Orwell a propósito de un grupo de animales en una granja que destierran a los humanos y instauran un sistema de gobierno propio que acaba por convertirse en una despotismo brutal. La novela fue escrita durante la segunda guerra mundial y, aunque fue publicada en 1945, recién comenzó a ser conocida por el público en las postrimerías de los años 50. Rebelión en la granja es fundamentalmente una crítica velada de la Revolución Rusa y describe con ironía la corrupción del socialismo soviético en los tiempos de Stalin. Los animales de la granja Manor, incitados en su día por el viejo cerdo Mayor, que antes de fallecer explicó a todos los animales su perspectiva, llevan adelante una revolución a través de la cual logran expulsar al señor Jones e implantar sus propias reglas que dejan estampadas en una pared. Todo lo que camine en dos piernas es un rival. Todo lo que camine sobre cuatro patas o tenga alas es aliado. Los animales no debían usar ropa. Ningún animal debía dormir en una cama. Ningún animal podrá ingerir alcohol. Ningún animal Atentará contra la vida de otro animal. Todos los animales son iguales. Al principio la granja se volviò más próspera incluso mas floreciente que cuando el señor Jones la gestionaba, pero con el paso del tiempo, los cerdos, que se habían auto proclamado como líderes por ser más avispados, empiezan a pasar por encima de su poder y ejecutan los mandamientos en su favor,para sacar provecho de ellos. Dos de estos cerdos, Snowball y Napoleón, se muestran como los líderes, sin embargo entre ellos empieza a haber diferencias cada vez más difíciles de zanjar hasta el momento cuando Napoleón lanza a los perros contra Snowball, que huye de la granja. A partir de ese momento Napoleón se erige como único líder, oprimiendo a todos los animales bajo su dictadura, a través de la amenaza de los perros, y poco a poco los cerdos remedarán todos los defectos del hombre por los cuales en su día iniciaron la revolución ; el único mandamiento que queda en pie es: Todos los animales son iguales, pero algunos son más iguales que otros.La granja de los animales es adaptación de la "Rebelión en la granja" escrita por George Orwell, quien traza una investigación pesimista del Socialismo y el concepto de revolución, ( Orwell participó en la guerra civil española (1936), donde él y muchos idealistas del socialismo defendían "la revolución constante de Trotsky" Este es ultimado en México por sicarios de la Unión Soviética, es alli cuando Orwell y su optimismo en el socialismo como medio a la igualdad empieza a esfumarse, exhibiendo de aquí en mas, una crítica tajante al totalitarismo en cualquiera de sus formas. Stalin   asumió el poder, sin merecerlo, formado en los barrios pobres de la Georgia pre-soviética, bajo la inhumana protección de un padre alcohólico y golpeador, a través de intrigas logra alzarse con el nuevo gobierno. El socialismo centralizado sumerge la idea de Lenin y Trotsky sobre la revolución misma, el efímero despegue de la economía de la época inicial del Socialismo se esfuma pronto, y el sistema se torna rápidamente asfixiante, enteramente concentrado en un individuo y moralmente censurable..Cuando Yosif Stalin desplazó sobre el socialismo su modelo centralizado, dejando de lado toda idea revolucionaria, creando a su manera una prosecución del Zarismo, donde él se veía a sí mismo emperador de todas las Rusias, millones de personas morirían de su propia Labia, por ejemplo; el ordenó fusilar un millón de su soldados por creerlos cobardes (durante la defensa de Stalingrado). Sin haber intervenido en la guerra contra el zarismo, él mismo se concedería cargos militares, . El obrero, motor de la economía soviética, pronto termina condenado a su rol de siervo-esclavo. El intelectual, será comparado por Orwell con un ignorante que pese a ser consciente de los graves cambios de contexto ideológico, no delata y su mente acaba olvidando fácil y sencillamente. El problema entonces del socialismo y las revoluciones de "bolsillo", residía en su imposibilidad para generar ecuanimidades institucionales adecuadas a los ideales bajo los que se construyen. Obstáculos que hoy día mantiene la actual Rusia en pos de los autodeclarados redentores del sistema. Al final una revolución sin comprensión del porqué se lucha acaba falseando los propósitos originales de la misma, recordada en la memorable frase de Orwell: "Todos los animales son iguales, pero hay animales más iguales que otros", frase que retrata a los gobiernos totalitarios. Esto hace que se conviertan sus líderes en aquello que reñían al principio. Prescindiendo del conocimiento y de la claridad de los objetivos se regresa al punto de partida, por ejemplo la revolución francesa, al emperador Napoleón, es ostensible el porqué Orwell llama al puerco que encarna a Stalin: Napoleón.

La Suma de los Días se trata de una novela autobiográfica, aunque, tal vez se aproxime más a una recopilación de memorias que a una biografía. En ella Isabel Allende cuenta a su hija Paula, ya fallecida victima de una ataque de porfiria en el año 1992, los sucesos que tras su muerte sucedieron con el paso de los años, no sólo en el círculo de su familia, sino también en su núcleo de amistades más próximo, lo que ella denominaba “su tribu”.Nos confiesa sus  amores,divorcios, conflictos de pareja, reconciliaciones y nos adentra en otros semblantes de la vida privada de estas almas como el sexo, la religión, el apego a las drogas, cambios de identidad sexual, y cuadros de situaciones incluso muchas veces difíciles de creer por su gran voltaje dramático. Isabel Allende relata sus memorias en segunda persona, pues es el medio, a través del cual, Isabel mantiene contacto permanente e íntimo, con su hija aun después de la muerte. La Suma de los Dìas, no es otra cosa que la continuación de la obra ” Paula”. A través de esa comunicación tan estrecha con su hija, Isabel nos va confesando sus experiencias, con ese talante mágico, repleto de entelequia y enigma. Estas, sus vivencias, sumadas su esencia natural, son lo que ayudan a redondear el carácter de la mujer adulta, en la que Isabel llega a convertirse.Una mujer feminista, nada sumisa y, renuente en desnudar sus sentimientos a los hombres. Mujer enérgica de personalidad combativa, Isabel Allende, nunca se dejó intimidar. Ambiciosa, briosa y precursora, jamás reparó en romper estereotipos, tradiciones y costumbres fuertemente arraigadas . Isabel, siempre se propuso dar muestra de ser independiente y enormemente capaz. Como adulta, Isabel también siempre fue dominante y atrevida, y casi simultáneamente efusiva e inexperta. Isabel registra marcado interés por ese hombre, que le trasmite, tranquilidad, confianza y simpatía. La muerte de Paula, su hija, como no podía ser de otra forma termino cambiándole el rumbo de su vida. Isabel siempre estuvo conciente de que arrastraba traumas desde muy joven. Por las venas de Isabel, siempre corrió un incontenible afán de mantener siempre unida a la familia. Lograr su propósito, compensó los traumas de Isabel, vigorizándola y dándole ánimos para a seguir adelante durante tiempos de crisis. Su objetivo de seguir siempre unidos, se convirtió en una prioridad imperiosa para la autora. A su núcleo familiar original( su segundo esposo, los hijastros de ambos, su madre, su padrastro, su hijo y familia, la abuela postiza, su ex yerno, etc.) y a ese espíritu misericordioso que poseen, el hogar de Isabel y Willie se convierte en un refugio para ”el despojado y el indefenso”. Es así como Isabel pronto se convierte en “matriarca”, regente, absoluta, y protectora. Tanta complejidad implica nuevas adaptaciones, especialmente para Willie e Isabel, originándoles problemas íntimos, por lo que tienen que acudir a terapia simultáneamente.. Isabel, se distancia con su hijo Nico, ya que no lo toma en cuenta como individuo y adulto que es. Quizás, solo fueron momentos intangibles, pero pudo, advertir los momentos de fama.. Una sapiente y madura Isabel Allende nos hace participe del vacío infinito dejado por la ausencia de su hija, como asimismo de las asombrosas señales y extraordinarios rastros de la misma a lo largo de los años. Este trabajo de la escritora chilena como todas sus narraciones está signado por los sentimientos maternos de Allende, quien intenta contarle a su hija Paula lo que ha pasado con su familia después de su muerte.“La suma de los días” es un viaje en el que la autora desanda hasta cientos de años en su ascendencia; nos narra anécdotas de sus tatarabuelos, que llegaron al continente, y de su ya mítica abuela Hilda, musa de su amado personaje Clara; de su madre, relacionada con un diplomático y forzada a respetar las tradiciones de los extraños países a los que éste era consignado y, finalmente, arriba a la misma historia de la autora: sus primeros empleos , sus libros, sus encuentros amorosos, la pérdida y el temor a la ausencia, la  adicción, la muerte, los espíritus, la porfíria (el fantasma que llevó a su hija a la muerte, el presente en su hijos y nietos), y de la historia de amor de un hombre y una mujer formales, arribados simultáneamente a la madurez . También, cuenta sobre su experiencia al cargar la bandera olímpica en las Olimpiadas de Turín, junto a mujeres galardonadas con el premio Nobel “La suma de los días” resume la vivencia intrínseca de la vida de una mujer enérgica e inteligente, con una larguísima trayectoria, una visión extremadamente singular y única del mundo y una vida todavía intensa, aun cuando Isabel Allende hace tiempo que es abuela Autobiográfico a simple vista,“ La Suma de los Días no cuenta solo una historia, sino una sucesión de ellas, lo que en parte (si el lector lee por vez primera vez a la escritora trasandina) no permite hinoptizar al lector como otras obras de la gran Isabel Allende, sin embargo, es un libro completísimo y sugestivo en muchos aspectos.

: La historia del moro de Venecia, de Gianbattista Giraldi Cinthio (1565), le sirvió a William Shakespeare para escribir Otelo, la única de sus "grandes tragedias" fundamentada en una obra de ficción. Desobedeciendo la imagen isabelina del "moro", Shakespeare modifica los papeles de los protagonistas, invirtiéndolos y le confiere al moro Otelo el perfil de hombre noble y aristocrático, mientras que le reserva para el italiano Yago los rasgos de la maldad y la falsedad, desarrollando en él uno de los estudios más pormenorizados del mal. Otelo no es otra cosa que la tragedia de la desavenencia, en la que riñen el amor puro, la pasión, la jactancia, los celos, la represalia..., El moro Otelo, general al servicio de Venecia, ha enamorado a Desdemona , hija del senador veneciano Brabancio, narrándole sus gestas y los peligros por los que ha debido sortear. La obra comienza cuando Desdémona acaba de escapar de la casa de su padre, Brabancio, y Otelo ha contraído nupcias con ella. Por esto Brabancio culpa a Otelo ante el Dux de haber embrujado y secuestrado a su hija. Sin embargo Otelo cuenta a todos quienes quieren escuchar de qué manera conquistó lealmente el corazón de Desdémona, a la vez que ésta ratifica su relato. .Mientras tanto el ataque de los turcos contra Chipre, se vuelve inminente y todos piden a Otelo la colaboración para rechazarlos. Babancio, aunque no quiere, entrega a su hija al moro al ver que Desdémona declara públicamente su amor por el. A pesar que Desdémona pide al Dux viajar junto a su marido, y acceden a su pedido. Otelo sale de viaje inmediatamente en su propio barco, dejando a su esposa al cuidado de Yago hasta que llegue el momento de reencontrarse con él en Chipre. Yago aconseja al ingenuo Rodrigo que si quiere acabar disfrutando de la compañía de Desdémona, se disfrace y le acompañe con todos a Chipre. Luego proyecta acusar a Casio ante Otelo de engañarlo con Desdémona-. Así los barcos de la expedición : el de Casio, el de Yago con su esposa Emilia y Desdémona; y por fin el de Otelo, que se reúne con su esposa.El alférez Yago, que ha sido suplantado en el cargo de lugarteniente por Casio, experimenta un odio profundo hacia Otelo.Yago esperaba ser ascendido por Otelo y además para entonces, ya había oído rumores de que el moro ya había pasado varias noches con Emilia, su esposa y camarera de Desdémona.En un primer momento, Yago logra infamar a Casio ante Otelo, haciendo que Casio se emborrache y empiece a perturbar la paz pública. En ello le ayuda Rodrigo que, sin ser correspondido, ama a Desdémona. Casio, despojado de su grado, es provocado por Yago para que suplique a Desdémona que medie en favor suyo ante Otelo. .Simultáneamente Yago siembra en el ánimo de Otelo la sospecha de que su esposa le es infiel con el miserable lugarteniente... El alma de Otelo es grande y noble, pero también llena de violencia solitaria y exaltada ,ero caerá sin remedio en la telaraña que Yago irá entretejiendo a su alrededor y que llegará a su fin con la escena del pañuelo, cuando el ruin oficial siembre la duda en el corazón del moro y logre persuadirlo de que su mujer le ha sido infiel con Casio.A partir de ese momento, Otelo se hundirá en una espiral instintiva e imposible de controlar que sólo acabará cuando asfixie a Desdémona estrangulándola y se de cuenta de que ha sido utilizado por el malvado y traidor Yago.Otelo es otra excepcional obra maestra más de la incomparable pluma de Shakespeare Leer o releer, como es el caso, a Shakespeare no es solamente redescubrir con admiración y regodeo la formidable fuerza, el ilimitado dramatismo y el singular lirismo que poseen sus textos si no también su sempiterna e inmutable actualidad. El autor de Otelo, y de tantas otras de sus majestuosas es capaz de avivar en forma de diálogo o monólogo emociones, desenfrenos , pasiones y virtudes, desasosiegos, y muchos más aspectos innatos a la condición humana, convirtiendo sus obras en un magistral epítome de lo humano. He aquí la razón por la cual Shakespeare nunca pase de moda y que sus obras, con más o menos anuencias por parte de los directores teatrales, sigan siendo las más representadas en el mundo.. Las frases de Shakespeare, las de todas sus obras y las de éste, su Otelo, son soberbias y magistrales o por echar luz sobre varias verdades si no por reproducir belleza. Llama la atención como entre la cantidad de formulas posibles para expresar cualquier cosa, o explicar cualquier situación este genio inglés siempre encuentra y elige la más ideal y la más perfectamente bella. Otelo, el Moro de Venecia, es una majestuosa y apasionante demostración del poder terrible de los celos y de como estos pueden hacer mella hasta en el más noble y cándido de los hombres, para perdición de la más fiel de las mujeres. Shakespeare nos muestra hasta las últimas consecuencias el poder demoledor de ese mal que agobia a los hombres (incluidas las mujeres) y lo concibe, como siempre en sus tragedias, sin el menor síntoma de piedad para con sus personajes, ofreciendo al lector una catártica experiencia de la que no se sale fácilmente

Después de “La casa de los espíritus”, los entendidos aguardaban con ansiedad la segunda obra de Isabel Allende, quien con su primera novela ya se había enrolado en el grupo de los mejores narradores de lengua española. “De Amor y de Sombra” es esencialmente una historia de amor encuadrada en el tiempo de la dictadura militar de Chile. Irene Beltrán es una joven periodista, hija de la dueña de un asilo de ancianos enfermos en la capital. Sus ideologías políticas desde siempre han provocado ira en su madre, quien no alcanza a entender cómo puede dedicarse al periodismo habiendo tantas otras carreras (desde este hecho el lector puede observar la arbitrariedad de la escritora: todos los personajes que se conducen con pensamiento de derecha son desalmados, necios, frívolos o avaros, o todo eso junto, mientras que los comunistas son los redentores de todo).Trabajando como periodista conoce a Francisco Leal, hijo de un matrimonio que huyó de la dictadura de Franco, en España, y se asiló en Chile en busca de mas y mejores oportunidades. Francisco es psicólogo, sin embargo imposibilitado de poder ejercer su profesión, se ve en la necesidad de buscar una nueva ocupación y una nueva profesión: la de fotógrafo. Sin embargo, nada resultará sencillo , porque Irene está comprometida sentimentalmente con un militar, decidida a casarse en poco tiempo más con un militar.Un a de las protagonistas de esta historia es Evangelina, una niña que es víctima de insólitos ataques en donde supuestamente es poseída por el demonio. Con el propósito de entrevistarla, Irene y Francisco concurren a la casa de la familia Ranquileo, en el campo, en donde vive Evangelina. A través de su delicada técnica de novelista Isabel Allende nos maravilla con personajes psicológicamente bien delineados y un argumento sugerente. Sin necesidad de recurrir a palabras complejas (con un vocabulario más bien escueto, pero productivo) la escritora chilena realiza descripciones valiosas que envuelven al lector en el opresivo entorno de la historia. La autora nos traslada con su fantasía a los impasibles territorios capitalinos, en donde la mirada desconfiada al poder y la incertidumbre golpean los corazones de las personas De amor y de sombra es una gran novela, trascendental en la narrativa chilena. Ente sus principales meritos, la escritora trasandina retrata como ninguna una de las épocas más oscuras de la historia nacional de aquel país Quien se adentre en la lectura de De amor y de Sombra, se encontrará con la manifestación más interesante del arte que Isabel Allende ha desarrollado en su carrera En un ambiente de perplejidad y miedo, en un país donde se concretan arrestos ilegales, desapariciones repentinas, y ejecuciones sumarias, la segunda novela de Isabel Allende narra la exaltada relación de dos personas listas a comprometer todo por el bien de la justicia y de la verdad. El hecho de que la reportera Irene Beltrán procediese de una familia burguesa y adinerada no resultó impedimento para que Francisco Leal, un joven fotógrafo y miembro anónimo del movimiento de resistencia (propuesto a derrocar la dictadura militar de esa nación), haya sido cautivado por su belleza. No fue relevante que su novio, Gustavo Morante, cuyo apodo era "El Novio de la Muerte", fuera un capitán del ejército. Francisco a realizar su trabajo para la revista, se enamoró más profundamente de ella. Enviados a investigar el misterioso caso de Evangelina Ranquileo,la pareja se vio involucrada en una vorágine de terror y de violencia, cuando descubren un crimen espeluznante. Al igual que en La Casa de los Espíritus Isabel Allende una vez más, se muestra como una narradora de historias grandilocuentes, contrastando habilidosamente imágenes de aglomeración en las morgues y en las fosas comunes con los cambiantes paisajes de América del Sur, y dando vida a personajes intrépidos que casi prorrumpen de las páginas: la madre intencionadamente ignorante y decadente de Irene; el vehemente y aventurero padre de Francisco; y Mario, un homosexual respetado y estimado por todos y un revolucionario sin miedo a nada. De Amor y de Sombra es una historia cautivante de tragedia y enajenación, de bravura y sacrificio, de lealtad familiar y de felonía estatal; un cuento que es a la vez hondamente conmovedor y estimulante. Sólo unas pocas páginas son suficientes para que Isabel Allende nos presente una vez mas una atmósfera fascinante y al mismo tiempo tan asfixiante de la su primer obra, La casa de los espíritus, y con ella también la escritora nos trae una vez más los personajes de mujeres fuertes, convincentes. De Amor Y de Sombras es una novela sobre la violencia institucional, llevada a la práctica por estados autoritarios; se trata de los derechos humanos y su pérdida, y el problema de demostrar esa pérdida, para espolear la conciencia colectiva del mundo…Allende ha combinado el mundo de la magia y la perversidad política en una forma extremadamente creíble. La novela de Isabel Allende además de sondear el mundo diabólico de los “desaparecidos, cuenta con todos los componentes de ficción excelente y así se convierte en un vibrante drama, rico en detalle, personificación, y temas eternos.Los protagonistas De Amor y de Sombra es gente real, sus éxitos y sus fracasos son los éxitos y los fracasos tanta gente de carne y hueso. Los lectores encontrarán en la novela de Isabel Allende a la expresión más sugestiva del arte que la gran escritora ha desarrollado en su carrera.

