Antes de que el anciano Lear, Rey de la Bretaña anterior al Cristianismo decidiera dividir su reino entre sus tres hijas, Goneril, esposa del Duque de Albany; Regan esposa del Duque de Cornwall y Cordelia, cuya mano pretendían el Duque de Borgoña y el Rey de Francia, Lear quiso primero escuchar de los labios de cada una de sus hijas cuanto lo querían. Las dos hijas mayores lo expresaban con mayúscula hipocresía pero Cordelia, que es la única que amó a su padre realmente siempre se resistió a la adularlo falsamente Despojada de su fortuna, Cordelia es rechazada por el Duque de Borgoña; No todo es decepción para ella, el Rey de Francia termina haciéndola su esposa. El Conde de Kent al intentar defender a Cordelia. Fue expulsado del reino pero ataviado con ropas de plebeyo se puso al servicio del viejo Rey. El hijo bastardo del Conde de Gloucester, Edmund imaginó un maléfico plan por razón del cual su padre termina creyendo en la traición de su hijo legítimo Edgar, por lo que éste hubo de huir para evitar el enojo de Gloucester. Goneril y Regan despreciaban a su viejo padre, terminaron privándole de su séquito e incluso llegaron a negarle Gloucester decidiò ponerse al lado del Rey y por este motivo el duque de Cornwall terminó arrancándole los ojos a las vista de Regan, gozosa. Edmund acompañó a Goneril hacia Escocia y allì fue donde ella le confiesa su pasión adúltera. Cornwall acabó siendo asesinado por un criado fiel a Gloucester y Regan, ya viuda, también pretendía a Edmund como esposo.Gloucester cegado e impotente fue acompañado hacia Dover por su hijo Edgar, disfrazado del loco Tom y asì evitò el suicidio de su padre. Lear para entonces, ya demente, ayudado por Kent, consiguió llegar a Dover donde le esperaba Cordelia quien es ejecutada por orden de Edmund y termina agonizando en los brazos de su padre que por entonces habìa recuperado el juicio. Edgard, tras haber acompañado a su padre a una muerte digna y conciliadora tras retar a su hermano en un duelo termina dándole muerte. Goneril, tras haber envenenado a su hermana Regan por celos de Edmund, también termina quitándose la vida al ver a su amante muerto. Tras ver a los villanos muertos y la paz restablecida, Lear también muere. Albany que siempre se mantuvo fiel al Rey y que habìa reprendido a su esposa en todo momento por su vil actitud termino convirtiéndose en ùnico heredero del reino de Bretaña y acaba pidiéndole a Edgard y Kent que tomen las riendas del gobierno. Edgard aceptò, pero Kent, envejecido yá cansado prefiere retirarse de la política activa. El Rey Lear es una reflexión sobre temas filosóficos que entrelaza dos argumentos a través la refracción de los héroes secundarios en los mayores. La obra de Shakeaspeare también tiene muchos elementos de los dramas históricos; recurre a crónicas inglesas como fuentes y la temática de la la sabiduría política, los derechos y deberes de los reyes y sus súbditos y los avatares de saberse poseedores de fortuna.La figura del Rey como sustentador del orden y la armonía social es primordial. En el momento que la figura del soberano se derriba, toda la sociedad se derrumba. La debilidad de Lear al permitirse llevar por su pedantería y su furia dará fundamento a que los caracteres nobles, Cordelia y Kent, se conviertan en víctimas de una fenomenal injusticia. Por el contrario los personajes infames, Goneril, Regan y Cornwal se benefician de la debilidad del personaje central para despojarle del poder y exteriorizar sin el más mínimo pudor sus más execrables pasiones: deslealtad, traición, tortura, lujuria, infidelidad y homicidio. La hecatombe de la familia real conlleva el cataclismo de la sociedad, todo el orden empezó a tambalearse; así fue como no llamó la atención que se produjera la invasión de Bretaña por parte de los ejércitos franceses, hecho que sirvió para disgregar a la nación y ponerla al borde de la guerra civil. El drama, uno de los más pujantes de Shakespeare, se origina del esquema casi abstracto de una fábula alegórica hacia las últimas honduras de las acciones y el sentimiento humanos. En la primera escena de la división del reino, los personajes se asemejan a los de una "moralidad" medieval; no menos lineal y simplista puede parecer la forma con que Edgard es traicionado por su hermano. Aunque los malvados no triunfan al final del drama, la bondad se ha postrado antes víctima de sus intrigas, de modo que la única enseñanza que puede extraerse (si hay que buscar alguna) está comprendida quizás en las palabras de Edgard a su padre ofuscado y desesperado: "Los hombres han de tener paciencia para salir de este mundo, tanto como para entrar: la clave de todo es sentirse maduros". Pintura inequívoca de este triste mundo es la tempestad que domina la obra situándose en el centro del drama, arrastrando a Lear, que, con sus errores y pasiones, alcanza un significado simbólico: es la humanidad entera que, por boca del rey loco, se exaspera en medio de la tempestad, mientras su progresivo estado de demencia debido a la crueldad de los hombres y de los elementos termina siendo cada vez más trágico. Del mismo modo que en Macbeth Shakespeare llevó el terror al pináculo, a no dudarlo en El rey Lear agotó las fuentes de la piedad.

Las Aventuras de Robin Crusoe  es un libro editado en 1719, en Inglaterra, y se le considera la primera novela moderna en inglés. Cuenta, en primera persona, la historia de un inglés que no puede reprimir sus ansias de aventura y recorrer el mundo, lo que le lleva a viajar por todos los continentes y correr mil aventuras. Esta novela es más conocida por el periodo  de tiempo que Robinson Crusoe pasó en una isla desierta, hecho basado en una historia real, por otra parte. En esa primera parte, se relata su período de esclavitud en África, sus negocios con Brasil y cómo tras el hundimiento de su barco, se quedó sólo y abandonado en una remota isla en la desembocadura del Orinoco. En esa isla estuvo veintiocho años. La primera parte básicamente cuenta como sobrevivió esos veintiocho años, cómo consiguió sobrevivir en la isla y cómo consiguió salir. Es muy fácil meterse en la piel del náufrago, sufrir con él la soledad, ayudarle a construir objetos que le ayudan a hacer su vida más fácil, observar cómo organiza y se asegura la provisión de su alimentación,... Al principio de la segunda parte relata cómo deja habitantes en la isla, Robinson retornó a Inglaterra, pretendió repoblar su isla, volvió, organizó la vida y repartió tierras, etc. Pero después se olvidó de la isla y comenzó a contar brevemente otras aventuras, como las sucedidas en Madagascar, el golfo de Bengala o las islas de Indonesia. Pero después de haber vivido los veintiocho años en la isla, esta segunda parte tal vez 0apenas tenga sentido. Aunque la novela cuenta la vida completa de Robinson Crusoe, aquí se cuentan sus últimas aventuras cuando ya es mayor. Es fácil adentrarse en el papel de Robinson Crusoe, y en ningún momento se convierte en un relato pesado o aburrido.  La vida y extrañas y sorprendentes aventuras de Robinson Crusoe, publicada en 1719, no es solo uno de los clásicos más leídos de todos los tiempos, sino que, se trata de la primera de las grandes novelas inglesas, un texto fundacional. La historia es por todos conocida: Robinson Crusoe naufraga y de pronto se encuentra, solo, en una isla desierta. Poco a poco descubrirá que no está tan solo en la isla, ocupada también por los caníbales. Con los restos de su barco, construyó una cabaña y una balsa. Pronto salvará la vida a un nativo, amenazado por los caníbales. Viernes, que de él se trata, se convertirá en su fiel sirviente. Además de una novela de aventuras, colmada de inolvidables personajes, Robinson Crusoe es una de las primeras reflexiones narrativas referida a la soledad, la sociedad y las relaciones humanas.. Robinson Crusoe personalizó a la perfección lo que fue el colonialismo británico. El libro, escrito por Daniel Defoe en 1719 y calificado como la primera novela inglesa, está cimentado en los acontecimientos reales sucedidos a Pedro Serrano y Alexander Selkrik, dos marines náufragos, como el propio Crusoe. Hoy por hoy, Robinson Crusoe es pensada como una de las obras de referencia dentro del género de aventuras e incluso dio el puntapié inicial a uno de los subgéneros más redimidos de la contemporaneidad: el hombre náufrago, solo en una isla desierta, y las situaciones de nerviosismo que a partir de este hecho se generan.El texto de Daniel Defoe se sostiene en tres ejes elementales. En primer lugar, Dafoe instala en el centro a un personaje sumergido en una naturaleza salvaje que ignora y que supone innumerables riesgos. El control y sumisión de la naturaleza por parte del hombre blanco es más que incuestionable: Robinson debiò construir herramientas que le ayudasen a poder sobrevivir en ese clima inhóspito, donde su misión palmaria (la que él mismo se imputa) es la de creador de un nuevo orden donde el hombre lo controla todo. Robinson Crusoe es un hombre blanco que llega a un lugar donde una naturaleza feroz cobija a unos seres no menos brutales. Desde una percepción totalmente etnocentrista, el otro es apenas visto como un ser animal y sin valores morales. Crusoe, conquista de la moralidad universal del mundo occidental, se creia con el derecho de dominar a estas bestias. Mientras tanto se hace un amigo, al que llama Viernes, al que muestra las bondades del mundo moderno. Resistir a los peligros ocultos de una isla desierta, y sobrevivir a ellos. Finalmente, Robinson Crusoe demuestra en todo momento un maravilloso y, aparentemente neutro control sobre sí mismo y sobre su cuerpo. El relato muestra a Crusoe casi como un hombre santo. Por otro lado, el occidentalismo relacionado con el capital se hacen presentes cuando, al naufragar, Robinson toma todo el dinero que hay en la embarcación… pese a la poco provecho que pueden tener en una isla desierta. El subgénero de naufragios ha forjado innumerables lecturas y reapropiaciones Las Aventuras de Robinson constituyen una novela representativa y un genuino clàsico de la literatura de aventura. Es la historia de un hombre que desoyendo los sabios consejos y desatendiendo enseñanzas recibidas de sus padres se lanza a la mar y naufraga. Sin embargo el hecho de terminar inesperadamente en una isla desierta lejos de convertirlo en animal desesperado por el infortunio, sino que le provoca encontrarse consigo mismo en la soledad del océano descubre su capacidad para sobrevivir en un medio hostil a Dios y a si mismo

En esta gran novela, Tolstoi narra las alternativas de la vida de numerosos personajes de toda clase y situación a lo largo de casi  cincuenta años de historia rusa, desde las guerras napoleónicas hasta más allá de promediado el siglo XIX. En aquellos tiempos, la campaña de los rusos en Prusia con la reputada batalla de Austerlitz, la campaña de los ejércitos franceses en Rusia con la batalla de Borodín y el incendio de Moscú, se entretejen las aventuras de dos familias nobles rusas, los Bolkonska y los Rostov. Combinando con suprema destreza la historia y la imaginación, el autor nos ofrece la epopeya de dos emperadores, Napoleón y Alejandro. Es difícil igualar la hondura y magnificencia de este relato que tiene por escenario los salones de San Petersburgo y en las cárceles de Moscú, en esplendorosos palacios y en los campos de batalla. Guerra y Paz es una novela que trata sobre la invasión napoleónica a Rusia, donde el joven lerdo Pierre Bezuchov, asume su  compromiso  con Elena Kagarin, a  quien después abandona.Es participe del frustrado atentado contra Napoleón, es apresado y allí, en ese momento es cuando  descubre el significado de la vida.En la familia Bolonski sobresale  un viejo príncipe que vive solo, al ser abandonado por su hija María, que al huir del padre, se casa con Nicolás Rostov. Andrés Bolonski hastiado de la convivencia con su esposa, marcha a la guerra, es herido en Austerliz. La obra expone con magistral destreza y demuestra que la historia del ser humano es la historia de la guerra, realidad infausta que provoca desconcierto sentimental e intelectual en las almas humanas. La presunción del invasor Napoleón tiene menor consideraciòn  en cualquier humilde soldado. Adentrarse en la  lectura de  Guerra y Paz<, novela de Tolstoi es situarse  ante un monumento colosal de la literatura, una de esas catedrales góticas que se edificaban sin tener en cuenta el nombre del arquitecto y su época. "Guerra y Paz" constituye la obra más perfecta y la culminación (junto con quizá "La Regenta") de la literatura realista. El molde clásico, nunca preciso, sólo insinuado, toma en esta novela caracteres heroicos, èpicos, trágicos, lingüísticos, , opuestos, antagònicos, republicanos, monárquicos y anárquicos. "Guerra y Paz", desde su orígenes hasta la recreación de sus  personajes, es una obra ambiciosa, esperanzadora e irrefrenable, quizá la obra más grande de la literatura moderna (y probablemente de todos los tiempos).  Es ineludible recordar a Victor Hugo, su conducción de las masas y la manera pintoresca con la que definía los personajes. Distanciados por la estepa, la educación y algunos años (pocos), ambos autores realizan un cuadro en forma de epopeya de un período  histórico (Victor Hugo concibe un fresco sobre Waterloo y Tolstoi sobre las invasiones rusas de Napoleón). Hay numerosos puntos en común, tanto en tratamiento como en aproximación a la psicología de los personajes. Al igual que sucediò con Dostoievsky, Tolstoi no pudo dejar de amar a sus personajes.Los amò con ternura y también con algo de artificio, casi melodramático. En tanto Dostoievsky es el autor de los espacios cerrados, Tolstoi es el novelista de los espacios abiertos, de las casas de campo y de las grandiosas excursiones por la estepa, en las que la naturaleza jugaba un papel relevante. Es la obra que, siendo modelo y enteramente clásica, antecede los movimientos posteriores (Stevenson Hardy, James). La acción bélica no es un subproducto de las motivaciones psicológicas, ni siquiera al contrario. Hemos leído tantas novelas en las que los actores sólo sirven para acompañar períodos históricos... "Guerra y Paz" es grandiosa , es la obra por excelencia donde los personajes se encuentran  aproximados a su propia libertad, la suprema libertad de convertirse en marionetas o verdugos.    Efectuar cualquier comparación entre "Guerra y Paz" con cualquier otro texto se convierte casi en no otra cosa que un "insulto a la inteligencia". La sobresaliente y ajustada  definición de los personajes (sólo comparada, quizá, en Anna Karenina) sirven de marco a la guerra de antagonismos que sirven para dar título al libro. La dualidad sugerida es dualidad en el conflicto y en la calma, y el novelista concibe desde su perspectiva de alto aristócrata la estupidez de su propia posición. El compromiso asumido por el noble era lidiar por aquel paraje inhóspito llamado Siberia que jamás conocería, por aquella gente que vivìan maltratadas y movidas por el  despecho. Los personajes se disparan irrefrenablemente  a constituirse en protagonistas de la lucha. De la calma inicial, Tolstoi nos lleva hasta el mayúsculo caos del conflicto. Es un problema cimentado en de rededor  de  estructuras y acontecimientos, impreso en la historia. ¿Son títeres en torno a la idea reciente del "nuevo imperio"? Libertad, la gran idea, la arcaica irrealidad. Empujados al conflicto, el hombre, en ese estadìo de supuesta apatía, enfrentado al instinto de supervivencia, encuentra el grito de libertad que termina  desgarrándose  en el interior.    "Guerra y Paz" es uno de esos textos difíciles  de volver a encontrar , tanto por su extensión como por su tratamiento. Se trata sin duda  de un poema sinfónico en el que las partes del texto se completan narrativamente en el contexto histórico que las entrelaza. La lectura de Guerra y Paz nunca jamás se vuelve aburrida y, difícilmente  nunca más, podrá ser olvidada., ni su obra, repetida