El conde de Montecristo (Le comte de Monte Cristo) -novela de aventuras clásica de Alexandre Dumas padre.-Otros autores colaboraron con Dumas para escribirlo Casi de la nada, Dumas escribió una tan perdurable como voluminosa (mas de cuatrocientos treinta y tres mil quinientas palabras,) obra maestra. Cierto día, leyendo las memorias de un ignoto Jacques Peuchet (realmente, Dumas leía todo lo que caía en sus manos) se encontró con una referencia casi perdida acerca de un zapatero François Picaud que, en 1807, iba a contraer matrimonio con una pudiente señorita cuando, sin motivo alguno e injustamente, algunos amigos (¿amigos?) lo denunciaron como espía. El inocente Picaud terminó en la cárcel sin proceso ni esperanzas de demostrar su inocencia. Con el tiempo, un compañero de prisión, moribundo, le confió a Picaud la existencia y (el lugar donde se hallaba )de una enorme fortuna, de origen desconocido, que había disimulado en un lugar recóndito antes de caer preso. "EL Conde de Montecristo "es una intrigante novela de  aventuras. Infortunios., naufragios, calabozos subterráneos, huidas, ejecuciones, atentados, crímenes, delaciones, envenenamientos, substituciones de personalidad, un niño enterrado vivo, una joven revivida, escondrijos subterráneos, traficantes, facinerosos, tesoros, amoríos, adversidades económicas, golpes de efecto, a todos estos elementos recurrió el gran Dumas para recrear una atmósfera imaginaria, sorprendente, fantástica, a la medida del héroe que se mueve en ella. Y todo ello embozado en una novela de costumbres, digna de compararse con las novelas de Balzac.de aquel tiempo Toda la obra gira en torno a una idea moral: el mal debe ser escarmentado. El conde, desde ese lugar que le confiere la sabiduría, la fortuna y el manejo de los hilos del argumento trama, se constituye en "la mano de Dios" para impartir premios y castigos y resarcir su juventud y su amor lacerados. Otras, cuando golpea los rigurosos hachazos de la venganza, nos sentimos despavoridos.»La historia tiene lugar en Francia, Italia y varias islas del Mediterráneo durante los hechos fidedignos de 1814-1838 (el final del mandato de Napoleón I de Francia y el reinado de Luis Felipe I de Francia). Al escribir esta obra reconocida como clásico de la literatura universal Dumas apuntó fundamentalmente a abordar temas como la justicia, la reparación, la misericordia y el indulgencia y está contada en el estilo de una historia de aventuras. Dumas obtuvo la idea de El conde de Montecristo de una historia verídica que encontró buceando en las memorias de un hombre llamado Jacques Peuchet. Peuchet narraba la historia de un zapatero llamado François Picaud que vivía en París en 1807. Picaud casi al mismo tiempo de comprometerse con una mujer rica, cuatro amigos celosos le acusaron falsamente de ser un espía de Inglaterra. Cuando Picaud fue liberado en 1814, se apoderó posesión del tesoro, regresò a París bajo otro nombre y dedicó diez años a delinear su exitosa venganza contra sus amigos del pasado . Injusticias y la justicia por la propia mano, la venganza provocada por un engaño, y el perdón, final sirvieron de apostillas para redondear el argumento de una novela memorable. Cuando Dantes - un joven marino- está a punto de convertirse en capitán de un barco, otro marino llamado Danglars, que ambicionaba ese puesto, lo culpa de agente bonapartista, razón que sirve para llevarlo a juicio con Villefort, éste para salvarse a si mismo, acaba condenándolo, y termina en la prisión del castillo de If. Dante escapa, y después de adueñarse del tesoro, decide cambiarse el nombre por el de Conde de Montecristo. El conde de Montecristo lo ayuda, y diez años después empieza a consumar su venganza, primero provoca que Fernand, quien se había casado con su amada, relación de la cual nació un hijo, se viera involucrado en un juicio y sea deshonrado, motivo por el cual luego su esposa y su hijo lo abandonan y se suicida. Danglars se ve envuelto en una bancarrota, cuando para entonces se había convertido en el banquero más rico de parís, y decide marcharse a Italia, y por último, aunque Villeford resultó perdonado, su segunda esposa y su hijo incapaces de sobrellevar tanta vergüenza se envenenan y mueren. El Conde de Montecristo es además de una novela conmovedora e inteligente, donde el entretenimiento no aparece desvinculado de la reflexión, donde la acción no prescinde de la reflexión y la profundidad. una de esas obras mayúsculas, que nos ofrece un encanto y fascinación tan grande y multiplicada por innumerables atractivos que atrapa a los lectores, mas allá de es sus preferencias, sea cual sea su época, su nacionalidad, y sus circunstancias. La obra de Dumas alcanzó rápidamente el rango de obra universal de la literatura, gracias a sus cautivantes personajes, a su rico y absorbente argumento, a su pomposo pero noble y alto lenguaje, a sus diálogos, a sus significados, etc,etc... El Conde de Montecristo es una monumental obra de Alejandro Dumas que va mucho más allá de la narración de una venganza. Nos habla de las relaciones, confabulaciones, amores e intereses de la sociedad del siglo XIX. Nos habla de las relaciones, confabulaciones, amores e intereses de la sociedad del siglo XIX. Es también, además de una obra maestra, un prisma de personajes y de caracteres que se mezclan constantemente a lo largo de la novela y nos muestran que el ser humano es capaz de guardar dentro de sí tanto la ambición más sombría hasta el amor más puro.

Todo comienza a principios de julio con un joven que tenia una deuda con Elena Ivanovna, que era una anciana usurera. Esta es asesinada por el joven universitario Raskolnikoff, el tenia muchos problemas económicos para proseguir con sus estudios. Raskolnikoff, después de matar a la prestamista Ivanovna y a su hermana con un hacha, se apodera de las alhajas se deshace Agobiado por las deudas que contrajo en demasiado poco tiempo, con Elena Ivanova, una anciana usurera, un joven estudiante Raskolnikoff , y agobiado por no conseguir ninguna solución a muchos problemas económicos para proseguir con sus estudios, Raskolnikoff toma una decisión extrema asesina a la prestamista y a su hermana con un hacha, se apodera de las alhajas de las dos desdichadas mujeres, se deshace del arma asesina y oculta las joyas en el hueco de un patio, colindante con el edificio. Los días sucesivos al crimen agobiaron al asesino haciéndole casi insoportable su delirio de persecución y aterradores pesadillas. La policía lo entrevista para despejar ciertas dudas que tiene sobre su persona con relación al crimen de la usurera y, cuando le informan del hecho, Raskolnikoff se desmaya. Empieza a comportarse demencialmente y extravía todo con suma facilidad. Raskolnikoff vive abandonado a su suerte. Su amigo entrañable Razumikin, procura reconfortarlo, cambiándole los andrajos que tenia por ropa nueva. Un día, deambulando sin rumbo por las calles, ingresa a un café, allí le echó un vistazo a los periódicos de los últimos cinco días buscando alguna información que hablara sobre el crimen. Allí se encuentra con Zametoff, con quien traba conversación sobre el homicidio que acabó con la vida de la usurera. Este se muestra intrigado con la conducta de Raskolnikoff ya que considera por demás extraño su comportamiento, le da la impresión de que Raskolnikoff estuviera asustado o tal vez ocultara  algo y por ello, Zametoff resuelve contárselo a la policía. Sin dejar de pensar en el crimen que realizó, el joven universitario acude a la casa de Sonia, juntos se entregan a la lectura de la Biblia y se aman en silencio. Posteriormente, el muchacho le confiesa que el fue quien mato a su patrona; quedando la muchacha sumamente impresionada, Sonia le promete que jamás lo abandonaría y que siempre estará a su lado. El joven, finalmente, resuelve entregarse a las autoridades y declararse culpable. Crimen y castigo (1866), valorada por la crítica como la primera obra maestra de Dostoievski, es un exhaustivo análisis psicológico de su protagonista, el joven estudiante Raskolnikov, cuya firme convicción en el hecho que los fines humanitarios explican la maldad le arrastra al asesinato de un usurera petersburguesa, sin embargo, desde el mismismo momento en el que comete el crimen, la culpabilidad se convertirá una opresión constante con la que el estudiante le resultará imposible convivir. El estilo febril y piadoso de Dostoievski sigue con maestría excepcional Al los meandros de las irracionales emociones del estudiante y muestra la lucha extrema que redime con su conciencia mientras deambula por las calles de San Petersburgo. Dostoevsky empezó a escribir Crimen y Castigo en el verano de 1865. Atravesaba una angustiosísima situación económica no solo por sus hábitos de juego, tambien se esforzaba por ayudar a la familia de su hermano Mikhail, muerto en 1864; el autor acumulaba deudas por grandes sumas de dinero. Crimen y Castigo, fue imaginada por su autor, durante su cautiverio en Siberia. A Dostoievsky se le acusó de conspirador y cumplió condena en las apartadas tierras de castigo del zar. El intenso realismo logrado por Dostoievsky en su pintura social, como así en la descripción íntima de los personajes, sólo pudo haberlo reproducido luego de sufrir en carne propia la más tajante pobreza.La novela nos cuenta un crimen. Un crimen por perpetrado por un joven y su subsiguiente lucha interna enfrentando a sus propias emociones y delirios. Un fortuito pretendiente de la hija, y su antiguo patrón, darán forma a una acción física dentro de la novela sin perder nada de su contenido psicológico. Consumado el crimen, Raskólnikov no sufre remordimientos por haber acabado con una vida humana. Su víctima no deja de ser para él un parásito que no merecía continuar viviendo y cuya exterminación favorece a la comunidad. Su martirio se origina en la convicción de saber que no es el hombre capaz de ejecutar un acto vil y emplearlo como peldaño para avanzar en su ascenso. Una espiral de sentimientos vagos arrebatará el ánimo del joven que se batirá contra sí mismo para acabar ante la certeza de que necesita purgar su culpa para poder volver a creerse humano. Dostoievski sabe como nadie plasmar la lucha de un hombre víctima) de su época, hondamente complejo y humano. Provocador, rendido, presuntuoso o desanimado, constantemente inmerso en la duda y la insatisfacción, Raskólnikov es un personaje elíptico, perfecto, excepcional. Secundado por una galería de personajes bien delineados que le complementan, subrayando sus contradicciones y ayudando a llevar una historia turbulenta, protagoniza una de las mejores novelas de la que se tenga recuerdo

El Amante de Lady Chatterley , de D.H Lawrence plantea la dualidad entre la parte racional y la instintiva/ en el ser humano. Para lograr tal fin, el autor echa mano al personaje de Connie "Lady" Chatterley. La protagonista pasa sus días,siendo una de las protagonistas de un matrimonio hosco y reprimido sexualmente (Clifford) y la revelación de una sexualidad vital y "creadora" desde que conoce a su amante, el guardabosques Mellows. Lawrwence no solo se detiene en la descripción de la pasión de la pareja, también examina las posibilidades de la vida y del hecho de vivir en un entorno industrial. Su interés se inclina en la naturaleza de las relaciones que pueden tener lugar en la época y ambiente. El autor ejerce a lo largo de estas páginas un marcado interés de índole realista/psicológico por las relaciones humanas, con una notable preponderancia de la impronta del nietzscheanismo y del psicoanálisis de Freíd. La guerra dejó inválido a Sir Clifford Chatterley; el y su esposa Connie llevan una existencia placentera, llena de comodidades, rodeada de los placeres de la alta burguesía de las reuniones sociales y regida por los correctos términos que deben ser propios de todo buen matrimonio. Connie, sin embargo, no puede no sentir un vacío significativo, hasta asfixiante. La aparición en su vida de Mellors, el guardabosque de la mansión familiar, le pondrá en contacto con ago, hasta ahora desconocido para ella: las energías más elementales e instintivas relacionadas con el amor, también con el sexo y con la vida. La fuerte vertiente relacionada con la energía sexual que ocupa toda la obra de D. H. Lawrence encuentra una de sus máximas expresiones en "El Amante de Lady Chatterley novela que desde el momento de su aparición.»fue motivo de polémica y escándalo. El matrimonio de Constance y Clifford no tuvo ni tiempo ni ocasión de pensar en la posibilidad de engendrar hijos y ahora esa eventualidad se ha vuelto totalmente nula-Sir Chatterley ha regresado de la guerra y como consecuencia de un disparo deberá pasar el resto de su vida, confinado a una silla de ruedas y no solo eso ha quedado impotente sexualmente. Sir Chatterley es un miembro de la aristocracia, intelectual y ciertamente vanidoso, que estimula a su esposa a que encuentre un amante que pueda darle la satisfacción sexual que el ya no puede brindarle y que también la deje embarazada, de esa forma solucionaría muchos de sus problemas simultáneamente (el asunto de la descendencia y el de los apetitos de su esposa). Tiene un devaneo amoroso con Michaelis, un artista que visita ocasionalmente la casa de los Chatterley e incluso llega a plantearse la opción de abandonar a su esposo y casarse con el artista pero pronto desiste de la idea . Sigue transcurriendo el tiempo y Lady Chatterley se siente cada vez mas agobiada, ya ha contratado una enfermera para que se ocupe de su esposo y ahora sus ocupaciones son insuficientes.. Así, empieza a interesarse en Mellors, el guardabosque de su marido. Se siente atraída por él, por la virilidad que representa y que ya no encuentra en su marido postrado, pero a su vez rechaza su forma de vida, su forma de comportarse y hasta el modo de hablar... La diferencia de clase es muy notoria entre ambos y acabará condicionando la relación.¿Se regocija siempre lady Chatterley con el guardabosque? No, para nada. Ella no encuentra nada que la complazca o distraiga y empieza conformarse solo con tener con mantrener relaciones sexuales con el guardabosque.Comienza así una enmarañada relación entre ellos, signada por el adulterio de lady Chatterley, la negación voluntaria de sir Chatterley ante el escarceo de su mujer y Mellors, quien es consciente del hecho que una mujer como esa no siempre estará a su alcance y a pesar de que la desea con locura la trata en ocasiones con descortesía. El autor, con fraseología salvaje y, a veces, poética y espinosa, nos traslada a la mentalidad de una mujer que poco tiene en común con las demás mujeres. Una mujer resuelta a disfrutar, una mujer enérgica y decidida, dispuesta a gozar de su cuerpo sin pretextos, sin contravenciones. El Amante de Lady Chatterley lanza una salvaje crítica a la hipocresía social sobre el sexo, sobre la imposibilidad mental que miles de personas sufrían sin darse cuenta, y trata de llenar con sangre, y vida, los derroteros más ásperos de la sociedad de alta alcurnia. Junto a estos estremecimientos, podemos apreciar un pequeño azote hacia la industrialización y una mano tendida a la clase obrera. El Amante de Lady Chatterley si bien no fue la primer novela moderna en esbozar un romance entre dos personas de distintas clases sociales; pero si en orientarse en la relación física de sus protagonistas; además nos adentra en la violenta historia de amor entre una mujer aristocrática -Lady Chatterley- y un trabajador normal y tradicional -Oliver Mellors-. Este vínculo es contado desde muchos ángulos, pero D.H. Lawrence pone un asombroso énfasis en la relación física entre ambos, llegando a puntualizar explícitamente -y superlativamente, de manera genial - algunos pasajes eróticos memorables. En "El amante de Lady Chatterley" hay espacio para abordar el enfrentamiento entre distintas clases sociales, los prejuicios, el regodeo, las diversas formas de comportarse que tienen los hombres y las mujeres, el valor del dinero, la desaparición de valores y, obviamente, el adulterio.  

: Con la llegada del rico y apuesto Mr. Darcy a su región, las vidas de los Bennet y sus cinco hijas YA no serán lo mismo . El orgullo y la desigualdad social, la socarronería y la hipocresía, las argucias y los juicios ligeros y apresurados aproximan a sus personajes al escándalo y al sufrimiento, pero también a la razón, el conocimiento y el amor verdadero. Lo más prodigioso de todo es que esta novela se publicó por primera vez el 28 de enero de 1813, aunque Austen elaboró su primera redacción de la obra entre 1796 y 1797, con apenas veinte años.A pesar de la corta edad de su escritora, Orgullo y prejuicio es muchas cosas a la vez, pero fundamentalmente es un libro que habla sobre la madurez. A lo largo de la historia, Lizzy y Mr Darcy 2 de sus protagonistas soportan un sinnúmero de cambios y infortunios, por dentro y por fuera, que consiguen hacerlos evolucionar de manera substancial hasta el final de la novela. Mientras tanto, el lector es testigo de un recorrido en primera clase de la vida y los hábitos de la época, motivos de una crítica virulenta y sarcasmo ácido hacia una sociedad que a la mismísima Austen le costaba adaptarse, llena de contradicciones, iniquidades y necedades. Los personajes son de los más magnánimos que Austen nos ha entregado a lo largo de su obra, y consigue llevarnos a aquella época y aquellas situaciones sin problemas. Orgullo y prejuicio es antes que cualquier otra cosa, una novela para regocijarnos con su lectura . Saborear cada palabra y asombrarse ante los inconvenientes del propio lenguaje y la inteligencia de su autora al desplegar la temática y al describir a los personajes. Se trata de una obra amena y apasionante, que logra sumergir al lector en una época que parece a milenios de la actualidad. Leyendo Orgullo y prejuicio nadie debería sorprenderse de que sea una de las mejores novelas de todos los tiempos.Punzante, anti-romántica, insondable y cáustico a un tiempo, la obra de Jane Austen nace de la reflexiones que giran en torno de la vida doméstica y de un profundo discernimiento de la condición humana. Orgullo y prejuicio ha cautivado a generaciones de lectores por sus memorables personajes y su amenizado retrato de una sociedad, la Inglaterra victoriana y rural, tan paradójica como absurda. Jane Austen es una de las autoras más populares y celebradas de la literatura universal. Con novelas como Sentido y sensilidad o Emma ha cautivado y emocionado a millones de lectores durante los dos últimos siglos, y su gran obra, Orgullo y prejuicio, perdura como uno de los grandes clásicos de todos los tiempos, a tal punto que uno de sus personajes primordiales, el señor Darcy, se ha convertido en uno de los estandartes de las novelas de la época victoriana.. SE ha dicho ya que las vidas plácidas de la familia Bennet se ven alteradas irremediablemente tras la llegada de dos jóvenes solteros, y de buena posición, cerca de la propiedad donde viven los señores Bingley y Darcy, dueños de nada despreciables fortunas y físicos más que agradables, se convierten en futuras metas de la matriarca de la familia, quien no desea otra cosa más que ver a sus cinco hijas casadas con hombres respetables, respetados y bien posicionados económica y socialmente. Las aventuras matrimoniales terminan siendo el argumento de una novela que muchos recordarán, amena, desprejuiciada y divertida cuya autoría data, sorprendentemente, de hace más de doscientos años. El lúcido retrato de la sociedad hipócrita y contemporánea que Jane Austen perfila con sobresaliente escritura encierra una crítica tan despiadada como apasionada y deliciosa, de manera que uno no puede menos que honrar la valentía de la autora por escribir tal historia. No es extraño que un editor se resistiera a publicarla en 1797, pues Orgullo y prejuicio, para muchos representaba una blasfemia que por ese entonces rozaba el sacrilegio, adentrarnos en su lectura nos ayuda a conocer cómo pensaban y actuaban mucha de la gente a principios del siglo XIX en forma de una crónica poseedora de gran comicidad que hará los deleites de quienes busquen una novela un tanto distinta. La delicada ironía que acompaña la prosa es un ingrediente más que debemos valorar a la hora de entender la maestría de la obra. Los protagonistas, además, sobresalen por sí mismos. El señor Bennet, por ejemplo, es un personaje admirable y lleno de simpatía ; su esposa n escatima esfuerzo para mostrar una interesada superficialidad y una indisimulable ignorancia; las hermanas Bennet son extremadamente distintas entre sí, casi antagónicas y muchas de ellas no hacen masa que responder a los arquetipos de mujeres victorianas..Orgullo y prejuicio rompe muchos de los preconceptos que hay en el mundo literario: los clásicos no son necesariamente historias tediosas y pueden resultar amenos y las novelas románticas son y deben ser capaces de ir más allá de una historia de amor escueta y sin matices. Una proeza que le debemos arrogar a Jane Austen, una de las escritoras más encumbradas, ponderadas, renombradas e imitadas. Por algo habrá de ser

Utilizando como telón de fondo el famoso fratricidio bíblico, acomete frontalmente contra Dios, seguro que su actitud no dejará indiferente a nadie.Saramago siempre se mostró definido en lo que a tremas religiosos, se refiere. Su polémico libro El evangelio según Jesucristo, ya habìa sido objetado veinte años antes de la publicación de Caìn, por el Gobierno portugués para competir por el Premio Europeo de Literatura. En Caín, el ensayista lusitano, exime a su protagonista del asesinato de Abel y incrimina nada menos que a Dios como autor intelectual al desatender el sacrificio que Caín le había ofrecido. Saramago, categórico en todo momento, considera Caín su libro concluyente para ajustar las cuentas con Dios, por ello estuvo siempre advertido frente a las críticas que surgirán alrededor de su nueva obra Tras el asesinato de Abel, la caída en desgracia divina espolea a Caín a vagar por la tierra de Nod con el sublime e incierto bien de la inmortalidad. En la pluma de Saramago, sin embargo, ese ostracismo se convirtió en un viaje de discernimiento, un acelerado ir y venir por tiempos y lugares que permitirá a Caín advertir el origen de su propia execración. Desde la inmolación de Isaac por Abraham hasta la ocupación de Jericó, desde la hecatombe de Sodoma hasta el Diluvio Universal o a los calvarios de Job, Caín es testigo de cada uno de los sucesos de una historia signada por hechos de sangre, la bíblica, escrita por un dios antojadizo e insensato. A través de” Cain”, el autor de “Todos los los Nombres”, “ La Caverna” ,”Ensayo sobre la Lucidez” se sirve de los orígenes más primitivos del hombre que el mundo cristiano se acuerda: la creación de Adán y Eva y la expulsión del Paraíso. El primer crimen humano, la muerte de Caìn, asesinado por Abel, da marco a la situación para que Dios dispare su ira por segunda vez sobre los hombres y castigue a Caín a vagabundear perpetuamente por la tierra de Nod, es decir, la tierra de la nada. .Testigo presencial e incluso protagonista de algunos de estos episodios, más significativos del Antiguo Testamento: (el abortado sacrificio de Isaac por Abraham, la destrucción de Sodoma y Gomorra, la ira de Moisés en el monte Sinaí, la conquista de Jericó, el Diluvio Universal... capítulos todos ellos con un denominador común: la crueldad del dios cristiano y el atropello de sus decisión) Caín se convierte en el más apasionado critico que persigue a Dios y a sus devotos incondicionales, que desaprueba las inmolaciones de los inocentes, que no encuentra sentido a las pruebas divinas, que busca explicaciones donde sólo se ofrecen buenas intenciones. El dios de los cristianos, carente de razones y en ocasiones se diría que de razonamiento, se muestra teniendo en cuenta los diálogos con sus siervos como un niño caprichoso o un déspota. Termina resultando Caín el único personaje que se pregunta sobre el destino, sobre el sentido de su vida, y que tiene incluso respuestas para ello. Con Caín, Saramago irrumpe en la historia habitual y de todos los días de la Biblia. El escritor portugués nos adentra en la historia cotidiana de la Biblia porque, a partir del destierro que el asesinato de Caín provoca, el autor juega a poner voz y palabra concreta a cada discurso, diálogo e incluso pensamiento de los grandes protagonistas de la Biblia. Caín sigue de cerca, por tanto, los hechos de la Biblia y sobre ellos fabula, pero partiendo de un conocimiento cierto de los textos sagrados. Como otras novelas de su autor, Caín resulta devastadora si nos atenemos a la perspectiva del destino humano, y lo hace a través de su protagonista principal, el cual sostiene una visión desalentada de la providencia, despojada de confianza en el futuro del hombre y la bondad de Dios. Y en este paisaje nada reconfortante, son tal vez los personajes «malditos» de la Biblia quienes despiertan mayores devociones: Caín y la hechicera Lilith, además de los exilados Adán y Eva. En la breve pero a la vez intensa novela que resulta siendo “Caín”, a través de un refinado sentido del humor y de la ironía, José Saramago nos entrega una visión de los hechos bíblicos reflexionada con el paso de los años, las experiencias y los libros; una visión que ciertamente está teñida de crítica y cuestionamiento, que escapa a lugares comunes y viejos convencionalismos y se aleja de la parodia fácil aun a riesgo de resultar impertinente; una visión que, en definitiva, tiene en la iniquidad y el dolor humano el foco de todo razonamiento. Si en El Evangelio según Jesucristo José Saramago nos ofreció su mirada del Nuevo Testamento, en Caín regresa a los primeros libros de la Biblia. En un derrotero iconoclasta, recorre ciudades empobrecidas y caballerizas, palacios de tiranos y ejidos de batalla de la mano de los principales protagonistas del Antiguo Testamento, estampándole la música y el humor sobrio y elegante tan característicos en toda su obra. Caín pone de relieve lo que hay de moderno y extraordinario en la prosa de Saramago: la capacidad de recrear como renovada una historia que se conoce de principio a fin. El relato del gran escritor nacido en Azinhaga es un punzante y cáustico recorrido en el que el lector es testigo de una guerra profana, y en cierta forma, , instintiva, entre el creador y su criatura.

Al escribir "Lolita" sobresaliente novela del ruso Nabokov, el escritor nacido en San Petersburgo, se propuso narrar las relaciones entre un profesor cuarentón y una chiquilla de tan solo doce años. A pesar del contenido escabroso del argumento, Nabokov hace un relato ameno, más insinuante que pornográfico (nunca llega a ser decididamente obsceno) en el que lector es testigo de la pérdida de razón del protagonista, empujado por sus sentimientos y fogosidades que le demuestra a la niña. En una primera parte, el personaje de Humbert cuenta a grandes rasgos su vida, cómo se relacionó con la primera nínfula, hace una descripción de qué son las niñas para él, como se desarrolla su vida en París, etc. En este relato se barajan reflexiones y valoraciones psicoanalíticas. Durante la narración se vuelve axiomática una fuerte influencia de las doctrinas de Freud, que en algunos momentos hasta resultan ser parodiadas. La segunda parte comienza cuando la mujer, al leer los diarios de su marido después de descubrirlos) y enterarse de la pasión enfermiza de éste sale escapando de la casa y termina bajo las ruedas de un vehiculo, atropellada. Al morir, Humbert resuelve ir a buscar a Lolita al campamento donde está, sin revelarle que su madre ha fallecido . A partir de ahí se inicia una travesía por la América profunda, de hotel en hotel, quedando a merced de sufrir las sospechas llenas de escrúpulos por parte de los recepcionistas, etc. Humbert está dispuesto a darle el dinero, pero furioso al enterarse de que el marido la pervertía con sexo múltiple y orgías, acaba quitándole la vida al hombre. La historia de la obsesión de Humbert Humbert, un profesor que ronda los cuarenta años por la doce añera Lolita es una sorprendente novela de amor en la que se mezclan dos elementos explosivos: la atracción «maliciosa» por las nínfulas, la seducción perversa y el incesto. - También la obra de Nabo es un itinerario a través de la enajenación y la muerte, que da paso a una refinadísima violencia, narrado, a la vez con ironía y exaltación desenfrenada, por el propio Humbert Humbert. Lolita es también un retrato cáustico e iluminado de los Estados Unidos, de los espantos suburbanos y de la cultura del plástico y del motel. Lolita, como todas las colosales novelas, es muchas cosas al mismo tiempo. Es una tragedia, un melodrama y una sutil y maliciosa paradoja precursora a propósito de nuestra sociedad y nuestro tiempo. Como el mito y el embrujo de la juventud que rodea a su protagonista, por Lolita no parece desfilar el tiempo y, aunque sus aparentes contenidos escabrosos puedan antojarse un tanto ingenuos en los comienzos de este nuevo siglo, las pasiones e interrelaciones humanas que transitan por su argumento continúan latentes, tan actuales como siempre y vehementes entre nosotros. Pero Lolita podría ser también un tratado de entomología (la segunda profesión de Nabokov) por la exactitud y lo despiadado de su desarrollo, por su atmósfera de tragedia contemporánea que la convierte en actual y atemporal al mismo tiempo.Justeza y contrasentido, apariencias y pretensiones secretas que aparecen sugiriéndose y asomando hasta la catarsis y la hecatombe de sus personajes. La gran pregunta y la gran provocación de Lolita es ¿quién cautiva a quién, quién es la polichinela y quién tira de los hilos? ¿El febril y promiscuo Humbert Humbert, profesor y traductor, que conjetura que todo es posible, sin importarle los medios y acosa a su objeto de deseo hasta alcanzar una satisfacción mecánica que no hace otra cosa que revelar su desequilibrio, o la ninfa que parece crecer desde un candor pre- consciente y perturbador hasta una influencia que disfrazada supuesta inocencia para manipular a su ilusorio conquistador? La novela de Vladimir Nabokov no es tan solo una enérgica alegoría de los meandros del deseo, la seducción y la opresión, sino también una carga de profundidad que estalla en medio de la conformidad y la hipocresía de la sociedad en la que se desenvuelve . Humbert es normal mientras puede, hasta que deja de serlo, hasta que Lolita le excita y provoca un cambio en su mente y un giro de ciento ochenta grados que hace asomar sus deseos profundos, mucho más intensos y poderosos que la máscara y los rasgos de normalidad que le distinguían A todo esto, Lolita acaba resultando la vencedora en el combate de la seducción; su fuerza y convicción aumenta a medida que Humbert se desintegra, lo que en principio la convierte en una niña casi mujer poderosa, sin embargo hacia el final de todo su victoria resulta pírrica, porque en su fugaz condición de ninfa se oculta su propia fragilidad ante el tiempo, la trivialidad o la dependencia( transformada en necesidad )de otros seductores menos abrumados que el pobre Humbert. Lolita es, asimismo, la materialización de un fenómeno muy infrecuente en la gran literatura: el cambio de lengua. Nacido en Rusia , educado en Gran Bretaña y naturalizado norteamericano, Vladimir Nabokov es uno de los escritores que ha logrado  escribir una obra cumbre en otra lengua que la materna. Resulta difícil encontrar una obra que maneje el idioma inglés con mayor sortilegio y acierto que Lolita; acaso ésa es una más de las paradojas de esta obra mítica del escritor ruso

Cuando en 1942, el célebre escritor español Camilo José Cela publicó en Madrid "La familia de Pascual Duarte", una novela con marcado perfil realista y existencialista que, por las particularidades de su argumento, provocó que la Iglesia, reaccionará, haciendo escuchar su más enfática voz de reprobación. En este relato de narración lineal, el autor seduce al lector con una historia de notable fuerza dramática de gran preponderancia religiosa relacionada a la marginación, la ignorancia y la amargura que permite pensar sobre el valor que se le da a la oportunidad de vivir. El protagonista y a la vez narrador (juega siempre el papel de cronista en la obra) es Pascual Duarte, un hombre inculto, iletrado y desdichado cuya vida se desenvuelve en el ámbito campestre extremeño entre 1882 y 1937, una tiempo en la cual el país estaba inmerso en una aguda inestabilidad socio-política. Con innumerables dificultades que le hacían imposible adecuarse a la sociedad por su condición humilde y los problemas que debió afrontar a lo largo de su vida, el personaje principal, un ser signado por las adversidades y el rencor, recurre a la violencia para resolver todos aquellos problemas que el destino le tiene reservado En "La familia de Pascual Duarte", el protagonista se vale de sus días en prisión para hacer una revisión de su vida, desde su infancia como hijo mayor de un matrimonio humilde, carente de recursos económicos, lleno de situaciones conflictivas, resultado de su adicciòn al alcohol y la violencia hasta su realidad actual, una circunstancia que lo encuentra privado de su libertad después de haber soportado múltiples desgracias ( las muertes de sus hijos y el adulterio llevado a la pràctica por parte de la mujer que, hasta ese entonces, era su esposa) y reaccionado de la peor manera imaginable. La familia de Pascual Duarte no es, claro, una novela sobre la guerra, y lejos esta de ser un experimento humorístico. Uno de los mayores logros de la novela reside en su ajustado lenguaje. Porque eso es lo que hace Cela en este texto: "nombrar a las cosas a través del patrimonio de un vocabulario singular y vivo.Camilo Josè Cela recurre con insistencia el estilo directo, de una forma ponderada y sobria en el que las repeticiones sirven para recrear esa atmósfera propia de estos personajes rudimentarios y primarios para los que el lenguaje rara vez cuenta con matices o insinuaciones .No resulta raro imaginar que Pascual Duarte es, mucho más que verdugo, mártir de su propia realidad. Cuando nos detalla su pueblo, su casa y a su familia nos percatamos el abismo que eso presume: "el reloj de la plaza del pueblo está parado. La choza de Pascual, fuera del pueblo, desocupada y abandonada. Olor a bestia muerta. Carroña en el vecino despeñadero. Un pozo cegado. Un regato medio seco, sucio y maloliente.Padre y madre, abandonados en su conducta, se abandonan a las vanas disputas, al alcohol, a la animalidad. Toda la piedad de Pascual se concentra en su hermana, en Rosario. Rosario es quien rescata a Mario apaleado, levantándolo del suelo..Cuando en 1942 Cela escribe su primera novela - "la familia de Pascual Duarte. España sufria una de sus crisis más agudas: indolencia evasiva y total desolación en el plano expresivo. La obra de Cela vino a significar en la trayectoria de la narrativa española de la posguerra el primer intento hacia un nuevo realismo "existencial", un realismo turbado por el mundo como las circunstancias en las que se desarrolla la vida de un hombre, ponen a prueba su suerte y sirven para determinar su comportamiento. En este sentido, "la familia de Pascual Duarte" es la revelación ( a modo de confesión )de un hombre condenado a muerte por unos crímenes, que cometió, pero en incondicional dependencia de una situación de la que el mismo era la victima moral y psicológica. La novela se vincula con esa tradición española de la narrativa picaresca por la disposición del personaje (un hombre que en el umbral de la muerte absolutamente solo y lucido examina retrospectivamente toda su vida buscando las circunstancias que la han desencadenado); la denuncia de ciertos males sociales; el recurso de la primera persona narrativa (la confesión); una estructura narrativa que altera el relato con la reflexión, la cual se hace sobre los hechos descritos, pero funciona como una crítica que alcanza en general a los fundamentos de toda la sociedad. Pascual Duarte, un campesino extremeño, garrapatea a grandes trazos, su vida compilándolos en un cuaderno escrito en la cárcel. La violencia y el alcoholismo de los padres, la trata de personas a que se ve obligada la hermana, condenándola a la prostitución, la muerte que acaba demasiado pronto con la vida del más pequeño de la familia van forjando el carácter del niño. Más tarde, sus intentos convertidos en fracasos para triunfar en el amor, en la paternidad y en el trabajo acaban por delinear el carácter del hombre huraño e irascible que mata casi porque sí y que muere en prisión de forma penosa. Así retrata Cela la idiosincrasia del bárbaro y la desventura española de algunas zonas rurales en las primeras décadas del siglo XX.

Ulises es una novela de James Joyce divulgada en 1922 con el título original en inglés Ulysses. Su título se origina en el protagonista de la versión latina de La Odisea de Homero, inicialmente llamado en griego Odiseo. Es conceptuada por muchos la mejor novela en lengua inglesa del siglo XX. El libro ha despertado tanto innumerables críticas como controversias .Ulises refiere el travesía por Dublín de su personaje substancial, Leopold Bloom y de Stephen Dedalus -ambos, álter egos del autor: Leopold (Joyce viejo) y Stephen (joven)-, durante un día cualquiera, mas precisamente el 16 de junio de 1904. El título se refiere al héroe de la Odisea de Homero. El lector se encuentra frente a todo un sistema de analogías (lingüísticas, imaginarias y alegóricas) entre las dos obras (por ejemplo, la afinidad entre Bloom y Odiseo, así como la que puede encontrarse entre Stephen Dedalus y Telémaco). Hoy en día,, los lectores apasionados de Ulises conmemoran el 16 de junio en todo el mundo como una festividad que lleva el nombre de Bloomsday. Joyce distinguió esa fecha porque fue el día en que se encontró por vez primera a través de una cita con la que después resultó ser su pareja, Nora Barnacle. Ulises es una novela enorme, además de por su relevancia, por su número en palabras: doscientos sesenta y siete mil en total, con un vocabulario de más de treinta mil En la mayoría de las ediciones consta de entre ochocientas y mil páginas, divididas en dieciocho capítulos. A primera vista el libro parece desestructurado y anárquico, pero los dos esquemas que Stuart Gilbert y Herbert Gorman hicieron públicos tras la edición para preservar a Joyce de las imputaciones de procacidad hicieron incontestables los vínculos con la Odisea. Uno de las características más importantes del libro está en que Joyce hecha mano a un estilo diferente para cada capítulo. El más usado es el de monólogo interior ("conciencia interior" -stream of consciousness- en la terminología de William James), que reside en enunciar los pensamientos del personaje sin una sucesión lógica, como sucede en el pensamiento real. El apogeo de este arte narrativa es el epílogo de la novela, el célebre soliloquio de Molly Bloom, en el que el relato, sin signos de puntuación, le abre paso al fluir, libre y desinhibido, del pensamiento.Leer el Ulises de James Joyce es un viaje fuertemente espinoso a ninguna parte. Ulyses no es un libro para el lector común, las laberintos que ofrece, lo aproximan mas a un público limitado, mas circunscrito a estudiosos, críticos y auténticos amantes de la literatura.Referir de que se trata el Ulises, puede ser sumamente simple o extraordinariamente complejo. La historia "supuesta" se puede revelar en unas pocas líneas, es la vía que eligen los editores para la contratapa. Esta historia aparente, reseña un día en la vida de tres personajes. Joyce despista todo el tiempo al lector, por momentos atraviesa por la narrativa mas tradicional, por otros se aproxima al informe científico, la reseña periodística, la leyenda, el teatro a lo Ibsen, el relato alucinado, etc.: Los "saltos temporales" apartados de la principal línea de acción son comunes y a veces sumamente ininteligibles. Esta es una técnica muy habitual en la obra, la elección de las palabras muchas veces tiende a la confusión, ya que su sentido esta en relación a otras, en otros lugares Joyce las mezcla como masilla y construye nuevos términos y significados, combinando el inglés, italiano, alemán, francés y español. Casi se podría decir que recrea un nuevo lenguaje con el que narra esta historia.: Indudablemente, Ulysse es una obra inescrutable, no en el sentido "alquimista", ya que Joyce no intenta ocultar el contenido, simplemente se vuelve complejo, difícil, simbólico. Seguramente renovadas lecturas ayudarían a la íntegra comprensión, mucho mas, si se pudiera realizar en su lengua de origen. No tener la vasta cultura de Joyce, puede convertirse en una dificultad importante para la justa comprensión del texto.. Leer este libro que relata poco menos de un día ( el 16 de junio de 1904), puede llevarle al lector varios meses.Más allá que la trama gira alrededor de tres personajes, el Ulises es un mundo en si mismo, habla y detalla en profundidad las personas que conocen estos tres "principales", refiere el Dublin de principio de siglo, se menciona determinado artículo, no es raro que Joyce cuente cual es el fabricante, donde se encuentra el comercio, e incluso el costo del mismo. No se describe un lugar, simplemente se lo menciona, como algunos sugieren, leer el Ulises, requiere de una guía de Dublin, entre otros materiales, para completar la obra. En muchos pasajes, incluso, es notable la ausencia de las comunes partes "descriptivas" de cualquier literatura "tradicional". El particular y novedoso (para la época) estilo narrativo, relacionado en parte con el surrealismo, provoca que los personajes, en primera persona no narren la historia, sino que lo que ellos piensan y las sensaciones que experimentan se traslade directamente al papel sin una aparente preparación literaria del autor.A todo esto, se le puede agregar las propias dificultades del lector, el tiempo disponible, la capacidad de abstracción y otras tantas particularidades. El Ulises tal vez sea la obra de mas complicada lectura que haya existído; si resultase sencilla, cualquiera la hubiera leído. 

Balzac nació en Tours (Francia), el 20 de mayo de 1799. Más por satisfacer los pedidos de su padre que por cualquier otra razòn, abrazò la carrera de abogacìa en París entre los años 1818 y 1821. Sin embargo, su verdadera aficiòn resultò ser la escritura, a la cual una vez ya abogado, se consagró por completo y exclusivamente. Sus primeros trabajos (obras de teatro y novelas melodramáticas) no tuvieron éxito, y vivió un tiempo sumido en la extrema pobreza; pretendiò convertirse en editor, actividad que acabò resultando un fracaso que lo endeudó para el resto de su vida. Su primer gran éxito lo obtuvo con la novela Los chuanes, En 1834 decidió aglutinar sus novelas (unas ciento treinta siete) en una gran obra: "La Comedia Humana", que mostraba a la sociedad francesa con todas sus "especies humanas". En 1950 se casa con la condesa polaca Eveline Hanska, pero lamentablemente Balzac fallece el 18 de agosto de ese mismo año..En la obra Piel de Zapa, Rafael de Valentín, educado con gran severidad por su padre-al principio movido por fuertes convicciones morales y luego a causa de las penuria económicas por las ambos atravesaban- quedó huérfano en París cuando solo contaba con veintidós años, sin más bienes de fortuna que mil ciento doce francos, un piano y cuatro trastos que le sobraron de la venta del ajuar de casa después de pagar a los acreedores del muerto. Resuelto a concluir su obra magna-la Teoría de la voluntad-y una comedia en que cifraba grandes ilusiones, se instaló en una guardilla del humilde hotel de la señora Gaudín, pagando tres sueldos diarios y alimentándose diariamente con cuarenta céntimos, con el fin de que todo (el poco) capital que disponía permitiera esperar mejores tiempos durante tres años, La hija de su patrona-la siempre bien predispuesta y bonita Paulina-intentaba hacerle llevadera la vida, que transcurría entre su oficio de escritor y las lecciones que daba a la muchacha. Un día, su amigo y acólito Rastignac se encuentra con Rafael y le persuade de que, si está resuelto a darle un giro a su vida y conseguir éxitos, es imperioso que empiece a frecuentar la sociedad y los círculos literarios. Así, las cosas, Rafael es como conoce a la fría protectora de artistas condesa Fedora, la cual no había querido nunca a nadie y de la cual Rafael se enamora perdidamente . El joven, para conquistar a la dama, juega, gana y derrocha dinero, para hacerle creer que disfruta de una buena posición económica. Sin embargo, nada consigue de la condesa, y una tarde, sin un céntimo y desesperado, no sabe como proseguir con su vida. Una noche, , apesadumbrado y sin rumbo, entra en un almacén de antigüedades, y sometido por un sentimiento indefinible, cuenta su situación y propósitos a un anciano, dueño del lugar, quien le ofrece graciosamente una piel de zapa, onagro o asno arábigo, que tenía en el reverso el sello de Salomón y unas líneas en caracteres sánscritos, costaba poco deducir que la piel era un talismán que haría realidad todos los deseos de su poseedor, pero disminuyendo por cada voluntad cumplida en proporción a los días de vida que, como pago, le serían despojados al solicitante. Rafael no vacila en aceptar la piel de zapa, y al salir del almacén observa rápidamente cumplido el primer deseo que había formulado, siendo invitado a participar de un rumboso banquete, que finaliza convirtiéndose en franca orgía. Anhelando luego una renta de doscientas mil libras, una imprevista herencia le pone en posesión de ella...; pero al mismo tiempo observa una inquietante disminución en la piel de zapa y desde entonces vive en una perpetua tortura, evitando tener deseo alguno para no acortarse la existencia.De pronto, nuestro protagonista se ve convertido en un esclavo, sin fuerza para abolir sus deseos y pendiente de la disminución constante de la piel, que en vano intenta estirar por los más poderosos medios mecánicos. También inútilmente pretende deshacerse de ella por el abandono y por el fuego, y olvidarla resucitando sus dulces amores con la ideal Paulina, o alejándose de París...Su destino, representado por la piel de zapa, es inexorable, superior a su voluntad y a sus argucias, y no cesa de agobiarle hasta que la muerte le sorprende en los brazos de la inconsolable Paulina.