El 10 de febrero de 1673, el teatro parisino del Palacio Real fue el lugar elegido para presentar la primera representación de “El enfermo imaginario”, la última comedia que escribió el dramaturgo francés Molière. Por ese entonces, nadie sospechaba que, apenas una semana después, el creador y protagonista de la obra, tras sufrir una indisposición en escena, perdería la vida. La acción de esta entretenida propuesta teatral en tres actos, tal como informó Poemas del Alma en otra ocasión, transcurre en París a fines del siglo XVII. A través de ella, el público puede conocer la historia de Argón (también llamado Argan), un burgués que cree estar siempre enfermo. En su delirio, este hombre cuidado por su esposa Béline, una mujer deseosa de quedar viuda para poder disfrutar la herencia, acepta cualquier tipo de remedios y ordena con frecuencia que se le practiquen purgas y sangrías. Para que su hipocondríaco amo se alimente de manera correcta, su simpática criada Toinette resuelve disfrazarse de médica y le proporciona recomendaciones efectivas. Dispuesta a dejar al descubierto las verdaderas intenciones de los allegados a su patrón, Toinette le pide a Argón que simule estar muerto. Al observar el estado de su marido, Béline no puede disimular su alegría, mientras que Angélique, su hija, se muestra dolida por el fallecimiento de su padre, pese a que éste siempre se opuso a la unión entre ella y Cléante, un joven pobre. Lejos de desear la felicidad de su descendiente, Argón sólo buscaba que su hija aceptara contraer matrimonio con el hijo de un médico del que ella no estaba enamorada. Sin embargo, la genuina actitud de tristeza experimentada por Angélique es reconocida por el hombre, quien decide ponerle un punto final a su farsa y respaldar la elección de su heredera con sólo una condición, que su pretendiente se convierta en médico.  Es sobradamente conocida la relación de esta obra con la vida de su autor, sin embargo se ha levantado una leyenda hasta el extremo de señalar que el dramaturgo y actor encontró la muerte sobre la escena con una vestimenta amarilla. Es cierto que en una de las representaciones que siguieron a su estreno en 1673 Molière no quiso seguir las indicaciones que le daban para que se suspendiese la representación y se sintió tan mal que poco después murió La obra es una comedia en la que el autor juega con las situaciones que se pueden producir alrededor de una persona aprensiva que imagine estar enferma, pero es también una crítica a los médicos, mas, si no fuera por las situaciones jocosas que se producen en la obra, no habría tenido mucha trascendencia. Este ataque a médicos nos indica una de las fobias que tenía el dramaturgo francés, entre otras razones por haber sido criticado en una obra de teatro por un médico, y, también, por el enfado que le supuso el que el dueño de la casa, un médico, le subiese el alquiler y, acaso, cierta desconfianza ante la medicina. Los efectos de la aprensión, debilidad de carácter, amor por interés y amor sincero son algunos de los elementos con los que juega el autor para terminar la obra con un aire de farsa convencidos los personajes secundarios de que para curar al protagonista hay que seguir los cauces de sus obsesiones. El autor lo hace porque es consciente de que el espectador sabe que lo que hay sobre el escenario siempre, y mucho más en este caso, es puro teatro, ficción, un juego para entretener en el que la crítica se suaviza con la dulzura de la comedia.

“La Celestina”, además de cautivar al lector a través de los trágicos amores de Calixto y Melibea, lo sitúa en un pasado de hacendados y nobles del cual se desprenden las problemáticas más profundas que marcaron a la sociedad española del siglo XV. En La Celestina se exponen los trágicos amores de Calisto y Melibea y las tretas que emplea la maliciosa Celestina para que se enamoren .Calisto, un joven perspicaz y de clase acomodada , ha conocido en una huerta, algo apartada de la cuidad, a la bellísima Melibea, y se ha enamorado perdidamente de ella. Al encontrársela nuevamente en la ciudad, cerca de la iglesia, le declara su amor; sin embargo ella lo rechaza irritada. De regreso en su casa lo convierte a su criado Sempronio en su confidente y le cuenta de sus sentimientos hacia la hermosa Celestina. Es en ese momento cuando el criado le propone a Calisto recurrir a la vieja Celestina; ella sabría atemperar la rudeza de la muchacha y hacer que la hasta ese momento indolencia de la joven se convirtiese en interés por por Calisto .Celestina pronto traba amistad con Melibea, de a poco influye a favor del enamorado Calisto, hasta que la muchacha termina correspondiendo al joven. Sempronio y también Parmeno, criados de Calisto de común acuerdo con la pìcara Celstina deciden sacar rédito de la pasión de su patròn. Calisto le habia prometido a la vieja una cadena de oro si sus propósitos se hacían realidad Los criados exigen su parte a la anciana , pero al negarse èsta a cumplir lo pactado terminan asesinándola, después de lo cual huyen. Sin embargo pronto son apresados y al tratar de escapar nuevamente son ajusticiados sin miramientos. Calisto solìa visitar a Melibea subiendo a su jardín por una escalera de cuerda; estando trepando en él, se origina en la calle una pelea. El joven, imaginando que uno de sus nuevos criados estaba en problemas, quiso intervenir en la riña, para salir en defensa de su sirviente y al bajar por la escalera, termino cayendo al vacío. Calisto murió , y Melibea, al saber la infausta nueva , subio a una torre y se suicidó arrojándose desde lo alto.La obra concluye con el llanto de Pleberio, padre de Melibea. La Celestina”, , no sólo nos permite disfrutar el regodeo de la lectura, sino que también, por sus características, nos invita a examinar conductas y procederes de los protagonistas de aquella sociedad sobre épocas pasadas. Este trabajo atribuido a Fernando de Rojas viò la luz durante el reinado de los Reyes Católicos y marcò a no dudarlo una especie de transición entre la Edad Media y el Renacimiento. Además, puede decirse que este texto cuya categorización parece oscilar entre la novela y el género dramático establece una de las bases sobre las que se instituyeron los orígenes de la novela y el teatro modernos.

Las cuitas del joven Wherter terminó convirtiéndose en un verdadero best-seller en una época donde las telecomunicaciones brillaban por su ausencia, donde los rankings de libros más vendidos eran algo impensable y donde los libros sólo se recomendaban gracias al boca a boca, en éste marco la obra de Goethe tuvo sobre la juventud del siglo XVIII un efecto definitivamente movilizador. Goethe pasó a ser respetado por los adolescentes y jóvenes, quienes no tan solo remedaban al protagonista hasta en su forma de vestir, sino que en algunos casos se mostraron tan identificados con el joven y desdichado Werther; se sabe que hubo una gran cantidad de suicidios para imitar el final del desdichado autor. Las cuitas del joven Werther es una novela epistolar, que pertenece a la corriente literaria llamada Sturm und Drang (tormenta e ímpetu en alemán), también ejerció su influencia en el romanticismo alemán. Goethe se fundamentó para escribirla en algunos testimonios de su propia biografía (el enamoramiento con Charlotte Buff, una joven comprometida), y asentó datos claves como la coincidencia entre su propio cumpleaños y el de Werther. Ya anciano, perjuró de esta obra y maldijo la fama que le había llevado: en efecto, muchos de los jóvenes que lo visitaban únicamente habían leído éste entre sus numerosos libros publicados. La historia de Werther es la historia de un lozano artista alemán que, parando en el convencional poblado de Wahlheim, pronto se enamorará de Lotte, una bella joven que tiene bajo su cuidado a sus huérfanos hermanos.Para desventura de Werther, como le hace saber a su amigo Wilhelm – quien es el destinatario de las cartas-, Lotte está comprometida con un hombre mayor. Sin embargo, la atracción y el amor entre los dos jóvenes, no puede ocultarse por demasiado tiempo. Werther sobrelleva incontables penas de amor, y nunca pudo olvidar a Lotte aún cuando ella contrajo nupcias con aquel hombre entrasdo en años. Finalmente, la historia tendrá una consumación trágica. Las cuitas del joven Werther es un libro triste, ciertamente, aunque seguramente no impacte en los lectores de hoy del modo que lo hiciera allá por el siglo XVIII. Es imposible no reconocerle el mérito a Goethe por su condición de precursor, aún cuando centurias de romanticismo, y melodramas hayan acostumbrado al lector a finales trágicos. El libro fue publicado en 1774 y ya en su momento produjo un resonante impacto conocido como la Werther-fieber (fiebre de Werter): algunos asumieron la pràctica de empezar a vestir como Werter, con frac azul y chaleco amarillo; hubo quienes se suicidaron en grupo, etc. Es necesario entender que los fenómenos de masas, los ídolos, imitadores, fans alocados y todo ese rango de criaturas no pertenecieron ni nacieron con la pop-culture. Werter resultó ser un joven muy perspicaz, intenso, insondable, meditabundo. Su vida acomodada se transformó por decisión propia en sobria, austera y algo solitaria. En El momento de conocer a Carlota, ésta era una hermosa joven que había madurado a gran velocidad tras la muerte de su madre y las constantes responsabilidades, como cuidar de todos sus hermanos. Werter se enamoró de un modo loco y descontrolado Carlota, aunque ella ya para entonces era la prometida de Alberto.Este resulto ser el nudo argumental de esta novela epistolar (con una estructura formada por diversas cartas) que se convirtió, y con toda razón, en el líder del movimiento romántico: Werter vivió solo por y para su amada, quien se convirtió en epicentro de una mente angustiada por los devaneos de su relación. Llama la atención del personaje de Werter su hondo respeto por el honor, el elevado concepto que tuvo de la vida y cómo ésta estuvo determinada por el corazón. Werter también sufrió el rechazo de una sociedad que aún hoy reprocha los sentimientos y su expresión, más aún con la intensidad y vehemencia que Werter practicó. Werter resultó condenado prácticamente al ostracismo porque aquellos con los que se rodeaba no comprendía su forma de expresarse, su forma de inferir y su forma de sentir. Werter termina suicidándose en un acto meditado y razonado de amor hacia Carlota y también hacia Alberto, ya que Werter sabía que uno de los tres debía morir para que dar fin con el turbulento triángulo que él mismo ha creado, por lo que su sentido de la compromiso lo reafirma en su decisión de abandonar el mundo. Werther es el resultado de la suma de dignidad y fidelidad, un ejemplo a seguir de valentía y seguridad respecto de las propias creencias. El personaje de Werter se intuye como un héroe consecuente y responsable de sus acciones, las cuales examina aún desde una mentalidad del siglo XVIII, por lo que su relación con Carlota ademàs de desleal, es extremadamente pecaminosa y carente de toda moral.

La segunda mitad del siglo XIX resultó ser un periodo que contempló hondos cambios sociales. La dinámica y fortìsima emigración hacia las ciudades estableció una nueva clase social que, con el paso del tiempo, se fue instruyendo y apasionando a la lectura. Toda esta multitud de nuevos lectores reclamaba obras de entretenimiento para llenar tanto tiempo de ocios y, producto de ello, fue el surgimiento del folletín, novelas por entregas de impronta sentimental o de aventuras. Para compensar esta demanda, se echó a mano a la creación de obras de insuficiente calidad pero también hubieron sublimes escritores que se consagraron a ello –. Y, con el paso del tiempo, la novela de aventuras alcanzó un lugar de alta preponderancia que se extiende hasta hoy en día. Uno de los cuentistas a quién el género debe más fue el italiano Emilio Salgari (Verona, 1862-1911). Marino por vocación desde joven, fue periodista y escritor y, con el paso del tiempo, fue especializándose en narraciones juveniles que le proveyeron un rápido y mayúsculo éxito, aunque el tan ansiado èxito no le reportó grandes sumas de dinero debido a la usura de quiénes estaban encargados de publicar sus obras. Perturbado por un fuerte desequilibrio psíquico, acabaría quitándose la vida . Antes de suicidarse escribiò una nota que dejó a sus editores: ‘A vosotros, que os habéis enriquecido con mi piel, manteniendo a mi familia en una continua semi-miseria, o aún peor, sólo os pido que os ocupéis de los gastos de mis funerales. Os saluda rompiendo la pluma. Emilio Salgari’. Los fanáticos de las novelas de aventuras saben sobradamente que el escritor y periodista italiano Emilio Salgari es uno de los prototipos más destacados del género. El autor, a lo largo de su vida, escribió cuantiosas obras, muchas de las cuales terminaron convirtièndose en clásicos, como en el caso de “Los tigres de la Malasia” (también llamado “Los tigres de Mompracem”). Es en este libro, donde la acción se desenvuelve en tierras distantes y mares de la actual Indochina, donde marinos, guerreros y piratas se lanzaron a la aventura y protagonizaron luchas épicas. El título de esta obra describe al sobrenombre con el que se conoce al despiadado Sandokán, el personaje más cèlebre que creó Salgari. En sus hazañas, este joven príncipe malayo que buscó el desagravio de los británicos vengàndose de ellos por haberlo depuesto del trono y dejado sin familia cuenta con el respaldo, la compañía y la ayuda de un grupo fiel integrado por el portugués Yáñez, el bengalí Tremal-Naik y el mahrato Kammammuri, entre otros. Sandokán, tras oír el relato de Yáñez respecto de “la Perla de Labuán”, decidió abandonar Mompracem para llegar hasta el lugar donde se encontraba esa bella e impactante criatura. No pasó mucho tiempo hasta que el pirata descubrió que ese tesoro no era otra que Mariana Guillonk y era la sobrina de lord James, uno de sus más fuertes enemigos. Para no ser descubierto, Sandokán se presentó como un príncipe malayo y el amor entre ambos no tardó en volverse irrefrenable. Tampoco pasó demasiado tiempo hasta que el recién llegado se enfrentó a la realidad de deber elegir entre casarse con su amada y vivir en algún lugar pretérito o regresar con Yáñez y sus cachorros; en eso estaba (en decidir que elección tomar cuando, antes de poder resolver el asunto, cuando Sandokán resultó ser víctima de una emboscada, razón por la cual el protagonista no lo dudó ni un momento y huyó hacia Mompracem , aunque antes se hizo de tiempo para jurarle amor eterno a Mariana. Tiempo después, tras esquivar diversos obstáculos y enfrentarse a comprometidas situaciones no exentas de peligro, el héroe y sus amigos lograron redimir a la joven que alcanzó conquistar el corazón de Sandokán. El gran personaje creado por el italiano Emilio Salgari, no es otro que Sandokán, joven príncipe malayo que, tras ser asesinada su familia por los ingleses, se consagró a la piratería acompañado de unos pocos fieles valientes. Desde su base en la isla de Mompracen, atacó a los británicos causándoles enormes pérdidas y trastornos. Su lugarteniente es el portugués Yáñez y, como todo héroe de aventuras que se precie, también tiene una amada, la bellísima Lady Mariana, conocida como ‘la perla de Labuan’ y sobrina del gran enemigo del bucanero, lord James Guillonk.En Los tigres de Mompracen asistimos al primer encuentro entre Sandokán y la joven, que lo cuida cuando ha sido herido en combate. Tras muchas peripecias, se propone secuestrar a su enamorada y, después de hacerlo, es atacado por el tío de ésta, que trata de rescatarla. Sandokán, la  obra de Salgari, es una gran sucesión de aventuras que mantienen al lector en tensión constante. Se trata de literatura juvenil de sublime calidad lo cual, en los tiempos que corren, no es ciertamente poco.