Oliver Twist, la novela de Charles Dikens  pudo haber sido recreada por la historia de Robert Blincoe, un solitario cuyo relato sobre la el rigor de su vida como trabajador infantil en un molino de algodón tuvo una gran propagación en la década de 1830. La obra se llena de acción y de enigmas todos por resolver con personajes que tienen vínculos entre sí difíciles de imaginar . El final es sobre todas las cosas, inesperado, Oliver Twist es una novela que cautiva desde el primer momento la atención del lector y la sostiene hasta su última página. Un argumento excelentemente tramado, personajes perdurables en nuestra memoria., buenos e infames, drama, tensión, desafíos, peligros, aventuras y peripecias, y un final impensado y feliz son los componentes que hacen de ella una obra sin edad. Dickens nos refiere las aventuras de Oliver Twist, un niño huérfano que acaba en manos de una caterva de bribones. Estos pretenden arrastrarle por el mal camino, pero la candidez de Oliver (o su ángel de la guarda) consigue protegerle. Así el destino que le espera al joven está más allá del trascendencia de sus sueños.Como en todas sus novelas, el autor de David, Copperfield, Grandes Esperanzas, Tiempos Difíciles traza una rápida crítica de la sociedad de su época, avivada con rasgos de ironía y por la bondad y humildad que le son propias al protagonista. La narración de Dickens es dura y sumamente cruda. A través de ella vemos el lado más marginal de Londres, pero aún esta puede tener su enjundia. Con ChaRles Dickens, un escritor sumamente realista, siempre deja al lector la posibilidad de toparnos con la posibilidad de la esperanza y así pensar que no todo está perdido Oliver Twist es un libro sorprendente que despierta todo clase de sentimientos y además es la historia del niño-protagonista es una realidad extremadamente dura pero con posibilidad de redención. Al nacer Oliver Twist su madre, la única persona con la que contaba fallece en el parto al quedar huérfano. El pequeño Oliver se ve obligado a vivir en un orfanato donde la vida es demasiado cruel, tanto que intenta deshacerse de él de mil y una maneras distintas, hasta que Oliver logra escapar. Cuando llega a Londres, se relaciona con el Truhán, quien le ofrece su ayuda, pero también le ofrece un trabajo poco digno y nada respetable. Así Oliver se ve envuelto en un sinfín de problemas que retratan de manera soberbia el cuadro social de aquel Londres donde las injusticias a causa de la pobreza se encontraban a cada paso y en todas partes, sin embargo y gracias a la ayuda de algunas personas que se atraviesan en su camino, Oliver logra progresar y abrirse camino en la vida, y empieza a contar con determinadas cosas, situación absolutamente inédita para él, empezaba a contar con lo que jamás imaginó llegar a poseer... Oliver Twist, la narración de Charles Dickens, conmueve en incontables ocasiones. Raterías, raptos, penuria, aprovechamiento y ultraje infantil, romance, amor familiar y honestidad son algunos de las cuestiones que se tratan en este argumento de una manera real, y sobre todo absolutamente vigente… tan real como vigente como todo lo que Dickens solía escribir. Oliver Twist es la segunda novela del autor inglés Charles Dickens. Se transmitió originalmente como novela por entregas de aparición mensual en la revista Bentley's Miscellany, entre febrero de 1837 y abril de 1839. En un principio, el autor tenía el propósito de que formase parte de una obra más amplia, The Mudfog Papers.Es la primera novela en lengua inglesa que tiene a un niño como personaje principal y es también digno de resaltar por su parcamente romántico tratamiento del mundo de los criminales y sus mezquinas vidas. El libro lleva el subtítulo de The Parish Boy's Progress, una insinuación tanto a The Pilgrim's Progress de John Bunyan como a dos populares caricaturas ambas de dieciocho años de William Hogarth, "A Rake's Progress" y "A Harlot's Progress".Oliver Twist es una de las primeras novelas que apunta a pinturas sociales de la historia de la literatura. Llama la atención a sus lectores sobre varios trastornos sociales de la época, como el trabajo infantil o la practica deleznable de echar mano a niños para perpetrar delitos. Dickens se mofa de la hipocresía de su época comunicando estos temas tan serios con ironía y humor negro.

Una familia de americanos integrada por el señor (ministro de América) y la señora Otis, su hijo mayor Washington, Virginia de quince años y dos gemelos viajan a pasar el verano a Inglaterra, después de haber adquirido Canterville Chase, pese a las opiniones de todo el mundo incluida la del propio Lord Canterville advirtiéndole que aquella mansión se trataba de una propiedad encantada. Un fantasma habitaba la casa desde hacía trescientos años, se trataba del alma escarmentada de Sir Simón de Canterville. Deambulaba por la casa tras evaporarse en medio del misterio nueve años después de haberle quitado la vida a su propia esposa junto al hogar del salón, después de semejante barbarie, allí aparecía una y otra vez una indiscreta mancha de sangre.Sin embargo, los Otis una familia moderna republicana, desoyera esas historias. Sin embargo, a poco de llegar a la casa, Mis Otis descubrirá no sin desagrado la supuesta mancha de sangre, que ordena inmediatamente limpiar ( a pesar de lo cual la mancha asomará repetidamente cada mañana) y esa misma noche, el fantasma realiza su aparición, despertando con el rechinar de sus cadenas a sir Otis, que él ofrece una botellita de engrasador, y a los gemelos que le arrojan una almohada. La pasividad y el descaro de los Otis le exasperan y se siente obligado a escapar. Lleno de ira prepara su represalia, pero sus continuos planes naufragan ante la sangre fría de mis Otis, la viveza de Washington y las jugarretas de los gemelos.El fantasma engañado y sin fuerzas hallará el apoyo de la dulce Virginia. La niña le echará una mano para encontrar el descanso profundo, le conducirá al “jardín de la muerte”, llorando y rezando junto a él. Así consigue que su alma sea indultada y pueda descansar en paz para siempre, al mismo tiempo que la casa queda tranquila y libre de fantasmas. Destacar el singular personaje del fantasma que indignado y herido por el comportamiento impasible de los Otis, se resigna a recordar hazañas pasadas, cuando causaba verdadero terror y a anhelar el descanso que le ha sido prohibido. Arrepentido por sus pecados, el fantasma impensablemente se vuelve tierno y consigue el perdón y el reposo eterno en el “jardín de la Muerte”. EL Fantasma de Cantervielle fue publicado por primera vez en una revista en 1887, y en el, sobresalen ciertos elementos satíricos que lo convierten en un verdadero deleite para el lector. Wilde escoge una pequeña muestra característica de la sociedad norteamericana, la cual se muestra impasible ante los moradores prodigiosos de los solariegos castillos ingleses, cotejando así a la modernidad americana con la tradicional estirpe fantasmagórica europea Sin embargo, la ironía de Wilde no se ajusta a lo “moderno”, ya que caricaturiza a los propios ingleses al plasmar sus reacciones ante las apariciones misteriosas, tan misteriosas como sobrenaturales . Ambas culturas, contrastadas, se evidencian sin atavíos ante la mirada experta de autor. El espectro se encuentra por primera vez en una situación apocalíptica para sí mismo: por más esfuerzo que pone llamar la atención de la pueril e indiferente familia, fracasa estrepitosamente en todos sus intentos Si hasta los traviesos gemelos encontraron una fuente inacabable de diversión a costa suya.Los Otis adoptan una actitud que lo ofende muchísimo al procurar acallar sus actitudes y ruidos obligados de fantasma. Fue asi como recordó a la duquesa viuda, en quien causó una crisis de terror, situándose mientras se miraba al espejo, cubierta de brillantes y de encajes; de las cuatro doncellas a quienes había hecho perder la razón, ocasionándoles convulsiones nerviosas […], del rector de la parroquia cuya vela extinguió de un soplo cuando regresaba el buen señor de la biblioteca a una hora desaconsejable, y que desde entonces se convirtió en víctima de toda clase de alteraciones nerviosas…”En buena parte de la obra confluyen la tristeza del fantasma que lleva trescientos años sin dormir, sin poder acostarse y descansar, más la predestinación y la esperanza implícita en las vidrieras de la biblioteca: La ácida crítica que Wilde realiza al vacío cultural estadounidense, expresado en la inexistente capacidad de asombro, se expresa también en la postura inglesa como evocación hacia el romanticismo gótico del que se sustenta esta obra. Wilde despliega todo su caudal satírico, comparando dos épocas y dos formas de entender la vida muy disímiles recurriendo como símbolos al propio fantasma y a la familia Otis. Mientras que el fantasma, un barón inglés del siglo XVI que había terminado con la vida de su esposa, simboliza la espiritualidad, la muerte y la tenebrosidad propias de otra edad, los Otis representan el progreso, el materialismo y el pragmatismo americanos de finales de siglo XIX. Oscar Wilde lo ilustra espléndidamente a través de las múltiples situaciones que se desarrollan a lo largo del cuento, como por ejemplo cuando los Otis intenta engrasar las cadenas del fantasma, porque este camina por toda la casa remolcando su chirrido, o cuando procuran quitar la mancha de sangre del comedor con un quitamanchas especial, forzando al pobre fantasma a volver a pintarla cada día, días tras día. Tal vez sea El fantasma de Canterville la novela más popular y celebrada de Wilde, que ha engrosado por méritos propios a la lista de obras imperecederas e imprescindibles de la literatura universal.

Aunque muchos,cuando niños se hayan regocijado con las aventuras de “Alicia en el país de las maravillas” durante su niñez, esta obra imaginada por el sacerdote anglicano, escritor y matemático británico Charles Lutwidge Dodgson (más conocido como Lewis Carroll) también logra cautivar a numerosos adultos y aun con el paso del tiempo, su poder de sugestión se mantiene intacto, circunstancia ésta que lo han convertido en un valioso clásico de la literatura.El relato que nos acerca Carrol a través de “Alicia en el país de las maravillas” , ademas de haber inspirado películas, propuestas teatrales, musicales y hasta óperas, nos invita a adentrarnos a un mundo desconocido y fantasioso. Hasta allí llega una curiosa niña llamada Alicia, imbuida de un gran afàn investigativo tras perseguir a un conejo blanco.Minutos después de ingresar a un oscuro túnel ignorando su destino, la protagonista llega hasta un sitio lleno de absurdos y extravagancias racionales Ya sola y sin la compañía del animal que la incitò a emprender esta aventura, la pequeña comienza a examinar el lugar y encuentra una botella con la leyenda “Bébeme”. Para su sorpresa, al seguir esa indicación, Alicia se convierte en un en un ser diminuto de apenas veinticinco centímetros de altura.Con la esperanza de recobrar su estatura original, la niña engulle un pastel identificado con la leyenda “Cómeme” y, casi de inmediato, la entrometida bohemia alcanza los dos metros de talla Al percibir tantos cambios no pretendidos, Alicia se larga a llorar y pronto la habitación en la que se encuentra queda anegada por sus lágrimas .La normalidad parece llegar gracias a los resultados mágicos de un abanico que llega a sus manos de forma circunstancial y que comienza a encogerla. Afortunadamente apareció aquel conejo y confortó la tarde de Alicia (y la nuestra de paso y sin querer, o… queriendo)Y Alicia, sin vacilar y sin pensar qué podría suceder, se adentra en la madriguera en busca del blanco y presuroso conejito. ¿A dónde la llevará esa insondable y extraña madriguera, enteramente amueblada con estantes, mapas, cuadros…? Sólo a un sitio podría ser: y a ningún lugar màs Al País de las Maravillas.Y allí en el País de las Maravillas, Alicia crecerá y disminuirá en tamaño con sólo comer o con solo beber; deberà nadar en sus propias lágrimas; entablará amistad con un ratón; atenderá los consejos de una oruga; tolerará a una Duquesa bastante singular; concurrirá a una merienda algo atípica; deberá ahondar en el significado de acertijos indescifrables que no tienen solución; pintará, de rojos, rosales blancos; animará un partido de croquet con un flamenco como mazo y un erizo como bola; bregará con la perturbación de una reina que degüella a todo el que le resulta desagradable; hablará con un gato, que, a veces, sólo tiene sonrisa; experimentará, finalmente, mil y un dislates más.Y, en realidad, tal vez no sean tantas locuras, quizás todo responda a un juego con reglas que estableció el autor y que, lamentablemente, en muchas ocasiones, se nos escapan.Desde la mismísima rúbrica del autor, Lewis Carroll, hasta el nombre de la protagonista, todo se convierte en un juego.Y todo se inició, como en el cuento, una tarde, algo aburrida, también junto a un río: el profesor Charles Dodgson le cuenta a tres de sus pupilas un cuento titulado algo así como Las aventuras subterráneas de Alicia, cada una de las niñas tendrá un papel en el cuento (Lorina es Lory o Loro; Edith es Eaglet, el Aguilucho; Alice es reconocible sin dificultad), incluso el profesor será Dodo. La narración oral, se convirtió luego a manuscrito que fue regalado a la pequeña Alice. Al publicarlo, algunos años más tarde, le sumò algunos capítulos más.Carroll no imaginó un cuento de hadas, su país asombroso no está colmado de hadas ni de princesas, de ogros o de gigantes. Su protagonista es una niña, educada, juiciosa, instruida, un poco presumida que se adentra en un mundo al revés, donde lo que ha aprendido en el colegio no le servirá de mucho, por el contrario, acabarà confundiéndola. Deberà dejar de lado toda esa enseñanza inmutable de la Inglaterra victoriana, para moverse con la lógica, con la intuición y el ingenio, que es finalmente el único modo de salir indemne de ese mundo maravilloso donde ha caído. Alicia afronta con total sencillez, como si fuera lo más natural del mundo, todo lo que le acontece, incluso parece divertirse con la idea de crecer, decrecer, perseguir al conejo blanco, discutir con el ingenioso Sombrerero Loco, pasar del sentido figurado al literal, jugar con las palabras… le molesta, eso sí, que le quieran cortar la cabeza, pero, claro, ¿a quién no le molestaría? El País de las Maravillas no es suficiente para todo el ingenio de Carroll y Alicia se lanza A través del espejo de su casa para ir a dar al tablero de ajedrez más grande que jamás haya visto y todo empieza de nuevo, quizás mucho más marcado lo simbólico, los juegos de ingenio se suceden vertiginosamente. No en vano, Carroll fue un maestro en lógica simbólica. Alicia en el Paìs de las Maravillas es uno de esos libros que parece para niños, pero que pueden (y casi deben) leerse en todas las edades, porque para cada edad hay una lectura. 

Más allá de analogías y divergencias, lo cierto es que este tipo de relatos se sustenta esencialmente del testimonio a diferencia de la novela de ficción, cuyo punto de partida es la imaginación y la sucesión de hechos ficticios. En la novela histórica el autor parte de un hecho o un personaje (igualmente verídicos ambos) ara construir su narración, y éstos no son siempre el resultado de un arresto de la imaginación, como sí ocurre siempre en el caso de la novela de ficción. En la novela histórica el autor rememora un pasado y lo rehace para presentarlo con herramientas propias, y acaso esa intervención suya subjetiva es lo que provoca la reprobación de los historiadores académicos que le reclaman rigor y fidelidad. A no dudarlo, los designios de la novela histórica difieren sustancialmente de los mismos de los de la crónica o la biografía. Lo suyo es descifrar con rasgo creador aquello que puede contrastarse en la realidad documental, mientras que en el caso de la biografía, por ejemplo, el autor recopila lo que ha sido producto de su rigurosa y exhaustiva investigación, en la novela histórica, en cambio, el escritor ofrece al lector una versión de lo que sobrevino, y eso es precisamente lo que hace Marguerite Yourcenar en Las memorias de Adriano. Lo recrea desde esa realidad probada de donde se origina y que ella aferró de sus indagaciones históricas. El resultado es una autobiografía imaginada que a ella le sirve para empezar a bosquejar su novela y resolver con ésta la profunda inquietud que le produjo una reflexión de Flaubert: “Los dioses no estaban ya, y Cristo no estaba todavía, y de Cicerón a Marco Aurelio hubo un momento en que el hombre estuvo solo”. Ese hombre, cobra vida en el pensamiento claro de Marguerite Yourcenar, y se convierte en una obsesión que la apremia desde el año 1924, cuando ella apenas contaba con veinticuatro años e intentó poner en orden sus ideas en unos manuscritos que en un principio fueron rechazados y que, según cuenta la autora, volvió a reescribirlos en largos períodos de tiempo hasta quedar compendiados a una sola frase en 1934: “Empiezo a percibir el perfil de mi muerte”. Es fácil suponer que esta frase repicará con insistencia en la cabeza de Marguerite Yourcenar y apoyada en su fuerza avanzara sin prisa y sin pausa para reconstruir a este personaje que bien podría delimitarse en el momento histórico al que se refiere Flaubert En esa declaración concebida seguramente para la voz de Adriano está contenido lo que ella intuyó que debía ser la idea central de la novela: una larga reflexión que se hace Adriano sobre la vida, mientras en su condición de enfermo condenado espera la inevitable muerte..”Las memorias de Adriano fue pensado y repensado una y otra vez hasta en sus mínimos detalles por Marguerite Yourcenar. El proceso de gestación del libro le llevó a la escritora largos años. La propia Marguerite Yourcenar: decidió escribir estas Memorias de Adriano en primera persona, para prescindir en lo posible de de cualquier intermediario, inclusive ella misma. Adriano podía hablar de su vida con más firmeza y más sutileza que yo” dijo alguna vez la narradora. La técnica narrativa a la que la escritora recurre en Las memorias de Adriano está asentada en la fidelidad y el rigor, .circunstancia que le facilita al lector adentrarse en el personaje y conocerlo ampliamente con los datos que él propio protagonista suministra. Los admoniciones y las recomendaciones del emperador a Marco Aurelio componen un tratado de filosofía que persuade y que lo empuja a l lector a consumir Todas las páginas hasta la última de este recorrido por el testimonio de una vida que se apaga inexorablemente, y que fue la vida a la que Marguerite Yourcenar quiso rendirle tributo Y levantarle un monumento que no está cimentado de piedra sino de su prosa hecha evocación. Esto escribió Adriano respecto de a enfermedad que le anunciaba su inexorable final El Adriano de Marguerite Yourcenar no es el Adriano que recuerda la historia, sino un personaje elaborado por ella mas alá de Roma y los romanos, mas allá que guarde esmeradamente las apariencias con gran erudición fastuosa, social, histórica y política. Se trata de un libro asombroso por su delicadeza y profundidad, ambientación y: tensión dramática conseguida con matices e ideas, no con movimiento. Poseedor de una extremada ambigüedad mental y erótica y movido por sus pequeños rencores y sus violentas reacciones, que nos muestran a Adriano incapaz de detener la disolución, que él presagia próxima, del mundo en el que vive, están magníficamente plasmados, mas allá de muchas inexactitudes, especialmente psicológicas. Margueritte Yourcenar al escribir .Las Memorias de Adriano ha logrado con singular éxito la nada sencilla propuesta de armonizar la excelencia literaria y artística con el éxito popular más adulador. Su obra Las Memorias de Adriano es merecedora al mayor galardón a que pueda aspirar una obra artística: la de obra maestra. Las Memorias de Adriano son la obra de toda una vida. De hecho, Yourcenar pasó casi la suya entera madurándolas, llevándolas al papel, repensándolas, y terminan brindándole el mayor justificativo a la vida del escritor más exigente. Junto con su otra novela histórica, Opus Nigrum, las Memorias de Adriano no es ya lo mejor de su autora, sino de lo más importante que se ha escrito en este siglo.

Catalogada como la novela mas importante del realismo, escrita por Gustave Flaubert provocó no pocas controversias en Francia Cuando fue publicada en 1857. Considerada como una de las mejores obras de la historia,, es una de las novelas que dieron principio a la narrativa moderna. dame Bovary, es por excelencia, el punto de referencia para el movimiento del realismo literario, e incluso, para la incursión del realismo dentro del ámbito de la filosofía. Sin embargo , la historia también se halla linealmente vinculada a lo que se conoció como la novela alegórica,(recordemos que la narración acabará con el suicidio de su protagonista femenina y casi simultáneamente con la muerte por decepción amorosa, o aflicción moral, de su protagonista masculino. Es también una sátira a la sociedad burguesa del siglo XIX, posterior a la revolución francesa y una critica mordaz al gobierno absolutista de Napoleón en Francia. Al escribirla en tres partes con una prodigiosa agudeza literaria, Gustave Flaubert nos expone su punto de vista sobre la vida de la sociedad de clase alta en la Francia del aquel entonces incipiente siglo XIX, al casar al personaje principal con alguien que nada le brinda más que ostentarla como si fuese un trofeo y al encontrar en un estudiante de leyes, con quien tendrá una atroz y triste historia, lo que siempre anheló, pero que finalmente, la conducirá sin remedio, nada más y nada menos que a su muerte. Madame Bovary, es mucho más que una novela, es un retrato inequívoco y un prototipo para la literatura realista y universal y para la filosofía francesa de los siglos XIX a XXI, .De innegable origen pequeño-burgués-rural Charles Bovary vive al influjo influencia de su madre la cual se empeña todo el tiempo para modelar el temperamento y la educación del joven.. Charles pone toda su voluntad y perseverancia para recibirse como médico, después de lo cual, su madre le casa por conveniencia con la viuda Heloise, de aparente buena posición econòmica, A poco de casarse, conoce a Emma Rouault, hija de un paciente, de la que rápidamente se enamora. La mujer de Charles muere repentinamente y Charles a instancias del padre de Emma se casa con ella en medio de una larga y pomposa fiesta campestre, .No pasa mucho tiempo para que Emma empiece a ver que el estilo de vida que siempre había soñado tener, el pobre Charles solo podìa ofrecer una vida monótona y sin matices . Emma sufre un desencanto y literalmente se enferma al observar la sencilla y llana vida que le ofrece su nada romántico marido. Charles buscando una solución y sin jamàs desconfiar de la verdadera causa de la enfermedad de Emma, viaja a de Tostes la ciudad de Yonville, alli es donde Emma descubre que se encuentra embarazada.,.Justamente, en Yonville los Bovary entablan relación con Homais, el farmacéutico, y a con su hospedado y practicante de leyes León, apasionado de la música y literatura, un sentimental que prontamente hace sinapsis con Emma creándose una amistad que rápidamente se torna en amor recíproco no confeso. Nace la hija de Emma siendo confiada tempranamente a una nodriza. Emma decide distanciarse de León quien confundido y desencantado emigra a París. Emma una vez más vuelve a caer enferma del alma, tal como lo hiciera por primera vez en Tostes. Llena de frustración y extenuada conoce al señor Rodolphe Boulanger de la Huchette en el cual Emma ve expresados sus fantasías románticas. Se convierten en amantes y Emma comienza a derrochar r dinero desmesuradamente en lujos. Emma proyecta la huida de ambos, sin embargo Rodolphe la abandona. Allí es cuando Emma cae nuevamente enferma, cada vez lleva mas tiempo recobrarse y en su lenta recuperación se reencuentra con León en una obra de teatro. Cuando Emma comienza su romance de Emma con León, simultáneamente Emma avanza en su carrera endemoniada de deudas y mas deudas e hasta que la situación financiera de los Bovary (sin nunca sospecharlo Charles) se vuelve insostenible. Al verse abandonada por sus amantes y rodeada de gente que realmente no ama, Emma resuelve quitarse la vida ingiriendo arsénico. Charles finalmente se percata de todo, la perdona y luego muere de amor.«Madame Bovary soy yo», respondía Flaubert cuando le preguntaban la identidad de ese personaje tan prodigiosamente vivo. ¿Quién no ha creído, al menos una vez, que estaba bailando con la sensualidad hecha carne? Ataviada como una actriz debutante, Emma lo cree cuando ejecuta su primer vals con el vizconde y siente alas en sus pies. ¿Y quién no ha creído, al menos una vez, que la vida estaba en otra parte y que otra vida más magnánima y más intensa nos estaba aguardando a la vuelta del camino? Emma cree, o necesita imaginar, que su frente está marcada por la señal de una determinación excelsa y, tras el primer acto de trasgresión de la norma, se observa a si misma, al mirarse al espejo, que es una de las heroínas adúlteras de sus lecturas secretas. Su verdadero mal es que está enamorada del amor: de un amor por encima de todos los amores, de un deseo por encima de todos los deseos. Su galopante ideal la ciega, y no ve a su marido, que al final parece afectado por la misma enfermedad que su esposa. La muerte de Madame Bovary nos sorprende al final a traición, porque es la expiración del sueño romántico

A comienzos del siglo XIX Rusia contemplaba el imparable progreso de las tropas napoleónicas avanzando hacia sus fronteras. La vida placentera de la alta sociedad, el formato de vida idílica de muchos entre otros el Príncipe Andrei Bolkonsky, el soñador idealista Pierre Bezukhov y la joven Natacha Rostova deberán afrontar un dramático cambio. La exaltada guerra de 1812 llena de valor patriótico ha modificado sustancialmente la vida de Rusia. “La Guerra y la Paz” es un relato de contorno realista cimentado a partir de las experiencias relacionadas entre sí de varias familias de origen ilustre.Aunque son innumerables los personajes que participan en esta extensa historia, Tolstói nos entrega una pintura perfecta de cada uno de ellos y, a través de sus vivencias, revela numerosos episodios que se desplegaron a lo largo de más de cinco décadas de historia rusa, desde las guerras napoleónicas hasta la primera mitad del siglo XIX.. La campaña rusa en Prusia, el incendio de Moscú y el del ejército francés en Rusia en acción son sólo algunos de los sucesos bélicos y revolucionarios que, en “Guerra y Paz”, se fusionan con las crónicas familiares. Más allá de las tópicos incluidos en el título y los apuntes sobre las dramáticas consecuencias de los conflictos bélicos, en La Guerra y La Paz., Tolstoi también despliega ideas sobre la historia, la filosofía, la religión e incluye información sobre los bailes, las costumbres y las reuniones que se organizaban en las viviendas de las familias más caracterizadas de la nación en una época en la que los compromisos matrimoniales jugaban un papel fundamental. Tolstoi escribió La Guerra la Paz , y fue publicada por entregas entre 1865 y 1869.También obras de Dickens (Oliver Twist, por ejemplo) fueron conocidas por el gran público a través de esta forma.La obra “La Guerra y la Paz” le da lugar a quinientos ochenta personajes desperdigados a lo largo de sus mil quinientas páginas;. Tolstoi narra la historia de cinco familias aristocráticas rusas, con sus vicisitudes, sus problemas, sus amores y aversiones, sus desventuras y obviamente, la guerra de Napoleón.Que se puede decir de esta novela?. El libro es extenso, (tiene mil quinientas páginas, nada menos) sus recreaciones, el modo en que cuenta las vidas de las cinco familias aristocráticas rusas, sus ideales, el tema de la guerra y las descripciones de las conflagraciones de Austerlitz y de Borodinó convierte esta historia una obra maestra.Tolstoi refeja como la aversión que sienten los personajes por la guerra, mientras que al mismo tiempo describe que ir a una guerra e incluso regresar de ella aun habiendo resultado derrotado, es todo un honor, ya sea que mueras o que vivas.El autor relata -.como ya se dijo- la vida de las cinco familias : Pierre Bezukhov , un conde predestinado a heredar un gran patrimonio y a tomar conciencia de la importancia que tiene el mismo dentro de la aristocracia rusa ; Volkonsky (El padre, Andrei y su hermana Maria) a los que se le da el título de príncipes y que son estrechos amigos de Pierre Bezukhov; Rostov, una familia que a pesar de las deudas, no pierde la alegría, en la que su hija Natasha es el centro de atención de muchos, una muchacha alegre, divertida, extrovertida, la que siempre dice lo que piensa, demasiado inocente y su hermano Nikolai que marcha a la guerra y la familia Kuraguin que lo único que hace es atraer la atención y provocar escándalos e involucrar a todos aquellos que los rodean. Pierre tiene una vida poco ( o nada) satisfactoria, el príncipe Andrei se enrola en las huestes de combatientes, involucrándose en la guerra a pesar de que su esposa no quiere y su padre apenas le demuestra su orgullo, Nikolai marcha a la guerra y regresa de ella orgulloso de sí mismo y Natasha lloriquea por todos aquellos amigos que han ido a la guerra y que quizás no vuelva a ver. Desde la guerra de Austerlitz,(guerra que acabó en derrota ) Natasha se ha convertido en una mujer aunque no ha dejado atrás su eterna inocencia y simpatía Justamente, Natasha asiste a su primer baile y desde ese momento empieza a relacionarse con hombres, es protagonista de una serie de amoríos, recibe propuestas de matrimonio y se enrieda sentimentalmente con mas de uno, su inocencia no la deja escapar y empieza a sufrir más que nadie en la sociedad rusa. La Guerra y la Paz es la historia de dos emperadores, Napoleón y Alejandro, y es asimismo la gesta sobre una de las épocas más revolucionarias y convulsivas de la historia rusa: la de la invasión francesa. La guerra y la paz está considerada par muchos la mejor obra de León Tolstoi.Sobre esta ella, el escritor Nikolai Strakhov opinó: "Una pintura completa de la vida humana. Una pintura completa de lo que puede ser llamado la historia y la lucha del pueblo. Esto es “La Guerra y la Paz".

Naná fue publicada en 1880, su autor Emile Zola procuraba mostrar toda una serie de aspectos característicos de la sociedad francesa: abusadores, canallas, oportunistas y prostitutas. Naná no es otra que Anne Copeau, hija de Gervaise Macquart y quien ya había sido protagonista heroína de otra de las novelas de Zola: La taberna. Anne es llamada Naná desde niña y emerge como resultado del oprobio social, el producto instintivo de una sociedad que se ha desintegrado y que no se detiene hasta tanto no haya corrompido todas las capas y acabado con lo poco de bello y amable, que guardan los seres. Es obvio que la novela es de carácter polémico; Naná es una protagonista más en un mundo sórdido, extraviado, donde la pauta ética fundamental es la ambición. Ella es una actriz de variedades, de gran belleza natural aunque de voz destemplado, casi desagradable; sin embargo, el teatro se llena hasta agotar las localidades cuando ella se presenta a cantar y sus muecas, lejos de parecer morbosas, son interpretados como delicados mohínes por la maremágnum de empresarios y hombres comunes que no hacen otra cosa que explotarla. Naná vive asediada entre las deudas y siente un terminante rechazo a cualquier propuesta matrimonial. Naná quien es el motivo de tanto desenfreno, es testigo de tanto desastre sin demostrar una satisfacción completa pero divirtiéndose con los frutos de su triunfo dentro de la sociedad parisiense. En medio de sus devaneos alienta el enfrentamiento entre sí de los hombres que la aman, los somete a humillaciones de todo tipo y finalmente los martiriza haciéndole saber las infidelidades de sus respectivas esposas, actitud que refrenda con su propio amante, el conde Muffat cuya esposa es amante del periodista Fauchers. Aprovechándose de sus artes e intrigas logra casar a la hija de Muffat con uno de sus pasados amantes (Daquinet).Naná es sorprendida por la viruela, su rostro se deforma y su bello y esbelto cuerpo empieza a pudrirse; todo ello para generar una enseñanza fundamental: la fealdad de una vida y su adulación moral se reflejan en la cara desfigurada por la viruela; a su vez, la putrefacción del cuerpo de Anne es la viva representación de la descomposición de la sociedad que la vio nacer. Con París como escenario y ambientada en la ciudad luz en las postrimerías del siglo XIX, Emile Zolá a través de “Nana” reseña un mundo doliente, un mundo oprimido en apariencia por la burguesía, pero donde las fortunas obtenidas por la aristocracia siguen siendo las características dominantes , provocando a la incipiente burguesía más a amasar fortuna para luego dilapidarla más que en especulación e inversión.Sin grandes atributos como cantante ni contar con encantos femeninos significativos Naná se las ingenia para encandilar a una sociedad parisina anhelante de ser impulsada a la perdición. Todos los hombres hechizados caen a sus pies. Zola describe el mundo que le tocó en suerte vivir, un mundo de lámparas de gas nocturnas, olor a pescado rancio diurno, teatros empobrecidos y actores aún más empobrecidos Emile Zola construyo una maravillosa saga en tres libros en la que además de compartir personajes, también comparten las desventuras de las clases desposeídas de su época, Naná, La Taberna, y Germinal, particularmente los mineros. Zola a partir de su debut lleno de gloria y triunfo como escritor con Therese Ranquin, se colocó como precursor de la novela naturalista, sus obras no son pasionales relatos exentos de exaltaciones arrebatadoras y malas intenciones, Zola desnuda la sociedad como es, desgarrada por miserias y pasiones que les arrastran por escabrosos caminos.Naná es la hija de la penuria y de la necesidad, la que creciendo mientras sufre carencias resuelve un día alejarse casa y abrirse camino por la vida, sin más patrimonio que su belleza, intenta convertirse en bailarina, resultando una decisión desacertada ya que nuestra heroína es pueril, anodina, demasiado parsimoniosa, lenta en sus movimientos y ruda para lo que el baile exige.Consigue empleo como bailarina, y un poco porque siempre actúa semidesnuda y mucho por su belleza seduce al público, ya que cuando se ve endiosada como la más popular, los hombres se muestran a su disposición, dispuestos para satisfacer sus caprichos, aún corriendo el riesgo de empobrecerse para conseguir a la mujer del momento. Asi las cosas,.Naná experimentará una vida de fortuna y placeres, y tendrá a tantos amantes como ella desea y todos consentirán en mantenerla. Para Naná la buena vida es superior a los sentimientos nobles como el amor. Zola elaboró una de sus más célebres historias, con un relato sobre una mujer que no se libra a diferencia de otras obras literarias, sino hasta el final sigue con los desenfrenos de su ambición, muriendo sin ninguna compañía, abandonada por todos. Se relacionò con el circulo más prestigioso de la literatura, fue amigo de Flaubert y se convirtió en el líder del naturalismo francés. Zola fue conminado al exilio por su apoyo en el caso Dreyfuss de un militar francés de origen judío, acusado indebidamente, por este apoyo fue expulsado del país y cuando volvió luego de unos años murió en oscuras circunstancias , siempre se creyó que resultò asesinado por mostrar su apoyo a Dreyfuss, A lo largo de tres años y catorce capítulos El lector se adentrará en la vida de sus protectores, sus caprichos, sus escándalos, la va conociendo y observamos su evolución hasta llegar al sorprendente final. 

A mediados de 1930, el dramaturgo y escritor español Federico García Lorca sorprendió y revolucionó al público de la época con “Yerma”, una de sus tragedias más populares que, desde que apareció, fue representada en numerosas ocasiones. En esta obra dividida en tres actos de dos cuadros cada uno, la acción se desarrolla en un ambiente rural y tiene como protagonista a Yerma, una campesina que se siente frustrada por no poder concebir hijos con Juan, un hombre con el que se casó años atrás como consecuencia de un matrimonio arreglado y no por derivaciones del amor. La obra explora el conflicto interno de una mujer casada que anhela y busca infructuosamente ser madre, para sentirse una mujer completa. La tragedia de la protagonista es anunciada por su nombre y materializada por la posible esterilidad de su pareja. Juan, su esposo, no puede ni quiere engendrar hijos. El hecho de que Yerma mate a su marido, por impotencia, hace oficial su realidad y su tragedia. Por otra parte, la determinación de Yerma de matar a Juan obedece en parte a su deseo de cumplir con una función impuesta por la sociedad; quiere tener hijos como las mujeres casadas que viven a su alrededor. Escrita por Federico García Lorca (1898-1936),Yerma "rastrea el conflicto interno de una mujer casada que ambiciona y busca inútilmente ser madre, para sentirse una mujer completa. La tragedia de la protagonista es anunciada por su nombre y plasmada por la posible condiciòn de estéril de su pareja. Juan, su esposo, no puede ni desea engendrar hijos. El hecho de que Yerma le quite la vida a su marido, porque este no puede ni quiere darle un hijo, le otorga visos de realidad a su tragedia. Su disciplina moral no le permitía concebir hijos con otro hombre que no fuera Juan, mientras estuviera vivo. Conocedor del éxito del drama rural poético, Lorca construye estas tragedias asentándose en una correlación de mito, poesía y sustancia real, procurando Reflejar a una mujer a su vez dominada y redentora de sí misma. Yerma” fue estrenada en el Teatro Español de Madrid el 29 de diciembre de 1934, un año después de haberse dado a conocer la trama de “Bodas de sangre”, una obra que, al igual que “La casa de Bernarda Alba”, cuenta como denominador común con ésta las referencias hacia las pasiones femeninas desplegadas en un entorno conservador. Cuando la novela comienza Yerma lleva dos años y veinte días de casada. Por la imposibilidad de engendrar un hijo,con el pasar del tiempo su carácter se vuele áspero; vive en una estado de nerviosismo extremo que la va enfrentando consigo misma, con su marido, con la naturaleza e incluso con la sociedad de la que es protagonista .Al desvanecerse su pretensión de maternidad Yerma comienza a batallar entre la ilusión y la desesperanza. Antes serena, templada y dueña de un colosal potencial de ternura, la vemos transformada en un lapso de cinco años en una persona exasperada, decepcionada que camina hacia la extrema violencia. Hay en Yerma un oscuro conflicto interior que progresa con fuerza incontenible hasta acabar en tragedia.. Para Yerma el mundo femenino carece de sentido sin la maternidad. Sin embargo se resiste a ser protagonista de adulterio, no por respeto al matrimonio o a la religión, sino por la honra, el recato de quien no puede rebelarse contra la sociedad .En Yerma los prejuicios sociales adquieren forma en el personaje femenino que da nombre a la obra y van edificando la narración a través de sus sufrimientos y pensamientos. Algunos de estos son: la imagen y reminiscencia al agua de lluvia o la fuente, que simbolizan la fertilidad; el agua corriente, que no es otra cosa que la esperanza que tiene la mujer por quedar embarazada; la leche y las flores (sobre todo la rosa), que son la alegría ante la maternidad; en cambio, la roca, la sequedad, la arena y las sombras encarnan la esterilidad de Juan, así como el muro, que representa el obstáculo a la fertilidad. Yerma construye la historia de la esterilidad: el impedimento femenino de crear vida corre paralela a la silencio de las bocas y a las casas, que mantienen las puertas cerradas. Someterse, acatar, callar, enclaustrarse y dormir forman la cadena que vincula rítmicamente a las mujeres pero que también limita la vida trágica de los hombres, seres consumidos y espiritualmente destruidos que, con gestos ni siquiera exasperados se hunden en la tierra en la que nacieron para pudriese y terminar siendo olvidados. Cuando Yerma se resiste a llevar adelante a la relación amorosa y Juan, su marido, confiesa decididamente que no quiere tener hijos, tiene lugar el asesinato. Acabar con la vida del marido es al mismo tiempo ponerle fin a la obsesión de ser madre. La idea de la infelicidad que produce el matrimonio se refleja en la necesidad de Yerma de salir todo el tiempo de su casa, observada por ella como una tumba. A pesar de que su pensamiento y las necesidades de su cuerpo la llevan hacia otros hombres o de otras oportunidades que se le ofrecen para quedar embarazada lejos del matrimonio, el respeto por la virtud y la obediencia al recato la tiene apresada y su desconsuelo y sufrimiento es aún mayor