 ‘Miguel Strogoff, el correo del Zar’, fue publicada en 1876, cuando Julio Verne ya era un novelista famoso. Describe las aventuras del cartero real comisionado de transitar por toda la nación rusa advirtiendo a todos de la invasión tártara.Cinco mil doscientos verstas -más de 5.500 kilómetros-, invadidas por enemigos peligrosisimos, y riesgos sumamente extremos debiò recorrer Miguel Strogoff, el correo del zar, para desempeñar la misión que se le hubo confiado. Los tártaros, sublevados y dirigidos por un traidor ruso, habían irrumpido en  Siberia y habìan cortado todos las líneas telegráficas entre lrkutsk, ciudad donde se encontraba el hermano del soberano, y Moscú. Acompañado de Nadia, una joven que siguió el mismo camino, Miguel Strogoff se vio  envuelto en los más difíciles sucesos, resultó humillado y calificado un cobarde, se viò forzado a desconocer a su madre, resistió inimaginables torturas..., todo para alcanzar el éxito y llegar al final de su prodigioso viaje a través de las estepas rusas, llevando el mensaje del zar al gran duque.El imperio ruso se ve resquebrajado por una incursión mongol de formidables proporciones, además de los problemas que se originaron  debido a la presencia del inefable Iván Ogareff. Se hizo imperiosa, pues, la presencia de un hombre que conociera el territorio a la perfección, además de valor y pujanza inalterables que lo llevasen ante el gobernador de Siberia, hermano del zar, ya que su vida corrìa peligro. Ante esto, el zar decidiò consignar a uno de sus mejores hombres, para que hiciera el terrorífico viaje desde el mismísimo palacio en Moscú hasta la distante Siberia. Ese hombre no era otro que Miguel Strogoff, correo del zar de Rusia y, al parecer, un compendio de las virtudes inevitables para llevar a cabo la delicada misión de atravesar el país y plantarse ante  Iván Ogareff. Éste no sólo  había decidido pasarse a filas insurrectas, sino que su traición tenía  otro propósito: asesinar al gobernador de Siberia, quien lo castigó al destierro años atrás. Ni siquiera la cercanía de su madre en Siberia, a quien no veía en muchos años, ni el frío de las estepas, ni la presencia de pavorosos enemigos pudieron someter el ímpetu y la fuerte noción de deber que llevaron a nuestro protagonista a recorrer más de cinco mil kilómetros saturados de peligros y fatalidades. Y su hazaña se mezcló con la oportunidad propicia para que Julio Verne nos fascinara, deleitara   y asombrase  con su idoneidad descriptiva y conocimiento universal de los temas, los cuales siempre transmitió de manera didáctica. El territorio, la fauna y la flora de Rusia, así como sus usanzas y también las tártaras, sirvieron  de escenario tanto para que corriera  la pluma del maestro francés, como para que ocurrieran las ingeniosidades de nuestro superhombre siberiano- Asì fue como El Zar encomendó a Miguel Strogoff llevar una carta al duque de Irkutsk en la que le previno ante la invasión de su territorio por los Tártaros que, encabezados por el traidor Ogareff, pretendieron, además quitarle la vida. En su accidentado viaje, el correo se tropezó accidentalmente con la joven Nadia, que se dirigía al mismo destino en busca de su padre, y con dos periodistas –Jolivet y Blount-. Juntos atravesaron infinidad de peripecias y de las mas variadas  hasta que Strogoff acabó siendo descubierto. Al quedar ciego, debió valerse de la muchacha hasta que ella se convirtió en su lazarillo;  por la que pronto comenzó a sentir algo más que gratitud. Mas allà de no contar con el elemento de ciencia ficción propio de la mayoría de las obras de de uno de los predecesores de ese género, este sublime relato de aventuras pronto se convirtió en uno de los clásicos de Julio Verne. Los tártaros, amotinados y adiestrados por el gran traidor ruso,  invadieron Siberia y  cortaron todos las líneas telegráficas entre lrkutsk, ciudad donde se encontraba el hermano del soberano. Acompañado de Nadia, una joven que seguía el mismo camino, y de los de los ocurrentes periodistas Blount y Jolivet, Miguel Strogoff se encontrará inesperadamente  envuelto en los más azarosos episodios para pretender alcanzar el éxito y llegar al final de su prodigioso viaje a través de las estepas rusas, con el recado del zar a su hermano, el gran Duque. 

Cuentan que en la sombrío Inglaterra del siglo XIX, la gran mayorìa de las familias, fuesen indigentes, adineradas, dolientes o felices, acostumbraban a reunirse, en tertulia, alrededor del fuego mientras esperaban, con ansiosa complacencia, la llegada del remiso cartero que traería un nuevo cuaderno azul de Boz debajo del brazo. Estos prolongados  plantones se acostumbraban recrear con discusiones sobre si evolucionarìa la batalla que sostenía la afable Betsey Trotwood con los malvados burros o si, finalmente, el señor Micawber, junto a toda su pandilla, se encontraría irremediablemente abocado a la ruina y a la más miserable descomposición. Sin embargo  los miembros más irritables e inquietos de estas familias no podìan esperar  durante tanto tiempo y no hacían otra cosa que salir  de sus casas, escopeta en mano,  en búsqueda del tan esperado mensajero. En esos días, que se repetìan  mes tras mes, centenares de  lùgubres e inglesas callejuelas, pertenecientes a grises e inglesas ciudades, se llenaban de sórdidos, ricos, trabajadores o rufianes que atravesaban los recovecos de la ciudad en búsqueda del inocente, aunque poco impetuoso, cartero. Esta pequeña anécdota testimonia perfectamente la pasión que apreciaba el pueblo inglés por Charles Dickens. El resonante  éxito y la fama que logró el escritor inglés entre todas las  raleas del pueblo inglés alcanzó niveles nunca jamás sospechadas. Tal era el apego de los ingleses para con Dickens que, a la muerte del escritor, durante las honras de su funeral, Benjamin Jowett dijo de él: “Resulta muy difícil calcular la deuda que hemos contraído con este hombre que nos ha hecho amar a unos personajes ingleses buenos, abiertos, sinceros y honestos que se cruzan cada día en nuestra existencia.” Charles Dickens fue, y será para siempre, el escritor del pueblo inglés. David Copperfield surgió para convertirse en   una autobiografía sobre la niñez de Charles Dickens, pero finalizó transformàndose en su novela más querida y en la que volcò  todo sus ensueños  y tribulaciones de la infancia. Dickens se ocupó durante dos años (entre 1948 y 1950) en la elaboración de lo que los alemanes llaman una Bildungsroman, es decir, una novela de formación que, en este caso, es narrada por su protagonista -David Copperfield-, el cual, desde la madurez de la vida va evocando sus desventuras infantiles. David Copperfield es una especie de paño en el que el genio inglés va dibujando, con la sutileza y la afabilidad propia y característica de un padre, unos personajes y unos ambientes que, por su profusión de detalles, recobran vida por sí solos. No es extraño que en todas las obras de un escritor hay un vestigio autobiográfico no hay nada mejor que las experiencias de uno mismo para componer una historia. La Inglaterra en los umbrales del siglo XIX se hallaba inmersa en profundos cambios sociales. La incipiente industrialización estaba favoreciendo un movimiento masivo de personas hacia las grandes ciudades que prometían a primera vista unas mayores opciones de prosperidad. Sin embargo, una vez allí, las circunstancias eran completamente  diferentes: jornadas laborales de hasta catorce horas eran recompensadas con  sueldos míseros, que exigían a que los niños debieran trabajar también para completar los ingresos familiares y verdaderos guetos donde se apiñaban miles de personas, en condición de inhumano hacinamiento .Toda esto vivió y sufrió   en carne propia Charles Dickens (Portsmouth, 1812-1870), siendo èl niño, su padre fue encarcelado por deudas y se vio necesitado a trabajar en una fábrica de betún. Y, aunque poco a poco fue abriéndose camino hasta llegar a ser el más grande novelista británico de su época, nunca olvido semejante experiencia. Seguramente por ello, de entre todas sus obras, por la que más cariño profesaba era por David Copperfield, publicada por entregas en 1850 . La historia de un muchacho que, tras morir su padre y volver a casarse su madre con un hombre siniestro,   debió  afrontar todo tipo de adversidades –desde un internado cuyo director simbolizaba la maldad hasta el trabajo infantil en una fábrica- debía serle familiar. Al igual que Dickens, David logró salir adelante con apoyo de unas pocas personas buenas. Aun cuando  el autor es el cronista privilegiado  de la Revolución industrial en Inglaterra, el tono de sus obras es menos severo que el que podemos hallar  en autores de su tiempo. El lector no encontrará  en las narraciones dickensianas escenas tan descarnadas como en los relatos de otros autores. La forma de novelar del inglés tiene más de costumbrista que de literatura militante. Es el espectador de un momento histórico concreto y lo refleja con la máxima fidelidad en sus obras. Ello no amerita que no denuncie las injusticias que observa a su alrededor. Lo hace y mejor que muchos,  pero sin escarbar en la herida,  y ello hace que la calidad literaria de  sus novelas, resulte mucho más excelsa

Guillermo Tell, la obra de  Schiller , narra la insurrección de los cantones suizos contra el arbitrario Gobernador impuesto por Alberto I de  Habsburgo, cuando la Edad  Media, llegaba a su fin . El superhombre célebre es Guillermo, un valeroso cazador que, tras afrentar al regente, es forzado, como brutal escarmiento, a arrojar una flecha sobre una manzana dispuesta en la cabeza de su propio hijo. Aunque acierta, y parte la manzana en mil pedazos, salvando la vida del niño es consignado a prisión. Sin embargo, logra darse a la fuga y se jura a sì mìsmo, terminar con la vida del Gobernador. Simultáneamente con  la aparición del héroe, todos los cantones terminan sublevándole,  tanto  ricos como a pobres y, tras dominar a los invasores, esperan el castigo imperial; sin embargo éste no llega porque el Emperador termina siendo ultimado por su sobrino Juan. La obra de Schiller, es antes de cualquier otra consideración una exacerbación de la  libertad de los pueblos sumisos, tema en el que se  puede observar cuánto había ya de romántico en aquellos precursores; justamente éste resultò ser asunto esencial y predilecto entre los propios del Romanticismo. Guillermo Tell, es una obra que nos habla sobre el propòsito de la libertad, que nos refiere sobre la lucha contra el  avasallamiento y la opresión, sobre los ideales de la humanidad como sustento  para la educación estética del hombre. Y aun siendo la última del poeta alemán, uno de los principales representantes del Sturm und Drang que anuncia el Romanticismo, amigo y colaborador de Goethe, no es la única que trata este tema tan importante pues aparece también en otras piezas teatrales como Los bandidos, Fiesco o Don Carlos. Sin embargo, aquello que desde un  primer momento tenìa destino de convertirse en una obra épica terminó convirtiéndose  en un texto dramático en cinco actos, con un elenco vastísimo y realizado con enorme libertad artística, cimentado a su vez en una abundante documentación histórica y alcanzando el éxito, por último, como una obra muy popular.Frente a esta tiranía impuesta por Hermann Gessler, Gobernador del Emperador Alberto I de Habsburgo, entre 1307 y 1308; un déspota que realizó todo tipo de insidias y vejaciones sobre la población y que pretende someter con mano extremadamente dura cualquier tentativa rebelde en su contra, aplicando su poder y exigiendo, como ejemplo y símbolo humillante, a saludar bajo un sombrero perfecto en lo alto de un mástil, se opuso la unidad de todo un pueblo invocando ideales, hombres y armas, rubricando un pacto que se asentaba en los derechos de libertad que siempre han sustentando y compartido con sus propias fuerzas, principios y derechos heredados.Al frente del pueblo se situó un hombre extraño: Guillermo Tell, un cazador brioso, soliviantado, ermitaño e emancipado, sufrido, taciturno, crédulo en sus propias fuerzas y en la ayuda de Dios; mecenas de su esposa Hedwig, de sus hijos Walter y Wilhelm, y redentor de fugitivos que fueron siempre hostigados por Gessler. Su vida tranquila cambiò substancialmente en el acto III cuando Tell decidió  no inclinarse frente  al sombrero del Gobernador, fue acusado de insubordinación y traición y forzado por Gessler a lanzar una flecha de su ballesta de caza, a ochenta pasos de distancia, contra una manzana colocada sobre la cabeza de su propio hijo Walter si no quieren ser ajusticiados ambos, con pena de muerte. Tell rogó y apeló a a la desvergüenza del castigo, aunque su propio hijo mantuvo la dignidad resistiendo a que le atasen el cuerpo o le vendasen los ojos. Tell disparó y acertó; en caso de haber fallado había reservado una segunda flecha para acabar con la vida del Gobernador. Pero su ignominia aún no ha concluido. Gessler castigo  al cazador enviándole a la prisión de uno de las terraplenes imperiales, pero Tell logrò huir cuando era  llevado en una chalupa por un lago entre los cantones y se jurò matar al enemigo con aquella segunda flecha. Inmediatamente, todos los cantones prepararon una vertiginosa insurrección contra el Gobernador, asonada que será invocada como una lucha colectiva, por encima de la reparación, por encima de disputas entre grupos o territorios, protagonizada por gentes de alto linaje y también de sumisa condición, incluso por algunos de los más leales al Gobernador, como Rudenz, su sobrino enamorado de Berta von Bruneck, una adinerada propietaria y patriota suiza, un joven que mantuvo  un difícil duelo entre su deber político y su amor. Se tratò, en definitiva, de un pueblo unido a cuyo frente se colocò Guillermo Tell que consiguió acabar con Gessler. El valeroso Guillermo Tell, y un pueblo sediento de redenciòn, pudieron hacerlo

Edmond Eugène Alexis Rostand, , autor entre otras obras de Cyrano de Bergerac, nació en Marsella, Francia, el 1º  de abril de 1868; fue un dramaturgo francés particularmente recordado por su obra teatral sobre la figura del gran  Cyrano, la cual subió por primera vez a escena en París en 1897 en el Teatro de la Renaissance. Desde el momento de  su estreno, la pieza tuvo gran repercusión, siendo considerada unánimemente  como un clásico del teatro francés hasta el día de hoy, encuadrándose en el neo-romanticismo, convirtiéndose en una alternativa al teatro realista popular que dominaba la última parte  del siglo XIX. Descendiente de una familia adinerada, cursó estudios de derecho en París, aunque nunca llegó a ejercer su profesión. En 1888 plasmó su primera obra de teatro: Le gant rouge, después de la cual, editó el volumen de poesía Les musardises, de 1890. Ese mismo año contrajo nupcias con la poetisa Rosemonde Gérard, con quien tuvo dos hijos, Maurice Rostand, en 1891, y Jean Rostand, en 1894.En 1894 su comedia teatral Les romanesques tuvo gran recepción por parte del público y de  la crítica, pero tres años mas tarde, su obra más trascendental, Cyrano de Bergerac, lo llenó de elogios y honores, a pesar de los recelos del autor, que llegó a congregar al elenco sólo unos minutos antes del estreno para excusarse por haberlos llevado a participar de una obra tan arriesgada. Al llegar el entreacto la sala se conmovió  con el público aprobando la obra de pie, y a puro aplauso; Rostand fue saludado por un ministro del gobierno que, felicitándolo, le entregó su propia medalla de la Legión de honor; con ese gesto, sólo se adelantó en algo a lo que ocurriría  inevitablemente, con la repercusión sublime de un publico enfervorizado. La obra terminó con los espectadores aplaudiendo continuamente por espacio de veinte minutos.Cyrano de Bergerac, el protagonista de la obra, es un aguerrido soldado, retórico  poeta, orgulloso al màximo, tan proclive a las fanfarronadas y desplantes como a las causas nobles, y un oculto romántico, todo ello encuadrado por una enorme y caricaturesca nariz, rasgo físico excesivamente grotesco  que  lo mantuvo  alejado de las mujeres, en particular de su prima Roxana, a quien amó desde siempre, desde su mas temprana   niñez. En  determinado  momento, Roxana, desconociendo el amor que Cyrano sentía por ella, le reveló estar enamorada del joven Cristián, un nuevo enrolado del cuerpo de los Cadetes de la Gascuña, al cual su primo pertenecía y tenía fuerte estirpe. Roxane le rogó que lo pusiera bajo su ala protectora. .Cyrano, entonces, propuso a Cristián, tan apuesto como rústico para la elocuencia, garrapatear sus cartas de amor dirigidas a Roxana, de manera de al menos que  su amada supiera de sus sentimientos. Roxana, sucumbió   vencida ante las palabras de Cristián, confesándole que si bien su amor comenzó por el atractivo físico, pronto estuvo hechizada de su alma. Cristián, angustiadísimo  y Cyrano exuberante, aunque aún lejos de atreverse a revelar la verdad, ambos marcharon al frente, donde Cristián antes de morir le rogó  a Cyrano que explicase la  verdad a Roxana, algo que no ocurrió hasta que resultó demasiado tarde, y de manera accidental, pues Cyrano prefirió que su prima conservase la imagen de ese amor idílico eternamente. Aunque la creencia popular intuyó  que Cyrano de Bergerac se trató  sólo de un personaje ficticio de Rostand, éste realmente existió, y el autor se sustentó    en un período muy particular de su vida para escribir la obra.Su nombre completo fue Cyrano de Bergerac Hercule-Savinien de Cyrano de Bergerac, nació el 6 de marzo de 1619 en París. Coetáneo de Boileau y de Molière, escritor y poeta rubricaba sus escritos con seudónimos. En 1638 tomò el nombre de Bergerac, el cual le concernía a las tierras que compró su abuelo (Savinien I de Cyrano), lo cual consintió a la familia alistarse en el círculo de la pequeña nobleza. Su infancia se cumplió en Saint-Forget (actualmente Yvelines). Marchó a París, donde optó incursionar en la vida militar, adquiriendo notoriedad y fama por su valor protagonizando con singular audacia  sus numerosos duelos. Alejado de la vida militar tras recibir una herida en la garganta durante el sitio de Arras, contra las tropas españolas, se dedicó  a estudiar filosofía, Rostand está considerado  como uno de los más preclaros escritores del seiscientos francés, con una significativa ductilidad; no le costaba esfuerzo transitar por la novela, dramaturgia y sátira, con la misma  idoneidad. Figura discutida, se lo criticó y  se lo reprobó en infinidad de oportunidades, considerándoselo “un mártir libre-pensador”, como lo imaginaba Paul Lacroix o  un “científico incomprendido” como solía calificarlo Pierre Jupont); también Lecheve dijo de él que era un “libertino sin arte ni parte” (Lechevre); un “racionalista militante” dijo de él Weber, y como un  “pretendido alquimista”  lo catalogó Eugène Canseliet. Edmond Eugène Alexis Rostand, murió el 28 de julio de 1655, en Sannois, a los treinta y seis años de edad, como consecuencia de las importantes heridas recibidas al caerle una gran viga sobre su maltrecho cuerpo

”Viajes a varios lugares remotos del planeta", conocida como "Los viajes de Gulliver", es considerada la obra maestra de Swift. Demoró seis años en escribirla, y el autor fue añadiendo reflexiones respecto  de la naturaleza humana y formuló una amarga burla a la sociedad inglesa y al género de u humano, haciendo uso de un estilo narrativo intuitivo, agudo y sencillo. Asì fue como “Los viajes de Gulliver permaneció y sigue  permaneciendo como un clásico de la literatura infantil. Sumergirse en las páginas de Los viajes de Gulliver es adentrarse en una aventura fascinante, participar del riesgo, compartir  los descubrimientos y las sorpresas que el capitán Gulliver descubre  en su arriesgado camino...  En parte sátira demoledora, en parte relato fantástico, Los viajes de Gulliver se ha convertido por derecho propio en uno de los clásicos universales más leídos. Sin embargo, zambullirse en las páginas de Los viajes de Gulliver es emprender una aventura fascinante, compartir el riesgo, los descubrimientos y las sorpresas que el capitán Gulliver halla en su azaroso camino... En “Los viajes de Gulliver” encontramos a un Swift de la transitando de la poesía al relato, para contar al lector las conmovedoras aventuras del capitán Samuel Gulliver, un característico inglés del siglo XVIII que, recién lanzado  a  navegar por alta mar, remueve de su imaginación historias sorprendentes, que la pluma de Swift las cambió en literatura, poco después de que Daniel Defoe narrara en “Robinson Crusoe” las aventuras del marino escocés Alexander Selkirk, quien, abandonado en una de las islas de Juan Fernández, al oeste de las costas de Chile, sobrellevó  una vida de ermitaño entre septiembre de 1704 y febrero de 1709. “Robinson Crusoe” posee demasiadas cosas en común con “Los viajes de Gulliver” y ambas fábulas con Simbad de “Las mil y una noches”, todas  son obras nutridas por la imaginación e inspiradas en viajes y aventuras de fabuladores y náufragos empeñados en hacer creíble lo increíble, y en cuyas páginas cargadas de enjundia convergen lo real y lo imaginario, la utopía y la crónica. Si en “Robinson Crusoe” (1719), el hombre luchaba anteponiéndose a la naturaleza salvaje para construir su propio hábitat, en “Los viajes de Gulliver” (1726), el autor nos hace ver cuán relativo es todo en este mundo y cuán necio llega a ser el individuo por culpa de su arrogancia y orgullo. Es claro que  desde el origen oral de la literatura épica, traducida por aquellos narradores desconocidos –trashumantes  que en los tiempos antiguos andaban por los palacios y las plazas públicas representando historias, hasta los artistas creadores de novelas de nuestros días- la figura del cuentista rescata un papel predominante en la forma de cómo emitir el discurso narrativo. No importa tanto que el narrador describa una historia conocida o, por el contrario, una historia concebida por él mismo. Lo importante es que sepa relatar con la destreza que Jonathan Swift recreó en “Los viajes de Gulliver”.Cuando Swift regresó a Irlanda en 1726, llevaba ya con èl un libro que escribió desde 1720, dividido en cuatro partes, el mismo que sería publicado en octubre del mismo año bajo el extenso título: “Travels into Several Remote Nations of the World in Four Parts, in Lemuel Gulliver” (Los viajes de Samuel Gulliver por remotas regiones del mundo, en cuatro partes).  En el primer viaje, Samuel Gulliver, un joven inglés deseoso por hacer una travesía por mar, se sube a bordo en un bergantín con direcciòn  a las Indias. Gulliver resultó ser el único de la expedición que salvò su vida. Gulliver, sin que estuviera en sus planes, atracó en las tierras del emperador de Liliput, quien dispuso erigir una monumental plataforma para transbordarlo hasta la capital del imperio. Cuando la ciudad ardía en llamas, Gulliver bebía a sorbos el agua del estanque y, convirtiendo su boca en un poderoso artefacto contra incendios, dominaba  el incendio. En este brete, la niña se descuidó y Gulliver resbaló a un tazón de leche. En el tercer viaje, Gulliver llegó hasta el país de los científicos excéntricos, donde existían computadoras que escribían libros de filosofía, poesía, política, jurisprudencia, matemáticas y teología. El tercer viaje de Gulliver, lejos del racionalismo de aquellos tiempos, es una manera de adentrarse en un mundo sorprendentemente maravilloso que, años más tarde, concebiría Julio Verne En el cuarto viaje, Gulliver visitó una isla habitada por caballos superdotados, que contaban con un patrón cultural y moralista superior al de los humanos. Para Gulliver, los Yahoos no son humanos en su primitiva fase evolutiva, sino animales inferiores a los caballos. Así, en los dos últimos viajes de Gulliver está vigente el ascetismo latente de Swift, no solo por estar lejos de las teorías darwinianas y el idealismo religioso, sino también por usar el método de la  humillación para ayudar a la reforma del mal comportamiento humano. Para algunos técnicos especialistas, versados en literatura infantil, “Los viajes de Gulliver” no es ni más ni menos que una obra que expresa el complejo de inferioridad y superioridad, y la melancolía casi enfermiza además de misógina de Swift, quien, en su rol de  pastor anglicano, no se cansó de vapulear con ironía las corrupciones humanas al punto de decir: “Odio y detesto a ese animal que se llama hombre”.Más  allá de todo, los niños reconocen como suyos los viajes de Gulliver al país de los enanos y al país de los gigantes.

La novela más afamada de Harriet Beecher Stowe, fue publicada en partes en un periódico abolicionista, ocasionó un enérgico debate sobre la esclavitud, y vendió medio millón de copias en un lapso de cinco años. La cabaña del tío Tom materializa el sentir de los abolicionistas de su tiempo, su narrativa refiere escenas del diario vivir y su lectura despierta fortísimas emociones. La irradiación de esta obra fue uno de los disparadores que precipitó la guerra civil estadounidense La cabaña del Tío Tom rápidamente fue considerada mundialmente como una obra maestra, y si bien en un principio fue editada en tomos, alcanzò el éxito total solo cuando se publicó como libro. Se tradujo a más de veinte idiomas y urgió la Guerra Civil. Mas allá de su estructura irregular, como todas las obras de Stowe, la lectura de La Cabaña de Tío Tom es absolutamente atrapante. El tema principal de este libro es la esclavitud, pero comunicada de una manera cruda y realista, así, el lector se involucra de tal forma en el relato que registra vivamente las penurias que los personajes sobrellevan. El principal protagonista de la historia gira en torno a Tom, un esclavo negro de avanzada edad y encantadora persona. Su "dueño" (aquí es necesario hablar de los esclavos como cosas, aunque suene desubicado ) Mr. Shelby se ve obligado a vender a un comerciante de esclavos execrable, Mr. Haley a Tom y al hijo de la esclava de su mujer, el pequeño Enrique, porque por ellos dos le pagarán muy bien y está arruinado económicamente. El hijo de Mr. Shelby, Jorge, no abandonará a Tom a su suerte y durante el libro el lector serà testigo de sus peripecias para socorrer a tan ferviente servidor y maravillosa persona como es Tom. A medida que se avanza en la lectura de los capítulos, el lector descubrirá como Tom va atravesando su papel de esclavo a manos de distintos dueños algunos, excelentes personas, otros grandes tiranos. El 20 de marzo de 1852 apareció por primera vez una novela de la autoría de Harriet Beecher Stowe, una famosa autora de origen estadounidense, donde se reseñaba no solo la esclavitud, sino también las fatales consecuencias del racismo y a la trascendental necesidad de mantener fe, en cualquier circunstancia. Como lo indica el título de este artículo, la obra en cuestión es “La cabaña del tío Tom”. Mister Shelby sufre una grave crisis económica y entrega a cambio de un dinero a su devoto esclavo Tom y al pequeño Harry (hijo de Elisa y Jorge). Elisa, al ponerse al corriente de que el señor Shelby ha vendido a su hijo Harry al malvado Haley, se escabulle con su pequeño hijo a Canadá. Ella y su hijo encontraron refugio en la casa del senador Juan Bird, quien después los llevò a la casa de Van Trompe donde permanecieron hospedados. El cruel Haley embarcó al esclavo Tom en un navio y allí fue donde se encontrò con la niña Evangelina a quien preservó de una muerte segura .El señor Agustín Saint-Claire adquiriò al negro Tom y éste se fue a vivir a su nueva casa. Los nuevos dueños de Tom lo trataron estupendamente bien. Después que la niña Evangelina muriò de una cruel de una penosa enfermedad, el padre de la niña le otorgò la libertad al esclavo, Tom, tal como le había propuesto a su querida hija a modo de promesa, antes de que la desdichada niña muriera .El señor Shelby encontrò la muerte al intentar separar a dos hombres que peleaban con cuchillos. Tom no quiso marcharse de la casa de Saint-Claire; pero la mujer de Saint-Claire acabó vendiéndolo a Legrée, dueño de una plantación de algodón. Tom, por desobedecer las ordenes de su nuevo dueño, el despiadado Legrée, fue salvajemente azotado por los negros Quimbo y Sambo, hasta dejarlo agonizante. El joven Shelby llegó demasiado tarde para rescatarlo encontrándolo al borde de la muerte por la paliza recibida.El joven Shelby enterró a s u querido Tom y regresó para Kentucky, mientras tanto, Jorge, Elisa y el pequeño Harry consiguieron llegar a Canadá. Jorge Shelby, al llegar a Kentucky, devolviò la libertad a su esclavo.