 De aqui a la eternidad (From here to eternity) es un sorprendente libro que refiere la vida entre los disímiles habitantes de un campamento militar durante los días precedentes a la histórica ofensiva japonesa de Pearl Harbor. Esta novela bélica fue escrita por James Jones en 1951 quien se atrevió a desenmascarar temas espinosos para su época. Uno de ellos fue contar de qué manera los soldados americanos se relacionaban con homosexuales de la isla ya sea para darle rienda suelta a sus necesidades sexuales como para sacarles dinero. “De aquí a la eternidad se puede leer en dos tomos con más de seiscientas páginas, y aunque la obra de JOnes pueda resultar excesivamente voluminosa,  vale la pena cada una de ellas. Las exaltaciones son el lugar común en que se mueven los personajes, movidos por una irrefrenable pasión por el ejército y por una arrollador apasionamiento por el amor. Un hombre avergonzado por tanta humillación. aunque sumiso,  buscará evadirse de todo, refugiándose en el demostrativo afecto de una prostituta; un suboficial probo, veterano y algo díscolo , que tendrá una aventura arrebatada con destino incierto; un apasionado y campechano soldado entregado a las juergas y al alcohol; y una mujer insatisfecha que vive en un paraíso donde casi hay mayoría de hombres lascivos, son los protagonistas de esta novela clásica, donde su autor James Jones retrata como nadie el arrojo, la pasión y los sentimientos sobrados que caracterizan la existencia de hombres y mujeres subordinados a códigos inflexibles pero nunca enunciados. El tema del libro es el Ejército, pero no el Ejército de tiempos de guerra, que se encarga de describir proezas y guerreros actos de atrevimiento, sino el de tiempos de paz en el remoto e inaccesible emplazamiento de Hawai, en medio de un paisaje sublime que pierde su influjo de leitmotiv de melódicas canciones rítmicas porque está atravesado por todas las ramalazos del ataque de los elementos, de la imperceptible lucha cotidiana de los hombres y las mujeres, de un perverso entrecruzamiento de razas, prostíbulos, soldados borrachines y esposas esterilizadas por una civilización frívola y apresuradamente mercantil. .Los hombres y las mujeres del libro son los de todos los días, los de cientos y miles de oficios y ninguna familia, los excluidos, los fracasados, los vagabundos, los tiernos y crueles habitantes del país, los abogados, granjeros, mineros, militantes, histriones, los que frecuentaron las cárceles, los prostíbulos y los alcoholes de todo el continente, los que perduran, los que resisten, los que sufragan y los que cambian disparos con las autoridades y mienten y pierden la vida en masa, como anónimos héroes, en la infausta cadena de islas del Pacífico. La acción nos emplaza en una base del ejército americano en Hawaii en los meses previos al ataque contra Pearl Harbor. El soldado Prewitt es reubicado del cuerpo de cornetas a infantería por negarse a boxear tras dejar ciego a un competidor. Sin embargo su nuevo oficial, el Capitán Holmes, consciente de las dotes de buen boxeador y presiona para obligarlo a combatir nuevamente. Pese a ello, Prewitt se niega, y no pasa mucho tiempo hasta que es sometido al “tratamiento”, es decir, una serie de medidas de presión para intimidarlo. Paralelamente, el suboficial a cargo de la compañía, el sargento Milt Warden comienza un romance con Karen Holmes, la angustiada esposa del capitán Holmes, quien vive desdichada a causa de la inmoralidad de su esposo; mientras Prewitt se enamora irremediablemente de una prostituta, Alma. Las historias de estos cuatro personajes se enlazaran justo en el aciago momento en el que los japoneses atacan sorpresivamente a contra Hawai. De aquí a la eternidad, el libro, del escritor norteamericano James Jones(quien se inspiró en su experiencia personal como soldado para escribir la novela, y autor de la también llevada al cine “La Delgada Línea Roja") es uno de los mejores del siglo XX. La sombría estructura de la novela, la hondura sicológica de sus personajes y su riqueza en pormenores fue resumida a la perfección en un majestuoso guión que supo compendiar el argumento sin que se desaprovechara el espíritu del texto literario.

El Diario de Ana Frank , rememora con palabras de su protagonista, una niña judía de trece años, la historia de la invasión nazi en Holanda. Este relato fidedigno, cuenta la particular situación de ocho personas, entre ellas Ana y su familia, integrada por su madre Edith Frank-Holländer, su padre Otto Frank y su hermana tres años mayor, Margot, que se ocultaron en el anexo oculto, de unas grandes oficinas para escabullirse de la represión nazi. Subsistieron escondidos, en ese lugar ubicado en la ciudad de Amsterdam, desde el 12 de junio de 1942 hasta el 4 de agosto de 1944 cuando finalmente fueron descubiertos. Los agentes de la Gestapo aprehendieron a todos los ocupantes y los reubicaron en diferentes campos de concentración. Ana Frank es a no dudarlo, el personaje histórico que más ha colaborado para preservar el triste recuerdo del holocausto, que simboliza una de las mayores monstruosidades de la historia de la humanidad. Su testimonio sirve para conocer los horrores del nazismo en toda su dimensión y reflejarlos con su máxima crueldad. En su diario personal, que empezó a escribir solo un tiempo antes de la invasión nazi, Ana Frank enumera sus sentimientos y emociones durante su estadía en aquel lugar, resguardada de la vista del ejército nazi. También nos hace saber de las reacciones y las diferencias en la coexistencia con quienes la acompañaron en la Casa de atrás, nombre con el cuál apodaron a su transitoria morada, hoy convertida en museo. En la buhardilla convivían dos familias: la Familia Frank y la familia van Pels y un viejo dentista del pueblo llamado Fritz Pfeffer. Pretendieron de esta manera, resguardarse y evitar que los nazis los encontrasen y los transfirieran a campos de concentración. El particular escondrijo se encontraba ubicado en las oficinas donde se ocupaba el padre de Ana. Los compañeros de trabajo de este se preocuparon por proporcionarles a los ocho judíos alimento y la ropa necesaria para su permanencia en el lugar, aun sin perder de vista que existían fuertes represalias a quien albergara a un judío en aquella época. Cuatro viejos compañeros del padre de Ana eran los únicos que conocían donde se hallaban, allí estarían seguros si todos guardaban el secreto y si nadie se hubiese enterado. Para desdibujar la entrada a la casa de atrás, habían colocado un armario que ocultaba la puerta. El comienzo del diario de Ana Frank, cuenta la vida normal de la niña, pormenores de cómo era el colegio y su relación con amigos y amigas, apostillas características de una niña de trece años. Luego, en el tiempo cuando recién se habían instalado en la casa de atrás, nos cuenta de su adaptación al escondite y a sus compañeros. Al principio no le resulta fácil la convivencia, no lo pasa nada mal, todos la consideran una ¨niña estúpida y parlanchina¨, ya que era la menor del lugar. Para ella su padre era un buen ejemplo de hombre, en cambio su madre le consideraba el peor ejemplo de mujer y de madre, porque creía que ella no soportaría vivir su vida como su madre, que solo se limitaba a ocuparse de las cuestiones de la casa. Ana quería progresar y evolucionar, llegar a ser algo más en la vida. Ella nos va participando de sula vida; nos cuenta su experiencia día a día. El mal humor, también era algo bastante común y normal en el escondite, el estado en el que vivían, hastiaba a la mayoría de las personas. Detalla en su diario un cierto enamoramiento entre los dos jóvenes, narra casi a manera de confesión como la mayoría de las noches visitaba al muchacho en su habitación mirando por la ventana las estrellas y la luna. Esos fueron los momentos más radiantes que Ana describió durante su estadía en el escondite. También asoma entre los relatos del diario, un robo ocurrido en las oficinas, que en los habitantes del anexo ocasionó una fuerte sensación de pánico. Permanecía en sus mentes el pavoroso pensamiento de que la Gestapo , podía encontrarlos y los ruidos de los ladrones en las oficinas, promovieron en los refugiados la sensación de que los habían hallado. Se percataron de que se trataba de ladrones cuando al verlos a ellos, los ladrones salieron corriendo. Los delincuentes habrían conjeturado que se trataba de guardias de seguridad del lugar. Después de permanecer durante un tiempo en los campos de concentración de Westerbork y Auschwitz, Ana y su hermana mayor, Margot, acabaron siendo deportadas a Bergen-Belsen, donde ambas fallecieron durante una epidemia de tifus a causa de las pésimas condiciones de higiene en que se hallaban, entre los últimos días de febrero y promediando marzo de 1945. Su padre, Otto Frank, fue el único de los ocho judíos ocultos en aquel anexo de oficinas que sobrevivió a los campos de concentración. Cuando volvió a Amsterdam, una de las personas que les había prestado ayuda durante su estancia en el escondite, le hizo entrega del diario que su hija había escrito mientras residieron allí. Desde entonces, “El Diario de Ana Frank, , se ha se ha convertido en uno de los libros más leídos en todo el mundo. Tras el fallecimiento de Otto Frank en 1980, los escritos fueron llevados al Instituto Holandés para la Documentación de la guerra. Ana Frank murió en el campo de Bergen-Belsen en marzo de 1945. Pero su Diario nunca morirá.

Hamlet, en sí mismo, representa la mayor contradicción como si poseyera una doble naturaleza: él aviva a la venganza y a la reflexión que lo reprime. Hamlet cuenta con una gran tentación para tomar venganza, por eso mismo prevalece más su indecisión. Esta doble propensión muestra la polarización de los intereses del hombre: o demasiada acción, muy propia del Renacimiento, o mucha incertidumbre propia del Barroco. Pareciera que Hamlet compendiase esa bifurcación natural del hombre; inclinarse hacia las cosas o adentrarse en su vida interior. Hamlet es remiso y a la vez fluctuante, unas veces el deber lo fuerza a actuar, como cuando decide quitarle la vida a Polonio; otras, la reflexión loparaliza; flaquea pero no se resiste a llevar adelante su venganza. Hamlet es un ególatra, busca individualizarse, ser él, nunca parecer ser él, por eso su resistencia a la acción hasta no estar complenamente seguro y persuadido. Tras el deceso del rey de Dinamarcasu hermano Claudio asume como monarca. Contraenupcias de manera súbita con Gertrudis, la reina. Casi al mismo tiempo que el príncipe Hamlet está sumergido en una profunda depresión. Es entonces cuando se le aparece una noche casi de nada la sombra de su padre, el rey muerto, quien le revela que Claudio lo asesinó para coronarse como rey, y le reclama venganza. El príncipe no lo hace inmediatamente al punto de tomarse un tiempo, y mientras tanto simula estar loco, al parecer para que el monarca no intuya cuáles son sus auténticas intenciones. La razón por la cual Hamlet toma semejante actitud (por demás, extraña )es motivo de discusión entre el rey y la reina, que coinciden que nuestro héroe sufre y sospechan se halla perturbado por la muerte de su padre, y Polonio, el viejo mayordomo, quien supone que Hamlet está sufriendo los efectos del amor que experimenta por su hija Ofelia.. Para corroborar lo dicho por el espíritu, Hamlet ordena que se personifique en la corte una obra que ilustre el asesinato referido por el espectro de su padre, y de acuerdo a la actitud del rey, podrá saber si él realmente perpetró el crimen. Promediando la obra Claudio se retira muy trastornado, y el príncipe ratifica así las revelaciones de la sombra.Luego de la representación teatral, Hamlet enfrenta a su madre, y mientras le reprende por el hecho de haberse casado con Claudio, intuye y cree escuchar a alguien detrás de una cortina. Imaginando que se trata de la voz del rey, desenvaina a su espada y se la clava, al indiscreto Polonio, cuando su intención era acabar con la vida de Claudio, pero no mata a Claudio, sino al indiscreto de Polonio. El espectro se presenta nuevamente e insta a Hamlet a concluir su tarea. Pero no puede; el rey lo envía a Inglaterra y ordena que acaben con él en dicho país, sin embargo el príncipe alcanza a huir, falseando las órdenes del rey. Cuando regresa a Dinamarca se entera de que Ofelia enloqueciò y perdió la vida tras ahogarse. Su hermano Laertes, sin buscar pruebas ni realizar un análisis de la situación antes de actuar, se prepara para vengar la muerte de su padre. El rey lo convence para que tome r parte en un combate de esgrima con Hamlet, proveído con un arma envenenada para cerciorarse de la muerte del príncipe. Durante el mismo, Laertes logra su propòsito, envenenando a Hamlet, pero también sufre una herida con la espada falsificada. Antes de morir, el príncipe observa como su madre ingiere una bebida envenenada que estaba destinada aél, y le quita la vida a Claudio. El drama concluye con la llegada del puro Fortinbrás, príncipe de Noruega, que se convierte en soberano del reino. Hamlet se adentra en temas como la locura, las perplejidades del protagonista ante la madre infiel y cómplice en el asesinato del padre, y expone la lucha entre la razón y la locura, entre el bien y el mal, investigando en los sentimientos y pasiones humanas. No es una más de tantas otras tragedias ajustadas al tema de la venganza, pues retrata de un modo conmovedor la miscelánea de gloria y malicia que pinta la naturaleza humana.

Edith Wharton nació en 1862 en Nueva York. Durante gran parte de su vida viajó muchísimo y esa circunstancia le sirvió para embeberse de la cultura europea de sus tiempos y así conoció a grandes personalidades tales como Henry James. Con La edad de la inocencia, Wharton alcanzó el reconocimiento del gran público. Escrita en 1920 y ganadora del Premio Pulitzer, esta novela retrata con sarcasmo la sociedad neoyorkina de postrimerías del siglo XIX, con sus rígidas usanzas y diferenciadas jerarquías sociales.El libro de Wharton cuenta la historia de Newland Archer, un joven soltero del establishment, que comunica su compromiso con una muchacha de la alta sociedad. Pero pronto empezará a tallar en escena la Condesa Olenska, prima de su prometida, quien contribuirá con su hálito de sofisticación europea sumada a una dosis de escándalo. Archer y ella se sienten irremediablemente atraídos el uno al otro, pero la sociedad en la que están sumidos no le entregará resquicio alguno para la pasión, y Archer pronto se verá inmerso en un conflicto entre el amor y el deber. En la opera de New York, un abogado llamado Newland Archer, se encuentra comprometido con la joven May Welland, quien es reverenciada por la clase alta de la sociedad de New York. Un día se suma a la familia de May su prima, la condesa Ellen Olenska, quien conocía a Archer desde que los tiempos de la niñez de ambos, antes de que la condesa viajara a Europa para unirse en matrimonio con el conde. Los amigos de Archer y sobre todo la sociedad de New York, comienzan hacer correr rumores sobre la condesa Ellen a propósito de su divorcio con el conde y la huida con el secretario de este, rumores que acarrearían grandes represalias a la familia de May. Archer y May finalmente se casan, marchando de luna de miel a Europa, olvidándose transitoriamente de Ellen, y procurando mantener la mejor relación con su esposa. Treinta y seis años después, May fallece, Archer y su hijo Dallas, se encuentran fuera del departamento de Ellen en París, es en ese momento cuando Archer se da cuenta de que Ellen siempre fue su gran amor, pero aun así no tiene la valentìa de entrar al departamento, marchándose lentamente sin mirar atrás. La novela, sobresale por sus diálogos flemáticos donde cada palabra está apropiadamente calculada. No hay ostentaciones atrevidas, ni innecesarias . La historia se relata en el clásico estilo lineal. Se multiplican los retratos de sucesos sociales, vestidos y personajes. Hay más descripción de acciones que reflexión, aunque, curiosamente, lo trascendental pasa por el cerebro del protagonista, Newland Archer, un joven abogado comprometido con una mujer, que se siente atraído por otra, la prima de de la primera, la Condesa Olenska, mujer frívola, a la que todos consideran genial y algo excéntrica por su formación europea (y que él conoció de niña).  En varios pasajes se manifiesta esa oposición cultural entre Estados Unidos y Europa. Newland tiene ideas liberales sobre el matrimonio, considerado como camaradería con la mujer; pero pronto se encontrará sumergido en la misma rutina y convencionalismo que todos los demás. May empuja a Archer al matrimonio. Tal vez el momento más culminante de la historia es cuando Newland inicia la aproximación hacia Ellen. Ella parece mostrarse bien predispuesta, pero sus encuentros son muy ligeros. La disposición del libro es circular. Empieza con Newland y Ellen encontrándose en la Opera (Ellen acaba de llegar de Europa, tras huir de la casa de su marido, un conde que solo le depara mala vida, y está tramitando el divorcio); y cerca del final hay otra escena análoga en la Opera, donde Newland recuerda la primera. Pero la escena más importante es, sin duda, la reunión que lleva adelante May al final para despedir a Ellen. Newland, que ignoraba la decisión de la condesa de marcharse y también ignora que está ocurriendo. Para el lector también se le antoja una escena insignificante. May ha fallecido y él ya es padre de hijos mayores. Cuando le reclama que suba a ver a la mujer, Newland se niega; le pide que suba él primero. Prefiere conservar el recuerdo de un amor pasado, que no era otra cosa que una quimera, algo perfecto.Ese ideal que lo llevó en los instantes más exacerbados de su pasión amorosa a anhelar virtualmente la muerte de su mujer, una utopía que no llegó a volverse realidad hasta mucho después; y , una vez cumplida, no sirvió para que él satisficiera su sueño. Warton armoniza en dosis justas el romance, la sátira y la ácida crítica social y convierte a La Edad de la Inocencia en una novela que es un reflejo nítido de lo que fue la "civilización" de una nación, nacida de entre colonos, exiliados, aventureros, etc...también es una novela muy sugestiva y auque su ritmo es algo lento sabe como pocas, cautivar al lector.

Marianela es una novela de Benito Pérez Galdos escrita en 1878. La protagonista cuyo sobrenombre es Nela, que es su queda huérfana de padre y madre desde edad temprana y debe trabajar para poder subsistir. Otro de los personajes representativos de la obra es Pablo, un joven de un estatus social más alto que la desafortunada muchacha. A pesar de su acomodada condición económica, la vida del joven tampoco le resulta facil: es ciego. Nela deberá servirle de compañía y conducirle sus pasos convirtiéndose ella en una especie de lazarillo, deberá de mostrarle el mundo a través de sus propios ojos, puntualizarle las cosas a su alrededor definiéndolas y no solo eso, deberá describirle el mundo exterior del cual Pablo también llega a saber de el gracias a las lecturas que le hace su padre constantemente. No pasa demasiado tiempo para que todas estas cosas ilusionen el alma noble del joven invidente y pronto termina enamorándose de Marianela; ambos se prometen amor eterno y la promesa de una vida en común que ni el tiempo ni la fatalidad que muestra muchas veces depara la vida podrá separar. Si Pablo tiene una condición especial que lo distingue de los demás,  Nela también tiene la suya: ella es una joven que no posee muchos atributos físicos, es fea…sin embargo cuenta con un gran virtud, la de poseer un corazón enorme. Ella sufrirá una enorme desilusión que la llevara a considerar la posibilidad de de no seguir viviendo completamente desamparada, sin un ser querido en quien apuntalarse pues los Centeno, familia que la aceptó cuando quedó huérfana no son los suficientemente próximos a ella, Marianela se sentirá sumamente desdichada luego de sucede algo con lo que no contaba ni esperaba. Hará su llegada a la ciudad Teodoro Golfín un médico de gran corazón para intentar reencontrarse con su hermano Carlos al cual no ve hace bastante tiempo. Golfín se entrevistará con el padre de Pablo luego de conocerlo tanto a él como a Marianela y le expresará que es posible que él le pueda devolver la vista al muchacho. Sin pretenderlo y aunque Golfin procure contentar a muchos, también llenará de angustia el corazón de otros, el de Marianela. Confundida y amilanada por imaginar que quizá Pablo se desilusione de ella cuando recupere la visión, Nela comienza a padecer un cúmulo de angustias que oprimen su pecho. Imagina que la idea de belleza que tiene Pablo del mundo y de ella puede no coincidir cuando el pueda por fin ver.Sus peores pesadillas se volverán realidad, Teodoro Golfin no puede imaginar los sentimientos de Marianela y logra devolverle la visión a Pablo.Al abrir los ojos Pablo el primer ser humano con el que se encuentra frente a frente es con su prima Florentina, una mujer de belleza ingenua que llegó con su padre con el propósito de casarse con Pablo (antes las familias acostumbraban a convenir las bodas de sus hijos). Pablo queda inmediatamente enamorado de Florentina quien imagina que no es otra que Marianela. Después de saber la verdadera identidad de la muchacha no puede evitar profesar un amor genuino, especialmente después de conocerla y saber que ella es una mujer de gran corazón y de pensamientos nobles. Florentina ignora que Marianela está enamorada de Pablo, pero Nela sí está enterada de que Florentina llegó con la intención de contraer matrimonio con su amado. El infortunio de la pobre Nela crece al saber que Florentina la quiere mucho y la estima, tanto que anhela que ella vaya a vivir con ellos percatada del hecho que Marianela lleva una vida familiar desgraciada al lado de los Centeno. En esta casa, Nela solo cuenta con el apoyo de Celipín, el hijo menor que aspira a estudiar medicina para llegar ser tan grande como Golfín. Celipín le aconseja a Nela huir del caos familiar que habitan y le ofrece escapar juntos, aunque ella rechaza la propuesta y él finalmente se marcha solo. Sola ahora sí en el mundo, Marianela comienza a experimentar el aturdimiento de la tribulación al saber que Pablo ya puede ver, no se aventura a ir a su casa y queda deambulando por el bosque extraviada y desconsolada, mientras todos en casa de Pablo se encuentran extrañados, el médico Golfín intuye algo. Al fin puede encontrar a Nela perdida y sumida en un mar de lágrimas. Ella a pesar de confesarle sus desengaños y miedos termina siendo persuadida por el facultativo de ir a ver a Pablo, que la estaba aguardando. La sorpresa de Pablo es grande y el peso de su amor por Florentina lo sumerge en la indecisión. Pablo no se había enterado de la presencia de Nela en la sala que estaban todos, y al verla y palpar su rostro se da cuenta por fin de que realmente es ella. fNuestra protagonista, sin poder restablecerse del consternación que le ocasionó lo irremediable—la desilusión de su joven amigo—se entrega a la muerte al saberse privada del amor de quien era para ella su única razón para sentirse viva. A travès de Marianela , Galdós nos presenta una obra que además de admirable, continúa vigente nuestros días, gracias a la eficacia en sus descripciones del rango psicológico y de la voluntad de sus personajes. 