Este clásico de la literatura escrito por Víctor Marie Hugo y publicado en 1862, es seguramente una de las novelas de crítica social .mejor logradas de la historia de la bibliografía El autor sitúa la novela en Francia en la primera mitad del siglo XIX, y desvela datos históricos propios a los distintos períodos de la Revolución francesa y los gobiernos que le sobrevinieron. Víctima del sistema carcelario, por haber robado bagatelas, sufrirá la persecución por el resto de sus días. Sin embargo, el relato que nos ofrece Vìctor Hugo no es otra cosa que el ejemplo más acabado de las posibilidades humanas de superación ante el infortunio. El relato de Los Miserables comienza cuando Juan Valjean es aprehendido y condenado a prisión por un pequeño hurto. Cuando logra huir de la cárcel, el tiempo transcurrido en prisión lo ha transformado en un ser necio y marginado por la sociedad. Sin embargo, no todo es malo para él; la aparición de un hombre bien intencionado le hará comprender que puede optar entre el bien y el mal. Desde ese momento sus actos serán caritativos y estarán orientados a prestar ayuda a los demás.  En Los Miserables Víctor Hugo detalla minuciosamente la realidad angustiosa y carente de esperanza de los sectores bajos del París de mediados de siglo XIX y pinta magistralmente una época llena de insurrecciones y cambios que darán lugar al nacimiento de una sociedad más justa. El protagonista Jean Valjean se fuga de la cárcel, donde cumplía prisión sin merecer tal castigo. Valjean se mantiene un tiempo como puede, deambulando desamparado, hasta que llama a la puerta del Monseñor Charles Bienvenu Myriel, quien le brinda albergue en su casa por lo que Valjean no sospecha de quien se trata. A pesar del buen corazón de Myriel le sustrae una media docena de cubiertos de plata, mientras el monseñor dormía plácidamente .Valjean huye el aposento llevándose consigo la mercancía robada. Sin embargo a Valjean le resulta esquiva la suerte : Valjean para su desgracia es apresado por la policía cuando se fugaba. La policía lo llevó a comparecer ante la presencia del noble monseñor  Myriel y este en lugar de acusarlo, termina declarando habérselos obsequiado. Valjean quedo impactado sensiblemente por esta acción noble y desinteresada . .Myriel le aconseja al fugitivo Valjean que se redima y que retome el camino del bien. Luego Valjean se marcha despidiéndose del Monseñor, prometiéndole regenerarse. Sin embargo, Valjean, al día siguiente le roba dos frascos a Gervasillo, y después de este nuevo hurto,, el hombre empieza a tomar conciencia de la necesidad de su Transformación para convertirse en un hombre probo . Valjean se cambia de nombre por el de señor Magdalena, y tras el tan casual como afortunado invento de un sucedáneo del azabache empieza a hacerse de mucho dinero, fortuna que le sirve para ayudar a los más necesitados. Reverenciado y querido por el pueblo, es casi forzado a aceptar el cargo de alcalde pero para su desgracia Valjean se tropieza con su perseguidor Javert, el inspector de policía y procura acordarse no sin sumo esfuerzo donde ha visto antes al respetado señor Magdalena. Un tiempo màs tarde, involucran a un campesino que se había robado una rama de manzana con Jean Valjean y luego de luchar con su conciencia, resuelve confesar la verdad por lo que es detenido una vez màs. Por aquellos días una humilde y sacrificada madre soltera llamada Cantina, deja a su querida hija Cosette en manos de los posaderos Thenardier, para que la cuiden antes de que ella muriera; a todo esto el protagonista Jean Valjean quien siempre se había propuesto proteger a la niña Cosette antes de ser condenado nuevamente, escapa de la cárcel, libera rescatando a la huerfanita Cosette de la casa de los malvados hermanos Thenardier y viajan a Paris donde educa a la niña con su gran fortuna, y le brinda un sinfín de comodidades, ofreciéndole la posibilidad de una vida plena. Sin embargo, la constante huida de Jean Valjean, que lo obligan a refugiarse en el convento donde Cosette se educaba y se desempeñaba como jardinero trabajando durante cinco larguísimos años; después se suceden como ráfaga una cadena de sucesos que convierten a la novela de Victor Hugo una lectura imposible de abandonar hasta el final: la pasión y el amor inclaudicable entre Mario de Pontmercy y Cosette; el rescate de Mario que Valjean efectúa por las alcantarillas de Paris, huyendo de una barricada donde Mario resultó herido y quedara sin conocimiento; el nuevo encuentro con Javert al salir de la alcantarilla y como Valjean defiende al policía Javert, a quien los revolucionarios habían desahuciado condenándolo a muerte; el suicido de Javert cuando resuelve no convertirlo en prisionero, faltando así a lo que el entendía su deber, como retribución al magnánimo proceder de Jean Valjean; las nupcias entre Cosette y Mario Pontmeccy, y el desliz que sufre este, que lo obliga a alejarse de su esposa de que para ella resultó ser un verdadero padre. Los Miserables, la inmortal obra de Victor Hugo, finaliza con la descripción literaria de los últimos momentos de la vida no carente de zozobras del buen hombre Valjean, disfrutando del amor que le brindaban su hija Cósete y su yerno Mario 

Enrique Ibsen ya en el ultimo tramo del siglo XIX sentenciaba que << existìan dos códigos de moral, dos conciencias diferentes, una del hombre y otra de la mujer.>> Y a la mujer se la juzgaba según el código de los hombres. [...] Una mujer no podía  ser auténticamente ella en la sociedad de aquel  tiempo, una sociedad especialmente y casi únicamente  masculina, con leyes exclusivamente masculinas, con jueces y fiscales que ya en aquel tiempo  juzgaban  solamente  desde la òptica  masculina." . Casa de muñecas, llevada a escena por primera vez en 1879, promovió una   gran y extraordinaria  polémica mundial al narrar sin tapujos la actitud de  una mujer a negarse  a seguir comportándose como una frìvola muñeca sin libertad , respecto de su marido.La protagonista, aparentemente  feliz en el contexto familiar,  con su marido y sus hijos, observaba sin embargo, como un episodio sombrío amenazaba proyectarse  sobre su felicidad. Nora se vio obligada años atrás a acudir a una artimaña financiera para costear un viaje para proteger la salud de Helmer, su marido, al tiempo que su padre se encontraba sumamente enfermo, agonizante. A medida que la situación se pone cada vez mas  tensa y el conflicto va in crescendo, la monotonía burguesa de la heroína empieza a asfixiarla hasta ir  dejándola sin aire. Impotente, empezó  a observar como  la exigencia de todo un mundo de valores contradictorios se cernían sobre ella,   amenazando  su idea de felicidad.La obra vio la luz  en la mayorìa  de los países de Europa  casi simultáneamente  creando una enorme discusión, siendo inexcusable en aquel tiempo ponerse el espectador  a favor o en contra de su protagonista Nora ; su portazo final fue objeto de escándalo (Henrik Ibsen modificó este final para su estreno en Alemania), a la vez  que no pocos sectores de la sociedad  opinaron que la obra era un ataque a los cimientos de la familia.El 21 de diciembre de 1879, el teatro Det Kongelige de Copenhagüe se convirtió en escenario donde se lanzò la obra del dramaturgo y poeta noruego  Aunque  la pieza de Ibsen  causó no pocas  discusiones  por su perfil fustigador hacia las normas matrimoniales del siglo XIV, con el tiempo esta pieza primero literaria y después teatral pasó a ser ineludible material de lectura obligatoria en numerosas instituciones educativas. "Casa de muñecas" tiene como protagonistas a Torvald Helmer y a Nora, una pareja de buena posición económica que se habían casado hacía ocho años y tenían tres hijos. Casi en vìsperas de la época navideña, la familia es comunicada sobre el ascenso laboral de Torvald, quien en Año Nuevo sería designado director del banco en el que trabajaba. A propósito del  ascenso, su esposa se sintió  aliviada por no tener que verse tan presionada por la necesidad de  ahorrar ... pero Torvald le aconsejó actuar  con cuidado, sin precipitarse; ya que su primer sueldo engrosado de billetes recién llegaría tres meses más tarde. En medio de esos cambios, es cuando  aparece en escena Christine Linde, una amiga de Nora que llegó a visitarla después de  diez años de ausencia. En ese lapso, la mujer contrajo matrimonio con un hombre acaudalado pero el hombre murió, Christine ya viuda, no heredó nada y se vio obligada a encontrar ocupación para poder ayudar a su madre y hermanos. Lejos de sentirse aliviada por esta acción, Christine advirtió  un vacío interno y la necesidad de obtener un trabajo nuevo, razón por la cual su amiga le terminó  ofreciendo ayuda. .A todo esto, Nora le confesó  Christine cómo había  sido hasta ese momento su vida de casada y, en ese contexto, le reveló su más cuidado secreto: había  adulterado la firma de su propio padre para poder viajar a Italia junto a su marido y su primer hijo, tras ser descubierta por un abogado, en aquella situación indebida la terminó convirtiendo en víctima de una extorsión. No pasó  mucho tiempo hasta que, Torvald tomó conocimiento de la estafa cometida por su esposa y enojadísimo  la acusó de ser una mujer mentirosa e hipócrita. Sin embargo, decidió disimular el hecho para que su reputación social no se viera  involucrada. Así las cosas, el abogado Krogstad se acercó a Torvald una vez más pero, en esta vez para aconsejarle que perdonase  a Nora. A partir de ese momento, es cuando el esposo decidió disculpar a su esposa y recobrar su aparente felicidad matrimonial.... sin embargo fue sorprendido por Nora quien se sintió profundamente decepcionada por la actitud  egoísta de su compañero. Fastidiada por ser  tratada siempre  como una muñeca, la mujer tomó la decisión  de abandonar a su familia convencida de su incapacidad de educar a sus hijos. No podría hacerlo  sin antes formarse ella misma. 

Oliver Twist,  es una de las obras que más brillantemente revelan el genio de un novelista excepcional, ChArles Dikens  Una nada sencilla y atormentada infancia, sellada por la pobreza y la prisión de su padre, y apenas contenida sólo por la lectura, marcó en todo momento  la vida de Charles Dickens; justamente en ella (en la lectura) encontró inspiración literaria. Sus novelas suman realismo, humor y un amplio conocimiento de los marginados, de quienes se ocupó constantemente, denunciando sin cesar su situación. La historia del pequeño Oliver, criar en un hospicio, empleado y maltratado en una funeraria, que al escapar rumbo a Londres es reclutado por una banda de ladrones que él no reconoce como tales. Oliver fue criado en un hospicio, también fue empleado y maltratado en una funeraria y al huir a Londres, fue reclutado por una banda de  ladrones que el nunca reconoció como malandrines y su historia no sólo es una magnifica exposición de gloriosas creaciones dickensianas (Fagin, el jefe de la banda de delincuentes juveniles, el ladronzuelo Jack Dawkins, el asesino Sikes, la prostituta Nancy, el misterioso Monks, implacable perseguidor de Oliver), sino un majestuoso y estremecida narración   sobre la inocencia hostigada. Los distintos bienhechores que el héroe va hallando en su camino nos revelan al Dickens sublime y sentimental y gracias a ellos una confabulación de secretos tan catastróficos como finalmente felices. Las peripecias de este pequeño personaje, se convirtieron en mito seguramente la fascinación por ellas  no ha decaído. Oliver Twist es una entrañable y sensible historia, cuyos personajes muestran la problemática social presente en todos  los tiempos. Fue publicada por entregas en 1837, apuntaló la fama del autor y es, a no dudarlo, una de las novelas más recordadas       de su genio.Con ella pretendía  señalar que se podía "servir a la moral" recurriendo a una historia con "personajes elegidos entre lo más criminal y repudiable  de la población de Londres", y donde sin embargo perduraran la candidez y la fragilidad. Con Oliver Twist Charles Dickens da el puntapié inicial para  darle la bienvenida a la literatura dedicada especialmente a los adolescentes. Como todas las grandes obras del siglo XIX que se valoren, Oliver Twist fue un serial por entregas que se publicó en una popular revista de la época, Bentley's Miscellani, entre los años 1837 y 1839. Como Gustave Flaubert cuando popularizò Madame Bovary, como Leon Tolstói a través de  Ana Karenina o Alejandro Dumas con Los tres mosqueteros, Charles Dickens obtuvo  gran popularidad con sus historias por entregas que, además, ponían de manifiesto  una rabiosa contemporaneidad que seguramente  favorecería el éxito del texto. Oliver Twist es considerada  la primera novela con un protagonista niño, sumido en un orden social variable y hasta cierto punto, nuevo.No  es improcedente afirmar sin temor a equivocarnos que asimismo  es una de las pocas novelas de la época que se aventuraron con la denuncia social directa. Una Inglaterra signada por la Primera Revolución Industrial es el punto de partida que plantea Dickens para un pequeño sobreviviente que deberá desafiar los peligros que supone el mundo moderno. Fallecida su madre, Oliver entra en un orfanato del que es desterrado para ir a parar a Londres, donde se hallara de la noche a la mañana con el universo anárquico de la industrialización, determinado por la miseria, el trabajo y el hambre. Allí pasará por un sinnúmero de sucesos afortunados (los menos) y desafortunados (los màs)), hasta encontrar su lugar en la sociedad. Ya desde el incio se aprecia a través de la obra,  una división marcada entre el campo y la ciudad. Así, mientras el campo es fuente de vida, de probidad y de felicidad, la ciudad, con sus fábricas y sus habitantes, se muestra denigrada  por la necesidad de dinero que acarrea consigo la miseria extrema. La sustracción a lo ajeno, la trata  de mujeres , los trueques y la delincuencia son plasmados por Charles Dickens con extrema inclemencia. Oliver Twist es una alma noble, que se verá mancillada y avasallada por los distintos actores de la vida industrial de Londres. Desde la mafia hasta la justicia, la misma justicia que, en lugar  de reformar, se exhibe monstruosamente dura con los niños, como si ambicionase ser afín con el "todo vale" de las fábricas. Donde miles de chiquillos eran esgrimidos para trabajos extremos por unos escasos chelines. Así, la miseria no es otra cosa que  el resultado de las fuertes migraciones del campo hacia la ciudad y únicamente alejado del demonio de la civilización pueda el protagonista conseguir la felicidad.