El gran Víctor Hugo escribió Nuestra Señora de París por pedido de su editor que estaba deseoso de publicar una novela histórica al estilo de las de Walter Scott, que hacían furor al otro lado del Canal. El notable escritor parisino ideó una novela histórica excelente (aunque con algunas recursos literarios discutibles), a través de la cual plasmó en ella muchas de sus desasosiegos sobre los sucesos de su tiempo: el reinado de Carlos X, la revolución de 1830 o la monarquía de julio de Luis Felipe I, último monarca de Francia; y no sólo sobre acontecimientos históricos, sino sobre temas más terrenales y próximos, como la conservación de los monumentos o la excelencia de la cultura escrita. No tan ajustado en el personaje de Quasimodo como cabría esperar por sus traducciones y adaptaciones ulteriores, el libro refiere las ocurrencias de este personaje y su bienhechor, el dómine Claudio Frollo, enamorados ambos de la Esmeralda, una gitana que danza con su cabra por las calles del París de 1482, y que rechaza sus cuidados en favor del capitán de arqueros Febo de Chateaupers. En medio de esta historia se entrelazan las aventuras de Pedro Gringoire, literato aficionado y filósofo devoto, Paquette la Chantefleurie, sacrificada mujer que desempañará un papel determinante en la trama, el hermano menor de Claudio Frollo, Jehan, estudiante tarambana y bullicioso sin par, o Clopín Cojoloco, rey de los menesterosos de París y quijote de la Esmeralda. Todos estos personajes, y algunos más, hilarán un argumento lleno de devaneos, encarcelaciones, secuestros, luchas y muertes. EL amor es la inspiración fundamental de esta obra; el amor en casi toda sus variantes: genuino, filial o lujurioso. porque, a pesar de haber sido escrita poco antes de mediados del siglo XIX, su autor apeló a recursos muy avanzados a su tiempo, como el monólogo interior, o la intromisión del escritor en la narración para aclarar, advertir o hacer ostentación de conocimientos Nuestra Señora de París (Notre-Dame de Paris, en francés) de Victor Hugo, fue escrita en 1831 y es una sucesión de once libros describiendo la historia de Esmeralda una bailarina gitana y Quasimodo, un deforme sordo que es repudiado por su fealdad .En el relato de Nuestra Señora de Paris encontramos amores, animadversiones, exaltaciones mezquinas, crueldad y muerte .La novela se inicia con la descripción de las celebraciones populares, con motivo de la manifestación de 1482 en el Palacio de Justicia. Víctor Hugo nos presenta a Esmeralda, la bailarina gitana y Quasimodo un jorobado cuyo unico trabajo es encargarse de las campanas de la Catedral de Notre Dame, y Claude Frollo,padre adoptivo de Quasimodo. Frollo, que sentia una gran atracción por la bailarina gitana, ordena a su hijo que la rapte. El Jorobado, como puede, ruega por un poco de agua y Esmeralda sube al patìbulo en el que se ejecuta la pena de muerte, y le acerca un tazòn con agua para calmar su sed.Quasimodo siente un especial agradecimiento y un afecto enorme hacia la gitana por haberlo tratado tan bien, se siente reconfortado ya que no está acostumbrado a ser tan bien tratado. Sin embargo, Frollo compungido porque el secuestro resultò fallido, y celoso del capitán Febo, ya que es plenamente consciente que Esmeralda está enamorada de él, termina apuñándolo cuando se encuentra en una habitación con Esmeralda. Frollo aprovechando que los truhanes de la Corte de los Milagros intentan liberar a Esmeralda, la saca de la catedral por su cuenta, extorsionándola de la peor manera, dándole a elegir entre su amor o la horca. La gitana rechaza la propuesta de archidiácono y acabadelatándola . Todo es inútil, madre e hija mueren y Frollo es empujado por Quasimodo al fosa de la catedral y el jorobado muere abrazado al cadáver de Esmeralda-.Leer a un clásico como Víctor Hugo es muchas cosas a la vez pero fundamentalmente es toda una experiencia literaria aconsejable para cualquier amante de los argumentos cargados de inteligencia, sublimes personajes y asombrosas descripciones capaces de arrastrar al lector a épocas y lugares poco conocidos Muchos consideran a Víctor Hugo desde hace siglos como el más destacado escritor romántico francés y, al leerlo, es fácil darle razòn a quienes piensan en tal sentido. Nacido el 1802 y muerto ochenta y tres años después, es autor de una tan reconocida como prolífica obra que abarca desde novelas hasta discursos políticos. Quizá tan profusa creación literaria se deba a un rigurosísimo sentido de la disciplina al que Hugo se ajustaba por voluntad propia, pues es sabido que solía despertarse a las tres de la madrugada a escribir ininterrumpidamente hasta el mediodía. Nuestra Señora de París es una aventura que nos traída hacia el París medieval, hacia el interior de patéticos y complejos personajes, hacia las grandes cuestiones del amor y el desamor. Al leer la novela, el lector se enfrenta a un contenido inteligente y conmovedor, lleno además de personajes bastante humanos y oscuros, situación comunicada con la exquisitez estilística que le es tan propia al autor.“Nuestra Señora de París”, como es fácil advertir , es mucho más que una novela de aventuras históricas. Y todo ello se lo debemos al genio de Victor Hugo. 

 Gustav von Aschenbach es un músico y destacado escritor alemán quien buscando renovar la inspiración exhausta resuelve pasar un período de descanso en Venecia. A principios del siglo XX, el compositor hallándose muy delicado de salud y buscando renovar la inspiración exhausta resuelve pasar un período de descanso en Venecia. Aschenbach escapa de su país (posiblemente Baviera), del dolor de haber perdido a su hija y del fracaso de su matrimonio y su última obra. Huye de su mujer, de las discusiones con su mejor amigo intelectual, se aleja de la acritud teutona, en resumidas cuenta se escabulle de su vida. Af ectado por una grave enfermedad, sabe que no le queda demasiado tiempo Sentenciado a una muerte segura, y ya alojado en el hotel, la belleza de un adolescente polaco, perteneciente a la nobleza, despierta en el escritor y músico una irresistible tentación,,, la belleza de Tazio acaba convirtiéndose en objeto de silenciosa adoración para von Aschenbach. Así, el lector es testigo de un escrupuloso retrato del dilema psicológico de Aschenbach, cuya moralidad convenida comienza a ceder bajo el coraje de darle rienda suelta a una pasión prohibida. Dentro de la obra de Mann, no podemos pasar por alto, algunos cuadros descriptivos de la ciudad de Venecia y de sus habitantes se muestran con trazo expresionista, concluyendo los rasgos de un entorno grotesco y decadente que presagian la fatalidad: la epidemia de cólera que avanza sigilosamente, sin prisa pero sin pausas sobre la ciudad de los canales. Insistentemente deambulará examinando la inabordable belleza de Tadzio y de la propia Venecia, zambulléndose en la decadencia de una ciudad que no consiente estar condenada por una epidemia de cólera y al igual que él trata de evadirse de su propio ocaso. Finalmente Aschenbach no tolera un ataque al corazón en la playa, y mientras él se encamina asu inexorable encuentro con la muerte observa como el bellísimo Tadzio se aleja alumbrado por los destellos del sol. No resultaría impropio afirmar que Muerte en Venecia/ Der Tod in Veneding conlleva todas las características deun relato con más de uncontenido autobiográfico. Mann escribió la novela fue en 1912, poco después de concluida una estancia en dicha ciudad, donde justamente se enteró de la muerte de Mahler ocurrida en 1911.. De alguna manera el fallecimiento del compositor habría golpeado a Mann de tal forma, quien decide bautizar a su personaje con el mismo nombre que poseía Mahler y ubica un director de orquesta bohemio en su genealogía materna. Aschenbach, por el contrario, toma su origen en el poeta medieval Wolfram von Eschenbach, uno de los Minnesänger más destacados de su época, conjunción de caballero, trovador, monje y guerrero proveniente del pueblo de Eschenbach en Baviera, dotado de una gran capacidad para la composición y el canto. El nudo de la trama está centrado substancialmente en la irrefrenable atracción de von Aschenbach por el joven Tardío, pasión que parece explayarse mucho más allá del deseo homosexual, para irrumpir en el prodigioso encanto de una búsqueda, arte de por medio, del deleite estético que concede una belleza quasi imperfectible. Ese tesoro artístico tan buscado como inalcanzable invade finalmentesu vida. En esto de simbolizar el encuentro con Tadrio nos imaginamos un atelier sin tiempo en el que Wagner experimenta en el piano las notas para el dúo de Tristán e Isolda, mientras Calderón ensaya el monólogo de Segismundo, Botticelli ensaya matices para el Nacimiento de Venus y Miguel Ángel sustrae al mármol de todo lo superfluo que rodea a la Madonna. Concisas intervenciones que nos ayudan a trazar la genealogía de von Aschenbach, tales como el anónimo de Munich disparador de su necesidad vacacional, el viejo convertido en joven a bordo del barco, el gondolero, la familia de Tadrio, los huéspedes, Saschu y los músicos callejeros. Gran parte de ellos como claros referentes de un mundo ramplón, plenamente alejado de Tadrio, pero no completamente ajeno para von Aschenbach anhelante de alguna manera de poner punto final a esa nefasta connivencia entre mediocridad y decadencia. La alegría transitoria del verano Veneciano no logra contagiar a von Aschenbach. Su atracción irrefrenable por el joven Tadrio, se torna cada vez más desatinado y por momentos lo impulsa a un estado de excitación y descontrol. En cierta medida nos imita aquel dove son giunto que Arrigo Boito pusiera en labios del Otello verdiano. En una curva descendente, sus actitudes no logran dominar la fuerza de lo prohibido y oculto que intenta proferir. Alguna muestra de estoicismo le será útil, no obstante, para proponerse resistir sea como sea ; Tadrio debía permanecer inaccesible quizás por su condición de semi-Dios y tal vez por un cierto aprensión al rechazo y al ridículo o bien al pánico de transitar caminos imposibles de abordar para él. Un cúmulo de vacilaciones y pasiones tan ominosos como aquel cólera amenazador, que finalmente lo lanzarán hacia la desesperación. La muerte que invade a Venecia bien podría sumarlo entre sus víctimas. Muerte en Venecia es en definitiva, una admirable novela breve del Nobel alemán 1957. Conmueve la sensibilidad del protagonista frente al Arte, la vida, sobre cualquier otro ítem, el Amor, que lo llevará a sumergirse en los abismos de sí mismo. Venecia es el pretexto para desarrollar el Yo del artista; en un tiempo de búsqueda, hallazgo y, en definitiva, unión con lo sublime, con lo trascendente. 

Tras haber escrito innumerables ensayos y teorías, Umberto Eco, en 1980 publica su primera novela: El nombre de la rosa. A través de la narración de setecientas ochenta y cuatro páginas, logra plasmar una estupenda reconstrucción de la época, del modo que enfrentaban la vida los monjes de la abadía benedictina, y las corrientes de pensamiento del siglo XIV.El dogma, la inquisición y el misterio se aúnan en esta novela para dar paso a una investigación sutil e intrépida de Guillermo de Baskerville, monje franciscano y su ayudante Adso de Melk. La mayor virtud de la novela de Humberto Eco reside en explicar magistralmente pasajes extravagantes, únicos, sumamente detallados, que ayudan al lector a poder percibir cada suceso que allí ocurre, cada rincón de la abadía y de un modo especialmente particular, esa grandiosa biblioteca donde han de investigar ambos monjes. El Nombre de la Rosa , es una novela que no se puede dejar de leer. De lectura engorrosa, a veces un poco densa, sin embargo, mantiene la atención del lector con un alto grado de intriga . Con Juan XXII, al frente del papado en 1327, en plena Edad Media, arriban a Italia el franciscano Guillermo de Baskerville, fraile británico y reconocido con un pasado como inquisidor, con la excusa de organizar una reunión donde se discutirá la aparente conversión de una rama de los franciscanos, llamados los espirituales. Para llevar adelante este cometido le acompaña su joven discípulo, el novicio benedictino Adso de Melk, que no es otro que el propio narrador en esta novela ya anciano y estimulado por sus recuerdos de juventud. Presentado como hijo de un noble austriaco, el Barón de Melk se entrega totalmente a su misión como adjunto en la investigación confiada por el abad de la abadía, el reciente fallecimiento de un monje, ocurrida en circunstancias por demás extrañas. La abadía está ubicada en los Apeninos septentrionales italianos; célebre es la gran biblioteca que conserva dentro de sus murallones esta gran abadía, que guarda una serie de normas un tanto estrictas, por ejemplo, no todos los monjes o curiosos tienen acceso a ella. Sin embargo, Guillermo y Adso logran evadir esos obstáculos y así logran descubrir que, en realidad, las muertes se suceden a propósito de la existencia de un libro que se creía extraviado: el segundo libro de la Poética de Aristóteles. Entre tanto, un fanático y ciego monje llamado Jorge de Burgos, el cual resguarda y oculta el dichoso libro, intenta evitar por todas las formas posibles que Guillermo llegue a descubrir la verdad de sus investigaciones, hasta el punto que, viendo como otros estaban prestos a descubrirlo todo, no tiene mejor idea que empezar a devorar las mismísimas páginas del libro. En medio de la discusión entre Guillermo y este anciano monje, un pavoroso incendio se desata en la abadía y la biblioteca arde totalmente. Así es como se suceden sin solución de continuidad hechos dramáticos y muertes varias en extrañas circunstancias, que Guillermo y Adso van investigando en la abadía, pero que al mismo tiempo les lleva a armar presunciones y pistas sobre lo más tenebroso del cristianismo, a la par de otras historias sobre la inquisición. El libro no tiene desperdicio, y es en realidad una historia policíaca ambientada en la época medieval. El enfrentamiento entre Guillermo de Baskerville (científico, metódico y racional) y Jorge de Burgos (ex-bibliotecario ciego del monasterio, delegado del misticismo y la religiosidad , que pone todo su empeño en ocultar el libro de los demás), máximo cumplidor de las muertes al envenenar a todo aquel que ha leído la Poética , es uno de los puntos más culminantes de todo el libro. Finalmente, es justamente esta riña entre ambos (Jorge intenta quitarle la vida a Guillermo cuando éste descubre el ejemplar del libro y no sucumbe en la trampa del primero) es el que ocasiona la destrucción no sólo del libro, sino la aniquilación de la biblioteca y de toda la abadía en un incendio iniciado no casualmente en la biblioteca.Con características propias de la novela gótica, adentrándose en la crónica medieval, incursionando en la novela policíaca, con el relato filosófico en clave y con la alegoría narrativa en su máximo esplendor, “ El nombre de la rosa” ofrece al lector mas de un punto de interés: primero, una trama mas que atractivo y con un sinnúmero de golpes de efecto, que cuenta las actividades detectivescas de Guillermo de Baskerville para desentrañar los crímenes de una abadía benedictina; segundo, la reconstrucción prodigiosa de una época singularmente conflictiva, reconstrucción que no se conforma en detenerse en lo exterior, sino que pone especial énfasis en describir las formas de pensar y de sentir del siglo XIV; y tercero, la forma y el modo en que Umberto Eco el ensayista, ha pergeñado su primera novela, por haber develado aquello sobre lo cual es imposible teorizar, aquello que hay que narrar. La lectura de esta novela nos aproxima al conocimiento del mundo medieval, en particular subraya la importancia de la religión en el pensamiento y la vida de las masas. La vida en los claustros y las luchas entre las distintas corrientes religiosas son ejes que dan forma al argumento de esta obra.

 Antonio y Cleopatra, tragedia en cinco actos en verso y prosa de William Shakespeare fue escrita probablemente alrededor de 1606-1607, estrenada seguramente en 1607 y publicada en el mamotreto de 1623. El germen de la obra es, a no dudarlo, la vida de Marco Antonio de las Vidas paralelas de Plutarco, en la versión de North. Shakespeare recurrió también a La historia romana de Apiano y pudo consultar otras obras inglesas sobre el mismo asunto El drama nos presenta a Antonio en Alejandría, cautivo de la belleza, ya madura, de Cleopatra. A propósito de la muerte de su mujer Fulvia y sumado a la sucesión de distintos hechos políticos, Antonio regresa a Roma, para poner fin al antagonismo entre él y Octavio César uniéndose en matrimonio con la hermana de César, Octavia, circunstancia que vuelve extremadamente celosa a Cleopatra. Una vez concluida la batalla de Actium, Antonio es hostigado hasta Alejandría por César y allí, después de un momentáneo éxito, sufre la derrota final. Ante la aparente noticia de la muerte de Cleopatra, primero le ruega a su secuaz Eros que acabe con él, sin embargo Eros no acepta y se suicida en lugar de atravesar a Antonio. Y llevado al mausoleo donde se ha refugiado Cleopatra, muere en sus brazos. Marco Antonio fue el hombre con más poder del mundo romano durante un tiempo, hasta que lo derrotara el joven imperturbable y calculador Augusto, que después se proclamaría primer emperador de Roma. Ella fue la intuitiva, inteligente, codiciosa y preciosa reina del reino egipcio. Sólo gracias al apoyo romano, y concretamente gracias a César y a Marco Antonio, sus amantes, pudo conservarse en el poder en una corte en la que el mayor peligro eran los antagonistas de su propia familia y el asesinato era cosa cotidiana La historia de Antonio y Cleopatra es la del choque de dos culturas, una historia de ambición y crueldad y también de pasión humana, .supone un hito en la obra del autor dramático por excelencia, William Shakespeare, el cual compuso una obra que relata con singular maestría la ascensión al poder del joven Octavio, sobrino de Julio César, y la caída del juicioso Marco Antonio, antiguo compañero de batalla del condecorado César. La obra se inicia con el pedido de auxilio que Octavio hace a Marco Antonio para vencer a Pompeyo, que asociado con los piratas planta el terror en las costas italianas y paraliza el suministro de grano a Roma. He aquí una primera coalición a la que Marco Antonio se ve obligado a entrar, pues no quiere distanciarse con el pueblo romano y, lo que es más importante, quiere conservar su imagen como Campeador Victorioso y demostrarles la fuerza de su poder tanto a Octavio como también a Lépido (tercer integrante del triunvirato) Entre acto y acto Shakespeare nos introduce en los juegos de poder y control, la tragedia sobresale por sostener dos tramas análogas que reflejan dichos juegos, de un lado los que se prestan a nivel político entre los miembros del triunvirato y de otro lado los juegos de poder dentro de las parejas, en los que Cleopatra es una catedrática .Una vez que el triunvirato obliga a capitular a Pompeyo, Octavio aprovecha la condición de viudo de Antonio para rubricar su alianza con un matrimonio. Tanto Shakespeare como Plutarco dejan vislumbrar que la conexión propuesta por Octavio es una artimaña política de este para mostrar ante el pueblo romano una subterfugio que le permita enfrentarse a Antonio; pues sabía que Antonio no articularía con las virtudes de Octavia, modestia y austeridad, y una vez que se situarán en Egipto estaba bastante convencido de que Antonio elegiría pasar su tiempo gozando de los placeres sensuales que le ofrecían en la corte de Cleopatra. Octavio demuestra ser muy astuto, pues los sucesos se sobrevienen tal y como lo había pronosticado, aprovecha las humillaciones que su hermana sufre por causa de Antonio para organizar un ejército con el que se las verá cara a cara y vencerá a Antonio y Cleopatra y de ese modo se convertirá en Octavio Augusto, Emperador de Roma.Los juegos de poder y control político se vinculan con los juegos de poder y control amoroso en la ardiente relación que mantienen Antonio y Cleopatra. La pretensión de Antonio de mantener su estatus distinguido ante el senado y el pueblo de Roma se evapora por las maniobras de Cleopatra, que recurre a su fuerza sensual para manipular a Antonio a su arbitrio. Cleopatra utiliza todo su máximo esfuerzo para influir en Antonio, que es mostrado como una marioneta en manos de Cleopatra, convirtiéndose así en la heroína central de la tragedia, pues los sucesos que en ella se cuentan están constantemente en relación con Cleopatra. En la tragedia de Antonio y Cleopatra Shakespeare nos plantea un continuo juego no exento de dialéctica: la juventud de Octavio frente a la lucidez de Antonio; la circunspección de Octavia frente a la sensualidad de Cleopatra; el afanoso, sobrio y combatiente Occidente frente al ocioso, voluptuoso y temeroso Oriente… lo que la convierte a Antonio y Cleopatra del magistral William Shakeaspeare una obra que estimula a la reflexión del lector y por esa misma razón en una obra de lectura imprescindible