Estrenada el primer dìa  de noviembre de 1604 en el palacio londinense de Whitehall "Otelo: el moro de Venecia" fue creada por William Shakespeare, un dramaturgo de talento indiscutido y fama mundial. El genial escritor inglés creó este material por el año 1603, después de haber creado el contenido de "Hamlet" pero antes de concebir a "Macbeth" y "Rey Lear".En "Otelo el Moro de Venecia", obra compuesta por cinco actos divididos en varias escenas, Shakespeare, sirviéndose de la historia del protagonista, despliega un tratado sobre los prejuicios que existen contra aquello que escapa a lo común y se presenta, de alguna u otra forma, como diferente. La trama gira en torno a Otelo, un príncipe negro reverenciado y apreciado por la sociedad de Venecia no solo por sus méritos militares, también hay lugar en el derrotero de la obra para las conquistas sentimentales. Inducido por el odio y los celos, Yago empieza a divulgar una serie de calumnias concentradas en el matrimonio interracial del protagonista y con el paso del tiempo (poco tiempo después), consigue su devastador objetivo: persuadir a Otelo de la pretendida infidelidad consumada por su esposa, hacerlo perder el juicio y quitarle de toda seguridad y confianza en sí mismo. Por haber trascendido como trascendió esta obra a lo largo del tiempo, no es extraño que muchos estén al tanto de la historia sin haber leído jamás el libro. "Otelo" prorrumpió como obra de teatro y no sólo fue representada en numerosas oportunidades, también fue adaptada varias veces a la pantalla grande y hasta sirviò de inspiración para la creación de numerosas versiones musicales. La principal fuente narrativa de Otelo fue la novela Un capitano moro, de Giraldi Cinthio, publicada en 1565.Para defender a Chipre, una de sus posesiones, los venecianos encomiendan el mando de su armada al moro Otelo, un extranjero. Éste ha contraìdo nupcias en secreto con Desdémona, la hija del dux de Venecia, y ello (solo ello) desatará la tragedia. Yago, alférez de Otelo, receloso porque éste nombra lugarteniente a Casio y no a él, empieza a destilar la emboscada de la traición y enloquece al moro, convirtiéndolo en víctima de los celos. .Aquí están los personajes y sus palabras desplegados en el contraste de sus martirios. No son solo reflejos de sí mismos, sino de la humanidad toda.La perfección de su expresión no se desvanece al apagarse las luces pues, "como el cisne, al morir, se desvanece en música".Otelo es una aterradora y patética figura, cara y cruz de la vida. Al lado de Otelo encontramos a Yago, personificando como nadie al mal, otra forma de sombra, noche del alma, oscuridad, mentira... Yago no es para Otelo mas que la venda que ciega los ojos del enamorado y le arrastra a la desesperación y al crimen... Otelo, general moro al servicio de la republica de Venecia, a través de los relatos de su vida y hazañas deslumbra a la bella y casta Desdémona, hija del senador Brabancio, a la cual secuestra y la convierte en su esposa. Por exigencias del servicio del estado, Otelo y su mujer, separadamente, escapan de Venecia para reunirse en Chipre.El malvado y envidioso Yago, alférez del Moro, a quien detesta no solo por estar convencido que galanteó anteriormente a su mujer, Emilia, sino además por encontrarse despreciado por el nombramiento de teniente recaído en el honrado Casio, se plantea apesadumbrar la existencia al ingenio Otelo haciendo germinar y alentando en su alma el suplicio de los celos, sin preocuparse por las victimas inocentes que puedan sobrellevar las consecuencias de su execrable intriga. Con perversa socarronería Yago, primero, consigue emborrachar a Casio, que nunca bebía, llevando a promover un escándalo preparado con maliciosa anticipaciòn, lo que da por resultado que Otelo le prive de su cargo a aquel. Inmediatamente solivianta al inocente depuesto a que busque la protección de Desdèmona, a quien su esposo no negaba nada, para conseguir del Moro el perdón; y al mismo tiempo, por si y por mediación de Emilia, su mujer, dama de Desdèmona, persuaden a esta para que intervenga con su marido para que levante el escarmiento al culpable. Mediante monstruosas y hábiles sugerencias, hace acrecentar Yago en el pecho del enamorado y candoroso Otelo la desconfianza de unos amores entre su honrada esposa y Casio, utilizando de testimonio concluyente de la fingida pasión criminal un pañuelo que el moro habìa obsequiado a Desdèmona y que Yago consiguió que fuera visto por el celoso Otelo en el poder de Casio, el cual desconocía hasta a quien pertenecía la prenda. Con tan inconsistentes argumentos se construye el soporte de unos celos irrefrenables que desembocan en firmar la sentencia de muerte para Casio, cuya ejecución se confía a Yago, y el estrangulamiento de la inocente Desdémona a manos de su propio marido.El ruin iniciador de la tragedia acaba enmarañado en los entretejidos de la misma; ante el lecho de Desdémona se ve acusado y desenmascarada toda la intriga por su propia mujer, Emilia, y por Casio, que escapo con vida del atentado. Al enterarse de la verdad, Otelo se suicida ante la presencia de todos, después de haber visto a Yago ser entregado a las òrdenes del nuevo regente, para que éste impartiera el mayor castigo; el nuevo gobernador no era otro que Casio, dispuesto a hacerle sufrir a Yago los mayores tormentos.

Pinocho es la fantoche de madera héroe de Las aventuras de Pinocho. Su nombre original en italiano es Pinocchio.Este personaje fue imaginado Collodi y se propagó en 1883 en Italia. Las aventuras de Pinocho se pregonaron a través de un periódico desde 1882 hasta 1883, con los títulos "Storia di un burattino" y "Le avventure di Pinocchio", con ilustraciones a cargo de Enrico Mazzanti. La primera versión en español vio la luz bajo las ordenes de Rafael Calleja, hijo del fundador de la Editorial Calleja e ilustrado por Salvador Bartolozzi en una arreglo más "tradicional" de la novela. Se ha convirtió pronto en un clásico de la literatura infantil y fue llevado al cine a través de más de veinte películas con él, entre las que se incluyeron la realización de dibujos animados de Disney del año 1940, la película de Luigi Comencini de 1972 y el film del año 2002 dirigido y protagonizado por Roberto Benigni, realización que tuvo escaso éxito .En primera instancia , Collodi no imaginó su trabajo como una obra de literatura infantil: en la versión original, Pinocho termina sus dias en la horcado, sentenciado por sus innumerables faltas y sólo en versiones posteriores la historia alcanzaría su célebre final en el que la marioneta se transforma en un niño real . Si nos detenemos en su estilo, la historia resultó novedosa y moderna, y abrió camino a muchos escritores rezagados. El italiano es enriquecido con florentinismos. Varios de los conceptos del libro se han transformado en un lugar común, especialmente cuando se hace hincapié en el hecho que a los mentirosos les crece la nariz..Muchos críticos consideran que más que un cuento para niños es una símbolo de la sociedad moderna. La historia de Collodi también ha sido llevada al teatro por muchos directores alrededor de todo el mundo. En una antigua carpintería, Geppetto, un señor afable y simpático, concluía más un día de trabajo dando los últimos mejoras de pintura a un muñeco de madera que había realizado ese día. Le había quedado bonito! Como el muñeco había sido elaborado con madera de pino, Geppetto decidió llamarlo Pinocho. Aquella noche, Geppeto se fue a descansar anhelando que su muñeco fuese un niño de verdad. Siempre había deseado ser padre y tener un hijo. Poco tiempo le llevó quedarse completamente dormido, fue entonces cuando llegó un hada buena y viendo a Pinocho tan dotado de hermosura, quiso recompensar al buen carpintero, dando, con un golpe a su varita mágica, vida al muñeco Cuando se despertó, ya era la mañana siguiente Geppetto no podía creer lo que veían a sus ojos. Pinocho se movía, caminaba, se reía y hablaba como podrìa hacerlo cualquier niño real, para felicidad del viejo carpintero. Alegre y sumamente  satisfecho, Geppetto enviò a Pinocho a la escuela. Quería que fuese un niño muy preparado y que se cultivara mucho, todo lo que lo que el no había podido cultivarse. Le acompañó su amigo Pepito Grillo, el consejero que le había proporcionado el hada buena. Sin embargo,  en el camino del colegio, Pinocho cometió un error garrafal: entabló amistad con de dos niños casi perversos, imitando sus travesuras, y desoyendo los consejos del grillito. En lugar de asistir a clases, en la escuela, Pinocho decidió acompañar a sus nuevos amigos, persiguiendo aventuras nada buenas. Al ver esta situación, el hada buena lo encantó, hechizo de por medio. Por no concurrir a la escuela, le puso dos orejas de burro, y por portarse mal, cada vez que profería una mentira, su nariz le crecía desproporcionadamente además de ponérsele colorada. Pinocho acabó admitiendo que últimamente no estaba siendo bueno, y pesaroso concluyó en lo que mejor seria salir a buscar a Geppetto. Conoció entonces la triste realidad: el viejo carpintero por salir en su busca por el mar, había sido devorado por una enorme ballena. Pinocho, con la ayuda del grillito, se fue a la mar para librar al pobre anciano . Cuando Pinocho estuvo frente a la ballena le rogó que le devolviese a su papá, pero la ballena abrió muy grande su boca y se lo tragó también a él. Dentro de la panza de la ballena, Geppetto y Pinocho se reencontraron. Y se pusieran a pensar cómo salir de allí. Y gracias a la estrategia ideada por Pepito Grillo encontraron una salida. Hicieron una fogata. El fuego provocó que estornudara a la enorme ballena, y la balsa salió despedida por el aire, volando con sus tres tripulantes. Todos se encontraron sanos y a salvo .Pinocho regresó a casa y al colegio, y a partir de ese día nuca mas mintió, la nariz ya no le creció màs y siempre se comportó bien. Y recompensándolo por su bondad el hada buena lo convirtió en un niño de carne y hueso, y terminaron siendo infinitamente felices por muchos y muchos años.

Oscar Wilde fue un célebre dramaturgo irlandés, quien vivió en el último tramo de la era victoriana y alborotó a la sociedad de su tiempo, por su condición de homosexual -razón por la que llegó a sufrir la privación de su libertad- y a su agudeza virulenta y su ingenio mordaz. Mas allà que su figura siempre estuvo relacionada al prototipo del dandy, lo más significativo de este autor es su dilatada producción, que incluye numerosas obras de teatro, una novela, poemas y relatos. Tal vez sea El Fantasma de Canterville la novela más popular y celebrada de Wilde, que ha integrado por méritos propios la lista de obras inolvidables y fundamentales de la literatura universal.» Una extravagante y sofisticada familia norteamericana, los Otis, deciden adquirir el antiquísimo castillo inglés de los Canterville. El anciano dueño les confió casi a modo de secreto en ese entonces de que en la mansión habitaba desde tiempos inmemoriales el iracundo fantasma de Lord Simón Canterville, que ultimó a su esposa y cuyo cuerpo desapareció al cabo de poco tiempo en forma misteriosa. Lejos de intimidarse, los inquilinos compraron el castillo con fantasma incluido, y acabaron por sojuzgar al desdichado espectro extemporáneo, que acabó convirtiéndose en marioneta y víctima de los dos niños temibles de la familia. El fantasma de Canterville es una nouvelle -cuento extenso o novela breve -, parodia interpretada por un espíritu dramático, Sir Simon, y el ministro norteamericano Mr. Otis. Este hombre llegò acompañado de su familia a alojarse en el arcaico palacete de Lord Canterville, quien le advirtió al nuevo dueño que un fantasma se paseaba por las habitaciones de la finca. Se trataba del espíritu de Sir Simon, quien había embrujado la casa desde que acabara con la vida de su esposa Eleanor, varios siglos atrás. Sin embargo, Otis desconoció y desatendió las advertencias de Lord Canterville. Él, su esposa, su hijo Washington, su hija Virginia y los gemelos se mudaron a la mansión.A no dudarlo, la propiedad estaba encantada. Virginia, la hija quinceañera de Otis, era la única que pudo intentar salvar a Sir Simon de su condena eterna, ya que la niña era incomparable a todos los demás en su familia, era la única que escuchò la desconsoladora historia del fantasma, aprendiò de él y era la única que podía ayudarlo. Lo que Oscar Wilde produjo a través de "El Fantasma......" es una sátira de la ramplonería americana, una mofa de las costumbres tradicionales británicas, y un asombroso giro al tradicional cuento gótico de horror. La familia Otis decidiò de comprar la mansión Canterville amueblada y con un fantasma incluido,y el fantasma siempre asomaba antes de la muerte de algún familiar desde el año 1584. También había una mancha de sangre contigua a la chimenea que aunque la limpiaran siempre aparecía una y otra vez, era la sangre de Lady Eleanore de Canterville asesinada por su marido Sir Simon de Canterville en 1575 que vivió nueve años mas y desapareció en circunstancias por demàs extrañas, su espíritu vagabundeaba la mansión..Una vez alojados en la mansión Washington resolviò quitar la mancha con un poderoso detergente, la mancha saliò momento aunque al dìa siguiente volvía aparecer. La familia Otis nunca creyò en los fantasmas.El Sr. Otis escucho ruidos en el pasillo , tomo un frasquito y cuando salió al pasillo lo pudo ver: un viejo de aspecto horripilante, con ojos rojos, cabello dr extraño color, largo y grisàceo. Otis le dio el frasquito y le dijo que embadurnaran con grasav sus cadenas para que no hicieran tanto ruido, el fantasma se enfadó mucho y cuando se escapó en el camino se topó con los gemelos que le arrojaron una almohada, era la primera vez que se sentía tan ultrajado, y no aterraba a la gente. Otis lo apuntaba, la Sra. Otis le convidó un remedio para mejorar su deteriorada salud. Esto no hacia más que enojar y deprimir cada vez más al fantasma. Este especuló en ponerse ropa que los espantara. Cierto día pensó en apuñalar a Washington y asustar a la Sra.. Otis, Virginia y los gemelos. Pero al llegar al cuarto de Washington el fantasma se encontrò con otro duende, se asustó porque nunca había visto uno, hasta que pudo leer un cartel que decía "el fantasma Otis el único espectro genuino y autentico; desconfíe de las imitaciones.... todas las demás son falsificaciones" Prontò comprendió que había sido engañado. Esto fue pavoroso para el, durante cinco días no salió de la habitación, un día resbaló con la pista de patinaje de los hermanos iguales y al entrar en su habitación un jarro de agua le cayó en la cabeza y terminó resfriándose y así continuaron asustándolo ellos a el ,un fantasma. Virginia ingresó en algo asì como una caverna, el panel se cerró detrás de ellos y en un santiamén la habitación quedo vacía. La familia no encostró a Virginia por ningún lado. Cuando apareció contó lo sucedido con el fantasma. Los Otis, Los Canterville....El fantasma le había dado a la Virginia un estuche con joyas de la familia Canterville, muy valiosas, los Canterville resolvieron, que como ella lo había amparado y resguardado debía quedarse con ellas. Años después a su mayoría de edad contrajo matrimonio con su enamorado pero en ningún momento y de ningún modo quiso que nadie supiera lo que había pasado mientras estuvo encerrada con el fantasma.

La Dama de las Camelias es la historia de amor de Margarita Gautier y Armando Duval. No es una historia frecuente, sino una de las mas pasionales historias jamás escritas. Se trata del amor nacido entre una prostituta y un joven aristocrático que resuelven sobreponerse a tanta dificultad y luchar en pos del amor. Desconociendo las ofuscaciones que se forman a su alrededor, se retiran de la vida mundana de París y deciden refugiarse en el campo a disfrutar de cinco meses de amor idílico. Cuando ya tienen su futuro programado, los prejuicios dejan de rodearlos e invaden en su realidad consiguiendo que Margarita se vea obligada a adoptar la más cruel decisión y separarse de su amado. En La Dama de las Camelias, además de ver dos personajes excepcionalmente trazados por la pluma de Dumas, se muestra todo el entorno del París de aquel tiempo y una mirada aguda sobre la prostitución y las damas aristócratas. No es muy frecuente encontrar en la literatura a un padre y a su hijo, ambos escritores famosos. Normalmente, los herederos eligen tomar otros recorridos profesionales -quizá sabiendo de las penurias económicas que brinda la escritura-mas allà de la circunstancia que en caso de dedicarse a ella, no suelen brillar con el mismo fulgor que la estrella de su padre. Sin embargo con los Dumas, sucediò que ambos brillaron con luz propia y ambos brillaron con luz propia y fueron ambos excelentes dramaturgos; solo se diferenciaron en el hecho que el hijo no fue tan prolífico como el padre. Alejandro Dumas hijo (París, 1824-1895) nació fruto de la relación del autor de Los tres mosqueteros con una sumisa costurera. Reconocido por su padre en 1831, curso estudios en los mas caracterizados colegios y, como aquél, vivió una juventud un tanto descontrolada , quizá impulsado por el estigma que, en aquellos tiempos, representaba ser hijo natural. En 1844, conoció a la hidalga Marie Duplessis, quién serviría de inspiración para La dama de las camelias, esbozada primero como novela -fue publicada en 1848- y, más tarde, llevada al teatro, a travès de una cuidada adaptación. La obra, en la que se apoyó Giuseppe Verdi para su ópera La Traviata, se adentra en la historia de una prostituta de la alta sociedad parisina. Margerite Gautier -que así se llama- es una mujer de vasta cultura que suele asistir a teatros, a presenciar las mejores obras y organizar sonadas fiestas actividad por la cual la convierte en notoriamente popular entre las clases pudientes. Hasta el momento en el que conoce al joven Armand Duval,es allì cuando decide dar un giro substancial a su vida: renuncia la bohemia para apostarse con él en el campo y, así también restablecerse de algunos problemas de salud. No obstante, la familia de Armand se enfrenta a la relación oponiéndose debido al pasado de ella y además a la diferencia de edad entre los amantes. Margerite resuelve entonces abandonar al joven. Para prescindir del conflicto familiar, simula una infidelidad con objeto de que el mismísimo Armand la abandone. Así ocurre y cuando ello sucede, la salud de la desdichada mujer infeliz desmejora rápidamente y, a partir de allí, los acontecimientos de la trama de la novela empieza a precipitarse; en realidad la personalidad de la cortesana, termina por convertirse en el verdadero eje en torno al que gira toda la trama. Aunque su vida decididamente no fue ejemplar, exhibió la suficiente hidalguía como para ofrendarse por su amado, fingiendo una infidelidad que nunca cometió aún corriendo el riesgo de que él la abandonara. Dumas eligió como protagonista a una criatura que, al igual que él , vivía entre la alta sociedad pero era despreciada por ella. Dumas construyó una de las historias más colosales de la literatura. La novela, escrita a los veintitrés años del celebérrimo autor, obtuvo, en 1848, un resonante éxito; el drama dividido en cinco actos representado por primera vez en 1852, consiguió prontamente, tanto en la capital francesa como en el extranjero, una repercusión enorme. La prostitución como actividad principal en la vida de la protagonista Margarita Gautier, sus hábitos y sus relaciones amistosas son Los principales contenidos de la novela ; también a lo largo de la trama de la novela, encontraremos la abnegación en diversos actos de la protagonista, especialmente en relación al amor que le profesa a Armando Duval. Asimismo la obra se encarga de analiza críticamente los prejuicios sociales, que se reflejan en el rechazo social de aceptar a Margarita, principalmente el padre de Armando Duval, es quien pone mas reparos para aceptarla y quien mas le exige sacrificios. En la obra, no pasan desapercibidos los celos en el personaje de Armando. Por último, encontramos en menor medida, los celos y la venganza en el personaje de Armando Duval, y la necesidad de venganza resarcirse ante todos quienes pusieron demasiados escollos para que el y Margerite pudieran amarse libremente .Eel drama de Dumas sirvió para inspirar  La Traviata (La descarriada) decimonovena ópera de Giuseppe Verdi, estrenada en el Fenice de Venecia en 1853. . La novela pertenece al movimiento literario que se conocería como Realismo, convirtiéndose en una de las primeras que ayudarían a la transición del romanticismo. 

 La Francia del siglo XVII fue testigo del renacer del clasicismo, esencialmente en lo concerniente a la literatura y, dentro de ésta, al teatro.Es en esos tiempos cuando se recobran los temas de los grandes trágicos griegos –Esquilo, Sófocles- y las formas externas de aquellos dramas. Dos fueron los grandes abanderados que comandaron este regreso por la puerta grande: Pierre Corneille y Jean Racine. Fu Cormeille el primero quién dio el primer gran paso, sin embargo a Racine le corresponde ahondar en su perfeccionamiento. Aunque estaba reservado a continuar la carrera religiosa, pronto escogió por otra más rentable: sumarse a la Corte como adulador entusiasta del Rey Luis XIV, trabajo por el cual empezó a recibir una pensión que le permitió consagrarse casi con exclusividad a la literatura. El teatro de Racine está conformado prácticamente en su totalidad por tragedias. Todas ellas revelan un mismo esquema común: el apasionamiento de los personajes sacude la trama, que generalmente se centra en dos jóvenes cuyo amor es insostenible por pertenecer a grupos rivales o por exigencia del Rey. Formalmente, su estructura es llana, simple, campechana y ajustada a los cánones clásicos y los argumentos se extraen de la antigüedad. Todos estos componentes se hallan en Andrómaca, estrenada en 1667 y que promovió la coronación definitiva de su autor. Promediando la Guerra de Troya, Aquiles terminó quitándole la vida a Héctor y a partir de este hecho los griegos empezaron a temen que el hijo de éste y de Andrómaca, Astianacte, quisiera vengarlo. Por ello, enviaron a Orestes para que reclamase a Pirro, rey de los troyanos, que le entregase al muchacho. Ante esta posibilidad y para salvar a su hijo, Andrómaca se ofreció a casarse con Pirro, que estaba enamorado de ella. Su idea era quitarse la vida inmediatamente después para continuar siendo fiel a Héctor. Pero Hermione, que a su vez amaba al Rey, despechada, pidió a Orestes que lo matase.. Cuando éste perpetra el magnicidio, los acontecimientos terminan disparándose..Como vemos, la fuerza trágica de la obra prorrumpe del propio sobrevenir de los hechos, que a su vez son promovidos por los sentimientos de los personajes. Ello se ve consolidado por la indudable capacidad dramática de Racine, dando lugar a una composición que se ha mantenido vigente aun ante el paso del tiempo y aún hoy se la rememora como ejemplo de tragedia perfecta. .Racine conocía, sin duda, las variantes del mito, sin embargo decidió ser original en sus planteamientos, distanciarse de las versiones clásicas; según Racine, la tragedia debe producir piedad y temor, debe provocar la catarsis en el espectador. Los dos prefacios que se conservan de la Andrómaca raciniana, se instruyen con unos versos de la Eneida de Virgilio. Según Racine, en estos versos descansa el argumento de su Andrómaca: “He aquí, en pocos versos, todo el argumento de esta tragedia.”Pero Orestes, imbuido de un gran amor por la esposa que le había sido arrebatada y acongojado por las furias de su crimen, le tomó desprevenido y le dio muerte ante los altares paternos. Con otra versión de los hechos nos encontramos en la Andrómaca de Eurípides: Hermíone, esposa legítima de Neoptolemo, celosa de Andrómaca, con la que su marido tiene un hijo, aprovechando la ausencia de éste, con la colaboración de su padre Menelao procuró asesinar a la esclava y al hijo. Andrómaca recurriò al viejo Peleo, abuelo del rey ausente, que la protegió. Orestes también apareció en defensa de su antigua prometida Hermíone, le interiorizò del plan que se urdió contra el hijo de Aquiles y la convenció para que huyera con él. Llegó un mensajero con el cadáver de Neoptólemo. Tetis se le apareció a Peleo y le dio precisas instrucciones: debía enterrar a Neoptólemo en Delfos, despachar a la esclava troyana y a su hijo al país de los molosos y consentir para sí mismo la inmortalidad. En Racine, la contexto es algo diferente: Orestes arriba al palacio de Pirro con un doble misión, la oficial: persuadir al rey de que le entregase al hijo de Héctor que los demás reyes griegos exigen; otro propósito, mas secreto: llevarse con él a su amada Hermíone, prometida de Pirro. Alli Oreste se encontró con un enredo amoroso: Pirro amaba a Andrómaca y quería casarse con ella, Andrómaca reverenciaba a su marido muerto, y Hermíone amaba a Pirro. El tema fundamental de la tragedia de Racine es el amor contrariado y no correspondido: Pirro se aproximó a Hermíone cuando Andrómaca lo rechazó y Hermíone se acercó a Orestes sólo cuando éste prometió que la ayudaría. Andrómaca aceptó las propuestas de Pirro, no por amor hacia él, sino para salvarle la vida al hijo de Héctor. El desenlace de Racine tiene algunos matices diferentes: Pirro y Andrómaca se convirtieron en marido y mujer; sin embargo, como se pudo ver en Virgilio y en Eurípides, Pirro morirá a manos de Orestes, empujado por Hermíone. Y otra diferencia: Hermíone se quita la vida al ver muerto a Pirro y Orestes una vez más volvió a caer en la locura. Andrómaca resultó aclamada reina. La vida de Andrómana apenas tenìa un único sentido: vivir para honrar a Héctor.  

Marianela es una joven huérfana de clase baja que consagra su tiempo a asistir y a acompañar  a Pablo, un muchacho ciego de holgada  posición socioeconómica que esta al tanto de cuanto acontece en el mundo solo a través de los ojos de su acompañante inseparable. Marianela apenas cuenta con dieciséis años aunque   su esmirriado cuerpo parece de doce, su mirada trasluce tristeza, su madre alcohólica y suicida casi la abandona a  temprana edad. Tampoco es agraciada; fea, pobre, su mayor cualidad era ser poseedora de los mas nobles sentimiento., su altruismo hacia los demás era su  mejor virtud, ,tales cualidades nunca alcanzaron para hacerla sentir feliz. Si alguna vez alguien  le confesó su amor, no pasó  mucho tiempo para que su sentimiento variara y terminara rechazándola. Benito Pèrez Galdòs a través de veintidós capìtulos breves enfrenta al lector a imaginar cuestiones relacionadas con la superstición y al enamoramiento sin hacer especial referencia a las complejidades que nos ofrece el mundo y  a las injusticias que depara la vida. Amor, incertidumbre a raíz de problemáticas sociales, narcisismo y  desventura terminan conjugándose  en esta novela relatada  en tercera persona y escrita con un lenguaje llano donde no faltan las muletillas, las metáforas y las personificaciones. Marianela  a su vez, consigue sentirse hermosa en el mundo interior de este apuesto caballero del que termina enamorada pero nada sale como ella hubiese deseado. A medida que uno conoce la historia descubre que la vida ha sido injusta con Marianela, ya que le dio una madre alcohólica y suicida y ni siquiera la benefició con su aspecto: esta adolescente de quince años de edad es fea, pobre y está sola pero, aún así, posee buenos sentimientos. Sin embargo, esas cualidades de su espíritu y su perfil honrado y bondadoso no parecen alcanzar para conducirla hacia la felicidad. Incluso quien llegó a confesarle su amor, llega a rechazarla con el tiempo. Valiéndose de las vivencias de la protagonista y de su vínculo con Pablo, el autor aborda en este trabajo dividido en veintidós  capítulos cortos cuestiones vinculadas a la superstición y al enamoramiento, y hace referencia no sólo a lo complejo e injusto que es el mundo. Pablo amaba a Marianela, hasta que aparece en su vida el doctor Teodo Golfin, que promete devolverle la vista. Tras varias intervenciones y fallidos intentos después una última operación Pablo recupera la visión, empieza a alejarse de Marianela y casi simultáneamente empieza a enamorarse su bella prima Florentina. Marianela no tarda nada en descubrir que Pablo empieza a abandonarla y dedicarle más tiempo a Florentina. Destrozada por la actitud de su hasta entonces protegido intenta suicidarse, aunque el mismísima doctor Golfin la rescata de una muerte segura, irremediable. El medico para reconfortarla  lleva a la desdichada joven Marianela a encontrarse con su protegido Pablo, pero tanto el  medico como Marianela descubren a Pablo en brazos de su prima. Decepcionada y sin ganas de nada para Marianela empieza un derrotero de enfermedades que sin pausa y  encadenándose una enfermedad tras otra, y terminan llevándola a la muerte.