 “A Sangre Fría”, crónica del novelista estadounidense Truman Capote, publicada en 1966, es un extenso y minucioso documental a propósito de un cuádruplo homicidio y del encarcelamiento y confesión de sus autores, así como de su juzgamiento y ejecución seis años después. Capote, a quien siempre se deleitó representando el papel de fetiche histriónica ante la prensa y la alta sociedad norteamericanas, se proclamó a si muchas veces como el escritor vivo más importante del mundo y como el innovador de un género literario: la "novela periodística".Mixtura de la inspiración del reportaje incontrastable con la inventiva de la ficción,” A Sangre Fía” es una sugerente versión de los asesinatos perpetrados por dos sicópatas en el estado de Kansas. El 15 de noviembre de 1959, en Holcomb, un pueblecito de Kansas, los cuatro integrantes de la familia Clutter (un agricultor, su esposa y dos hijos) fueron brutalmente masacrados en su casa. Los crímenes no tenían explicación y resultaba difícil hallar pista alguna para encontrar a los culpables del múltiple crimen .Capote, al enterarse de la noticia, resolvió seguir la pista por sí mismo las sucesos que alteraron la imperturbabilidad de aquella casa la noche del 14 de noviembre. Pasó seis años escuchando entre tantas cosas: cientos de conversaciones con vecinos, escuchando a los policías comisionados del caso, a los amigos mas cercanos de la familia Clutter; en total, más de seis mil carillas de información. Finalmente apresaron los culpables: dos jóvenes embaucadores y pequeños ladronzuelos, Dick Hickock, de veintiocho años y Perry Smith, de treinta y uno. Cuando los asesinos fueron descubiertos y encarcelados, la amistad que Capote comenzó con ellos le permitió redondear una pormenorizada reconstrucción de sus vidas. El 14 de abril de 1965, Perry Smith y Dick Hickock fueron ejecutados en la horca, tras haber sido declarados criminales por rematar a una familia cuya fortuna no llegaba a los cincuenta dólares. En su última estadía en la cárcel, Dick Hickock había llegado a sus oídos el relato que le hizo otro preso del gran patrimonio de Clutter, hombre magnánimo, querido y reverenciado en Holcomb por su infinita bondad y antes miembro de la Junta de Crédito a la Agricultura, en el gobierno de Eisenhower. Hickock se puso de acuerdo con Perry Smith, otro antiguo condenado amigo suyo, mestizo, hijo de blanca y de indio cheroqui. Además de asesinar a Herbert Clutter, mataron a su esposa Bonnie, a su hija de dieciséis años, Nancy, y a su hijo de quince, Kenyon; ambos jóvenes eran magníficos estudiantes, comunicativos, risueños y estimados en la pequeña comunidad. Sólo la madre parecía ser todo lo oscuro y sórdido que pudiese haber en aquella familia, tan trivial como inconfundiblemente americana. Esmerilada por las depresiones, de ella dijo un corresponsal de Newsweek que tal vez se sometió a su salvaje e inesperada muerte como una liberación. Aunque Truman Capote narra todo en tercera persona y le infunde a su obra un rasgo documental y ecuánime, el libro no deja de correr el velo sobre su revelación personal de la oscurísima naturaleza de aquellos asesinos. Ambos son fascinantes mixturas de aptitud y de necedad, de ferocidad y de piedad. También de rígida y reprimida pederastia, por parte del mestizo. Furioso, Perry Smith no soporta que Dick Hickock viole ni fastidie a Nancy Clutter y conversa con la muchacha de poesía y de pintura, antes de volarle los sesos él mismo tras dispararle con un escopetazo. También amolda al padre con una almohadilla debajo de la nuca, antes de decapitarlo con un machete. Los dos muchachos abominaban a sus familias; pero, durante el juicio, Dick Hickock hizo lo posible desvivió por consolar a la suya. Perry Smith dijo a Truman Capote: "Irónicamente los Clutter nunca me hicieron daño alguno. Acaso los Clutter tuvieron que pagar por ellos, de una forma bárbara e injusta". A horas de su ejecución, Hickock se regocijó también imaginando paradojas. Muchos asesinos andan sueltos y perecerán en la cama, reflexiona. Dick Hickock siempre afirmó que los crímenes fueron todos consumados por Smith. Es la inevitable venganza de la sociedad y si él fuese pariente de los Clutter, la exigiría para Hickock y Smith. Ambos subieron al patíbulo con alarmante serenidad y se despidieron simpáticamente de quienes los apresaron. Smith pregonó su arrepentimiento, si bien reconoce la insignificancia de expresarlo. A Truman Capote lo besó en la mejilla y le dijo en español: "Adiós, amigo mío".A sangre fría figuró más de seis meses en la lista de los libros más vendidos del New York Times. Al autor le había alcanzado finalmente su deseada popularidad..Narrada en tercera persona, A sangre fría ha sido destacada por su sorprendente realismo y la simbiosis de una narrativa tradicional con una crónica periodística. ». El caso Clutter fue, ciertamente, el primero de los numerosos crímenes espeluznantes, aquellos asesinatos masivos de los años 60 que siguieron a los asesinatos políticos... Quizá por vez primera, Capote observó cómo una sociedad se definía a sí misma en relación a sus crímenes, a su capacidad para llevar a cabo crímenes horripilantes. A sangre fría, que fue juzgada por el mismo Capote, pionera y provocativamente como una «non fiction novel». Es, indiscutiblemente, un libro conmovedor que, desde la fecha misma de su publicación, se convirtió en un clásico 

En un momento de la obra “Macbeth”, Shakeaspeare nos deja una frase a modo de sentencia, «La vida no es más que una sombra... Una historia narrada por un necio, llena de ruido y furia, que nada significa.» El ruido y la furia es una obra maestra de la literatura. Cuenta el ocaso progresivo de la familia Compson, sus secretos y las relaciones de amor y odio que la sustentan y la demuelen. Por primera vez, William Faulkner le otorga singular preponderancia al el monólogo interior y pone el lente sobre las características sus personajes vuelven singulares: Benjy, deficiente mental, castrado por sus propios parientes; Quentin, embrujado por un amor incestuoso e incapaz de controlar los celos, y Jason, adonis lleno de maldad y de sadismo. El señor y la señora Compson, tienen cuatro hijos, una hija llamada Caddy y tres hijos varones. El señor Compson es un hombre intuitivo y de tanto en tanto afectuoso, pero también es débil y egoísta y busca amparo en el alcohol contra su nihilismo . La señora Compson , es una mujer egoísta que obsesionada por su condición de hipocondríaca , no demuestra a sus hijos demasiado afecto; Los cuatro hijos abandonados a su suerte, descubren que sus vidas están condenadas a  la tragedia y a la disipación. Él menor de los tres hijos , Benjuí, es casi un superdotado cuya mentalidad alcanza un desarrollo enorme, nada comparable con la mentalidad de cualquier niño de tres años, vive sumido en el desamparo emocional . Su pena es la deserción de su hermana, ella era la única persona que le demostraba afecto al faltarle el cariño de sus padres. La tragedia que le resulta difícil de sobrellevar a otro de los hijos, llamado Quentin es que siente una extraña inclinación hacia su hermana Caddy,pero guarda silencio respecto de ese sentimiento por convencionalismo social y por su propia debilidad e indecisión .Al verse privado del apoyo emocional e ideológico de su padre , e incapaz de enfrentarse a esos aprietos, se interna en el rió y pone fin a su vida, ahogándose, casi en el final se su primer año de estudiante en la universidad de Harvard. La tragedia de la hermana , Caddy tiene distintas aristas: observa impotente cómo poco a poco se desintegra su familia , y comprueba su imposibilidad e para ayudar a sus hermanos Quentín y Benjy o a su padre , paralelamente a esta situación que no pude manejar, el hombre a quien ama la abandona; se vuelve promiscua al màximo y se casa con un hombre aborrecible sollo para darle un padre a su hijo, pero tiene que divorciarse cuando este se da cuenta de que está embarazada de otro hombre y finalmente se convierte en prostituta, no pudiendo reintegrarse a su familia, entre la que se cuenta su hija ilegitima. Suele decirse de “El Ruido y la Furia” que refleja la decadencia de una familia sureña, los Compson, integrada por un hermano suicida, una hermana desaparecida, un hermano idiota y otro que ha llegado a convertirse en solterón, vehemente, segregacionista y avaro.Todos hijos de un padre entregado al alcohol y una madre histérica e hipocondríaca. Sólo un narrador como William Faulkner, podría dibujar como ningún otro escritor los mohines de desconsuelo, inocencia, desesperanza… de los personajes allí retratados. Es un ser subordinado a los olores, los colores: al fuego, a la hierba…, extremadamente dependiente de las voces de las gentes que le rodean, gentes a quien ama; son impulsos primarios. Y es a través de sus llantos, sus expresiones carentes de conexión, sus perspectivas de una realidad que nos transmite agrietada y difusa, pero tierna e inocente, se nos ofrece con todo su primitivo patetismo. Quentin, es un ser terminado, en cuya alma se disimula el pecado. Sin embargo, el lector le percibe como el consignatario de la memoria histórica de la familia e incluso del Condado en donde residen Jason es sanguíneo, iracundo, y tan caótico como Benjuí, pero su galimatías es otro, su problema no es la ineptitud, sino estar atado a un profundo e incontenible sentimiento de ira. Lo relevante y trascendente en esta magnífica obra es cómo el autor desarrolla las distintas voces y cómo logra, a partir de sencillos tácticas, individualizar a los personajes y conferirlos de características propias. El ruido y la furia es una novela áspera y amarga: sus personajes deambulan como marionetas en un escenario rústico (fundamentalmente por el espacio psicológico que ocupan) y ninguno de ellos consigue concretar sus deseos y llevarlos a buen fin . La exaltación, el egoísmo, la pasiòn y la codicia echan por tierra cualquier posibilidad de entendimiento o salvación, volviendo al destino que se abate sobre todos los protagonistas de la obra de Faulkner, más aciago. “El ruido y la furia” es la cuarta novela del escritor estadounidense, publicada en 1929.Cuando fue transcrita por primera vez al castellano se tituló como El sonido y la furia; el traductor excluyó la referencia que Faulkner utilizó, un verso de Macbeth cuya traducción menos discordante en nuestra lengua ha sido "Ruido y Furia.El verso que inspiró al escritor refiere la vida como una historia narrada por un idiota, lo cual no es otra cosa que la síntesis más acabada de esta novela.

El Avaro, la gran obra de Móliere fue representada por vez primera el 9 de septiembre de 1668.La acción transcurre en París. Harpagón, es el protagonista principal de la obra, es un adinerado burgués viudo y padre de dos jóvenes: Cléante y Ëlise. Ésta ultima está silenciosamente complicada sentimentalmente con Valère, apuesto hombre napolitano que no mucho tiempo atrás le había salvado la vida, suceso que le sirvió para ganarse el amor de la muchacha, además de introducirse en la casa de Harpagón como intendente. Por su lado, Cléante pretende casarse con una joven sin fortuna, de la que está profundamente enamorado. El hermano y la hermana no las tienen todas consigo y temen que sus planes de matrimonio colisionen contra la férrea oposición de Harpagón, cuya intolerancia y avaricia lamentan, y quien ha sepultado en su jardín, una suma de diez mil escudos de oro por temor a que le robasen semejante suma de dinero .Harpagón no tiene problema de guardar en su casa el dinero y se congratula de tenerla bien preservada para usufructuarla personalmente. Para eso improvisó, en su casa, un escondite, porque siempre creyó y sigue creyendo que las cajas fuertes no eran absolutamente confiables; el pensaba que sería la primera cosa sobre la que embestirían los ladrones. Pensaba en voz alta: “no sé si es seguro haber guardado los diez mil escudos de oro enterrados en el jardín”; y luego calla, porque tiene miedo que alguien lo haya escuchado.Cléante, su hijo, le pidió que no se atormentara más; y, le confesó haber encontrado el tesoro; pero, si él consiente su casamiento con Mariane, le promete recuperar todo el dinero. El avaro de Moliere es una de las grandiosas obras del teatro francés, la cual sirvió para rubricar una etapa dentro del teatro barroco. Es también la historia de un personaje que desnuda el lado más mezquino y egoísta de las personas, donde lo material prevalece ampliamente por sobre cualquier otro sentimiento El avaro de Moliere fue escrito por el poeta francés Jean Baptiste Poquelin (Moliere) en el siglo XVII, convirtiéndose en uno de los clásicos de la literatura universal barroca. La primera publicación fue en el año 1668 y su estreno se convirtió de inmediato en un gran suceso en Francia y toda Europa.. Harpagón a lo largo de toda la obra de El avaro de Moliere piensa constantemente en la idea de ahorrar para el futuro, apreciando mucho más al dinero que a él mismo y sus verdaderos intereses que nunca llegan a revelarse porque nunca lo consiente. El libro nos muestra a una familia adinerada de la ciudad de París, donde el argumento gira en derredor de las acciones de un padre que priva a sus hijos tanto de cosas materiales como afectivas. La obra expone el lado más sórdido y egoísta del ser humano, donde se lleva al extremo los problemas motivados por el dinero y por el poder, lo cual supera a todo tipo de sentimientos que se ven ensombrecidos y empequeñecidos ante lo puramente material. .El autor esgrime la sátira de un modo superlativo a lo largo de todo el libro, el cual mantiene cautivo al lector de principio a fin a través de un argumento con momentos brillantes. El Avaro de Moliere,se trata de una historia de amor donde el protagonista se encuentra fuertemente atraído por Mariana, con la cual pretende contraer matrimonio ignorando el hecho que si mismísimo hijo es el amante de ella En ese momento es que comienzan a entretejerse una gran cantidad de historias cruzadas, donde quedan bien marcad los pobres valores del personaje y su lado más sombrío. A lo largo de la obra, Moliere alcanza a plasmar de un modo singular todo el egoísmo que puede haber en las personas, su deseo de venganza, el presunción, la felonía y la desconfianza, llevada al extremo. Al culminar la obra, quedan en evidencia una gran cantidad de sensaciones, y una única certeza: en definitiva en lugar de Harpagón conservar las riquezas, las riquezas lo poseen a él.

 Los viajes de Gulliver. de Jonathan Swift cuenta las peripecias del inglés Lemuel Gulliver, que zozobra en las orillas de una llamada isla Lilliput,aalí todos sus habitantes medían alrededor de menos de veinte centímetros, Swift la concibió como una sátira, contra la pedantería y la hipocresía de las cortes, los hombres que ostentaban el poder y los partidos políticos de ese época .El libro no es otra cosa que la narración de un viajero con el falso título Viajes a varias remotas Naciones del Mundo, su autoría le pertenece a Lemuel Gulliver, de profesión cirujano, luego convertido en un capitán de diversos barcos».Considerada como uno de los iconos de la narración infantil, “Los Viajes de Gulliver” o también conocida por algunos como “Viajes a lugares remotos de la tierra”, ha hecho suyo desde siempre el corazón de grandes y chicos por sus sagaces narraciones. Allí tenemos al capitán Samuel Gulliver, un típico inglés del siglo XVIII que, a poco de navegar por alta mar, remueve de su imaginación historias asombrosos, que la pluma de Swift las transformó en literatura, poco después de que Daniel Defoe relatara en “Robinson Crusoe” las aventuras del marino escocés Alexander Selkirk, quien, dejado en una de las islas de Juan Fernández, al oeste de las costas de Chile, lleva una vida de misántropo entre septiembre de 1704 y febrero de 1709. “Robinson Crusoe” tiene demasiados puntos en común con “Los viajes de Gulliver” y ambos relatos con Simbad de “Las mil y una noches”, puesto que son obras nutridas y sustentadas por la fantasía e inspiradas en viajes y aventuras de fabuladores y desamparados empeñados en hacer creíble lo increíble, y en cuyas páginas llenas de enjundia convergen lo real y lo imaginario, lo factible con la utopía. Para algunos expertos en literatura infantil, “Los viajes de Gulliver” es una obra que expresa el complejo de inferioridad y superioridad, y la misantropía casi patológica de Swift, quien, como pastor anglicano, castigó con ironía las corrupciones humanas y dijo: “Odio y detesto a ese animal que se llama hombre”.En “Los viajes de Gulliver” encontramos a un Swift desplazándose de la poesía al relato, para narrar las apasionantes aventuras del capitán Samuel Gulliver, un típico inglés del siglo XVIII que, a poco de navegar por alta mar, arranca de su imaginación historias inverosímiles, que la pluma de Swift las trocó en literatura, poco después de que Daniel Defoe relatara en “Robinson Crusoe” las aventuras del marino escocés Alexander Selkirk, quien, abandonado en una de las islas de Juan Fernández, al oeste de las costas de Chile, lleva una vida de ermitaño entre septiembre de 1704 y febrero de 1709. “Robinson Crusoe” tiene mucho en común con “Los viajes de Gulliver” y ambos relatos con Simbad de “Las mil y una noches”, puesto que son obras alimentadas por la fantasía e inspiradas en viajes y aventuras de fabuladores y náufragos empeñados en hacer creíble lo increíble, y en cuyas páginas llenas de vigor confluyen lo real y lo imaginario, también la utopía .Si en “Robinson Crusoe” (1719), el hombre lucha contra la naturaleza salvaje para construir su propio hábitat, en “Los viajes de Gulliver” (1726), el autor nos muestra cuán relativo es todo en este mundo y cuán estúpido llega a ser el individuo a través de su arrogancia y orgullo. Robinson Crusoe” tiene demasiados puntos en común con “Los viajes de Gulliver” y ambos relatos con Simbad de “Las mil y una noches”, puesto que son obras nutridas y sustentadas por la fantasía e inspiradas en viajes y aventuras de fabuladores y desamparados empeñados en hacer creíble lo increíble, y en cuyas páginas llenas de enjundia convergen lo real y lo imaginario, lo factible con la utopía. .Las crónicas de viajes, durante el siglo XVII, acabaron siendo los libros más populares, debido a que en la comprensión del hombre occidental existía aún la idea de que al otro lado de los mares habitaban monstruos gigantes y seres extraordinarios, que tenían un ojo en la frente y la cabeza debajo del brazo. .Si en “Robinson Crusoe” (1719), el hombre presenta batalla contra la naturaleza irracional para construir su propio hábitat, en “Los viajes de Gulliver” (1726), el autor nos muestra cuán relativo es todo en este mundo y cuán necio puede llegar a convertirse el individuo demostrando su presunción y vanidad. Para algunos expertos en literatura infantil, “Los viajes de Gulliver” es una obra que expresa el complejo de inferioridad y superioridad, y la misantropía casi patológica de Swift, quien, como pastor anglicano, castigó con ironía las corrupciones humanas y dijo: “Odio y detesto a ese animal que se llama hombre”. En otra oportunidad, por intermedio de un ensayo, presentó un proyecto financiero para sacar provecho de “los hijos de los pobres” a fin de sanear la economía del país, y, para encontrarle solución al problema de los niños inválidos, propuso venderlos -mientras más tiernos, mejor- para hacer el manjar de los ricos. Estas ideas de Swift –un tanto en serio, un tanto en broma- causó mala impresión entre sus lectores y seguidores. Más allá de esto, los niños siempre identificaron como suyos los viajes de Gulliver al país de los enanos y al país de los gigantes.Y no está mal que esto sea así