El Decamerón, escrito entre 1249 y 1353, es una recopilación de cuentos, quizá la colección por excelencia de la literatura mundial, y punto de referencia del que han surgido desde entonces un sin fin de otras muchas creaciones narrativas.La obra es una gran miscelánea de cien cuentos que los diez personajes relatan cada noche de su reclusión en una villa donde se protegen de la peste que devasta Florencia.Cada uno de estos personajes -siete mujeres y tres hombres- deleita al lector con un singular retrato psicológico, con personalidad absolutamente definida, que recurre para ilustrar los distintas temáticas que se encuentran en cada cuento. En ellos cobran inusual protagonismo el ingenio, la reflexión, el amor, el erotismo -de modo prodigioso ha sido considerado este libro como una obra solamente erótica- la virtud y la fortuna, todos ellos plasmados con una magistral técnica de narrador. El Decamerón, del italiano Giovanni Boccaccio, muestra un punto de partida curioso y un imaginario vastísimo que serviría de modelo para muchas de las obras que verían la luz durante el Renacimiento. La historia empieza en los tiempos cuando la peste bubónica o peste negra empezó a asolar Florencia a mediados del siglo XIV. Los diez protagonistas, siete mujeres y tres hombres, se refugian en una villa de las afueras por diez días. Estas historias no son íntegramente imaginación de Bocaccio, sino que acopian parte de la cultura oral italiana, con referencias a fuentes francesas y latinas. Lo licencioso recobra una gran trascendencia ya que los protagonistas son seres tangibles e incompletos, con sus fallas y sus penurias. La noción profana de la humanidad estaría perfeccionándose en este libro como una de las características distintivas de la literatura renacentista. La Iglesia Católica llegaría a reflexionar la lectura de este libro como un pecado,se presume que por la importancia que se le imputa a la convivencia de hombres y mujeres en un contexto paradisíaco donde Eros, dios del amor, se desplegaría plenamente pintando sus relaciones con la sensualidad y el placer, tanto físico como intelectual.Para relacionar estas cien historias, Boccaccio estableció un marco de referencia narrativo Cada miembro del grupo narra a los demàs concurrentes una historia por cada una de las diez noches que ellos pasan en la villa, lo que da nombre en griego al libro: De esta manera se relatan las cien historias en total. .La importancia del Decamerón descansa en gran parte en su muy defendida y elegante prosa, que implantó un modelo a remedar para los futuros escritores del Renacimiento, pero también en haber compuesto el molde genérico de la futura novela cortesana, (la leyenda de Los amantes de Teruel,por ejemplo, está sugestionada en el cuento VIII de la cuarta jornada. Los sucesos descritos en el Decamerón son apropiados de una interpretación alegórica influenciada por la numerología medieval. Se cree sin temor a caer en el error que las siete jóvenes mujeres representan las cuatro Virtudes cardinales y las tres Virtudes teológicas (Prudencia, Justicia, Templanza, y Fortaleza; Fe, Esperanza, y Caridad), y se presume que los tres hombres simbolizan la división tripartita griega tradicional del alma (Razón, Apetito Irascible, y Apetito Concupiscible)El Decamerón refiere pormenorizadamente los efectos físicos, psicológicos y sociales que la peste bubónica desplegó en esa parte de Europa. A no dudarlo, se puede imaginar la obra de Boccaccio como un adelanto colosal dentro la literatura de su época, pues las particularidades del Decamerón anticiparon la concepción profana del hombre a que llegó el Renacimiento. La deserción de rasgos fantásticos o míticos, así como la chanza hecha a los ideales medievales, son, entre otros, los semblantes que definen al Decamerón como un texto extremadamente antropocéntrico y humanista.Los personajes de Boccaccio son seres comunes, imperfectos y despojados de cualquier valía noble, elegante o cortés; por el contrario, acentúan los ladrones, mentirosos y adúlteros, y se exalta su astucia, que les consiente salir airosos de las situaciones explicadas, a diferencia de la vieja concepción medieval, donde el protagonista o héroe de la historia gozaba de facultades inherentes a su ser, como la belleza o la fuerza, y mancomunadas siempre a la nobleza y la divinidad. Los dos sexos, tanto el varón como la mujer, son criaturas reservadas al amor, que se entiende de una manera definidamente sensual y que necesariamente debe ser experimentado corporalmente.El Decamerón se escribió cuando la Edad Media concluìa. De tal modo, mientras la peste asolaba provocando catástrofes alrededor, en este jardín florece todo un mundo de historias vitales y de recargada sensualidad.En la obra de Bocaccio, observamos desfilar, por ejemplo, a un marido algo enfermizo que con dificultades puede pasar la noche de bodas; su mujer se ha de considerar premiada cuando un pirata de exaltada virilidad la rapta. Massetto es un hombre joven y vigoroso que cuida el jardín de un convento; allí, con gran alegría de las monjas y de las abadesas, no fecunda solamente la tierra. Todas las historias eróticas de Bocaccio se corresponden con la imagen medieval de la mujer, proclive a caer en las tentaciones de la carne. La iglesia católica, a través de la Inquisición, terminó prohibiendo este libro, a pesar de esta inclusión en la nómina de lecturas no autorizadas , la de Bocaccio se convirtió en una de las lecturas preferidas por los clérigos.

Una ligera crónica de los extravagantes años veinte—sus hombres y mujeres con gran poder económico, sus excentricidades, el apogeo de los gangsters, moviendo a sus anchas, la desbordante prosperidad de la que gozaban, sirven de punto de partida para adentrarnos en la historia de El Gran Gatsby. La obra de Scott Fitzgerald es consecuencia de la representación del tiempo que describe, un mundo lleno de fastuosidad en el que convivían el arte y el mal gusto, el virtuoso empresario y el truhán, la pacatería y el libertinaje y la arrolladora abundancia de una sociedad que, sin embargo, se encontraba al borde del precipicio. Al final de su vida, en un texto autobiográfico, Scott Fitzgerald definió con asombrosa claridad a su personaje Jay Gatsby: «Es lo que siempre fui: un joven pobre en una ciudad rica, un joven pobre en una escuela de ricos, un muchacho pobre en un club de estudiantes ricos, en Princeton. Nunca pude perdonarles a los ricos el ser ricos, lo que ha ensombrecido mi vida y todas mis obras>>. Gatsby, viviò siempre mortificado por la injusticia que impide a un joven pobre casarse con una muchacha que siempre contò con grandes sumas de dinero. Este sentimiento de rencor es la causa para que el protagonista de la narración ponga su máximo esfuerzo y todo su ingenio con la ilusión de que su amada compruebe que se ha vuelto rico, y caiga a sus pies rendida y enamorada Scott Fitzgerald elabora una historia de pocos personajes, el escaso numero de protagonistas resulta un elemento a favor para que el autor se detenga en ahondar en la vida de cada uno de ellos. Asì las cosas, en este entramado es en el que se apoya el autor para contarnos la vida de seis personajes, el narrador, Nick Carraway, que emigra del interior a New York en busca de fortuna, el antiguo amor de Jay Gatsby, Daisy, y su marido, Tom Buchanan, una pareja de “triunfadores” que han hecho fortuna en Long Island; Myrtle, la amante de Tom Buchanan, su marido, el mecánico George Wilson, y un último personaje, la elegante Jordan, una amiga de los Buchanan que es la encargada de “iniciar” a Nick en la historia y ayudar a Gatsby a ejecutar su plan de reencuentro .Además de estos pocos protagonistas, en la novela asoman todos los buscavidas, depravados, sinvergüenzas, parásitos, y fauna neoyorquina en general, que son invitados a las estrafalarias fiestas de Gatsby.En realidad, la obra de Fitzgerald, no deja de ser una historia de amor, celos, egos y búsqueda del único talismán sagrado de los norteamericanos en los años veinte, casi solo importa el reconocimiento social solo por lo que los protagonistas de la historia han podido engrosar sus cuentas bancarias .Gatsby ha forjado su fortuna contrabandeando con alcohol, pero otro de los méritos de Fitzgerald es que no lo explica directamente, sino que deja que el lector llegue por su cuenta a esa conclusión, Mirtle, la amante de Tom, sustenta toda la relación con él únicamente por el dinero que el muchacho cuenta y porque la aleja de una vida desventurada y ociosa al lado de un mecánico de pocas luces y mayor que ella, pero esa es otra conclusión a la que llega el lector y que el autor no se preocupa en subrayar directamente en ningún momento; o en las fiestas del gran Gatsby en las que salta a la vista que se realizaban orgías en las numerosas habitaciones de que disponía la mansión, y nuevamente en ningún momento el autor hace ninguna referencia. Ese estilo de narración dócil que va aproximado al lector al abismo de las pasiones humanas con gran garbo, para mostrarte al final del camino toda la vergüenza de la trastienda de los personajes, es virtud de Fitzgerald. En el final de la novela el lector es testigo de cómo los protagonistas transitan por innumerables desgracias, y son victimas de traiciones, y se entregan a disímiles sentimientos como los celos, la envidia y la venganza que arrastran a los personajes a un desenlace espeluznante. Casi como moraleja que nos deja la obra de Scott Fitzgerald es la descripción del entierro de Gatsby, el cual acaba por convertirse en un hecho con ribetes excepcionales, nuestro héroe ( el protagonista de El Gran Gatsby)un personaje que siempre tuvo docenas de personas diariamente viviendo en su mansión y a cuyo entierro no concurre nadie. Una excelente metáfora de la vida de esos días: lujo, dinero en abundancia, fiesta, y una insoportable sensación de vacío...

No pocos imaginan a Henrik Ibsen (Noruega, 1828 – 1906), el más relevante dramaturgo moderno, padre del drama realista moderno y referencia ineludible del teatro simbólico. En su época, sus obras fueron encontradas desvergonzadas por una sociedad sometida por los valores victorianos, obras que bregaban con el modelo de familia y de sociedad arbitraria. A través del matrimonio Helmer, Ibsen focaliza su atención en esta obra en la relación entre sexos. Nos encontramos ante dos códigos de moral, dos conciencias desiguales, una del hombre y otra, la de la mujer. Y a la mujer la juzgamos según el código de los hombres. A una mujer siempre le costó demasiado esfuerzo ser auténticamente ella en la sociedad actual, una sociedad solamente masculina, con leyes exclusivamente masculinas, con jueces y fiscales que la juzgan desde el punto de vista masculino. Nora es una mujer que vive en un mundo cerrado, dentro de una sociedad regida por cánones masculinos y mandatos dispuesto por el hombre.Nuestra heroína solicita un préstamo a Krogstad, empleado del banco que administra su marido, dinero que empleara para viajar a Italia y salvar la vida de Helmer, que requiere ciertos cuidados para su salud,  cuidados que no podía obtener en su Noruega natal. Así Nora se revaloriza ante ella misma como mujer y descubre algo que hasta aquí le era desconocido: su capacidad para tomar decisiones. Cuando Krogstad pierde su empleo, presiona a Nora para que intercediese ante su marido para recuperarlo amenazándola con revelar el contrato y descubrirla por adulterar la firma de su padre, necesaria para la garantía. Nora intuye que a su marido le ofendería saber que está en deuda con ella, pero finalmente resuelve que lo mejor es explicarle lo sucedido. Sin embargo, cuando Torvald Helmer interpreta lo ocurrido una falta contra su honor es cuando Nora cae en la cuenta de la hipocresía que resulta de su matrimonio y toma una decisión que la convierte en una mujer más madura y se decide a demostrar su rebeldía, llevando a la práctica algo que no se hubiese ocurrido jamás renuncia a su matrimonio y a sus hijos y hace abandono del hogar conyugal.Casa de muñecas se convirtió en la primera obra dramática de Ibsen que causó conmoción ante el gran público No es desmesurado pensar que es quizá su obra más famosa Cuando se publicó promovió gran controversia, ya que reprocha fuertemente las normas matrimoniales del siglo XIX. Aunque Ibsen negó que su idea era escribir una obra decididamente feminista, fue considerada por muchos críticos como la primera verdadera obra teatral feminista. La osadía de Nora al abandonar a su marido convierte a Casa de muñecas una obra teatral revolucionaria, decididamente turbulenta La obra de Ibsen no es ni más ni menos que una sagaz crítica sobre los ancestrales roles del hombre y de la mujer en el ámbito del matrimonio durante la época victoriana. Casa de muñecas describe el contexto y la situación en la que se encuentra la protagonista Nora, y de la cual intenta evadirse . Su padre es un hombre conservador y bien posicionado socialmente, sin embargo trata a Nora como si la mujer fuera de su propiedad. Ya desde los primeros diálogos, la impresión que el lector tiene de la protagonista es la de una mujer que actúa como una nena caprichosa que juega y vive distraída todo el día, Todo cambia para Nora cuando finalmente comprende que su marido no era en realidad esa noble persona que ella creía que era, y que solo había desempeñado en ese matrimonio el de una simple y bella marioneta, obligada a vivir en una casa de muñecas. La tragedia de Nora Helmer, su protagonista, y su portazo final, es una invocación anti- machista actual, desdichadamente, en nuestra sociedad a pesar del tiempo sucedido .Casa de Muñecas no sólo representa el rompimiento con los pautas estructurales y argumentales del teatro clásico, sino que además se adhiere a las agitaciones sociales de la época al trascender la mirada crítica respecto a las problemáticas circunstanciales en la sociedad industrial, puesto que se vale de un enfoque valorativo que embiste directamente contra la dualidad de códigos morales dentro de la institución de la familia, elemento esencial en una colectividad, de acuerdo a una visión netamente masculina. Sobre la base de este sistema que quebranta la condición de la mujer, el autor esgrime una serie de teorías que comprende en profundidad los planos sociológicos y psicológicos, tanto de los personajes que son protagonistas de la obra, como del entorno temporal y cultural en el que están involucrados . El tema central de la obra de Ibsen reside en la liberación moral de una mujer en medio del rigor de una sociedad machista, la cual es personificada a través de las figuras del padre y el marido, quienes ejercen en ella una sinnúmero de manipulaciones que ésta no advierte hasta el momento en que se ve involucrada en una situación límite: el chantaje de un desconocido que podría acabar con su matrimonio. Casa de Muñecas es una obra colmada de personajes que persiguen su propia suerte y buscan satisfacción sin preocuparse del resto y es también una obra referente para otras mil que aparecieron detrás y mil más que fueron apareciendo

‘A Christmas Carol’ es la celebérrima y breve novela de CharlesDickens que se ha conocida traducida al castellano como ‘Canción de Navidad’ o ‘Un cuento de Navidad’. Estamos ante la presencia de todo un clásico, escrito en 1843, en el que el autor aborda el tema del poder de la Navidad y los buenos sentimientos que todos tenemos en esta época. ‘Un cuento de Navidad’ nos ofrece una narración amena y con un trasfondo social que traslada al lector a la realidad del Reino Unido durante la revolución industrial en el siglo XIX. Así, se nos revela la existencia miserable de los trabajadores y los estratos más oprimidos de la sociedad, una realidad que Dickens conocía suficientemente y anhelaba cambiar. Misericordia e indulgencia podrían enmendar algunos de los grandes males de la época, como el ultraje a los niños, la explotación de los obreros, la miseria, la trata de mujeres. En el relato se abordan asuntos tan vigentes como las diferencias sociales entre ricos y pobres, desde la burguesía, pasando por los trabajadores hasta llegar a los niveles infamantes y miserables observados con una mirada irrefutable. También aparecen evidenciadas actitudes como la ruindad, la bondad, el maltrato, el amor, la alegría, la apatía y la crítica. A nadie se le escapa que Dickens podría escribir probablemente en la actualidad una obra similar, ¿no os parece? En el prefacio, se narra como el protagonista, Scrooge, muestra como un viejo avaro no le importa no celebrar la Navidad sin importar lo que ocurra. A Scroge se le van apareciendo a Scrooge diferentes espíritus que recorren el tiempo para mostrarle lo que fue y lo que será. Son el primero, el segundo y el último de los tres espíritus, que van de la resplandor del primero a lo oscuro y sombrío del tercero. El del Pasado le recuerda a Scrooge cómo vivía antes de ser miserable y indiferente con la Navidad,. El espíritu del Presente cuenta cómo se celebra la Navidad en su país, su familia y el de la de su empleado Cratchit que es muy feliz, así como los dos niños. El del Futuro le muestra la desventura de la desolación de Scrooge, la vista de su sepulcro y del infortunio de otros personajes. La Conclusión del libro, es la que refiere el cambio de Scrooge cuando celebra la Navidad con júbilo y alegría. Ebenezer Scrooge es uno de los personajes más característicos de Charles Dickens. Los “fantasmas”, cada uno con su personalidad (o más bien espiritualismo), le corren el velo sobre aspectos relegados de su pasado, desconocidos de su presente y no las tiene todas consigo con las de su futuro. Scrooge llega a fiarse de los dos primeros espíritus, mientras que con el último, el que le revela su destino fatal, hay un conflicto violento, necesario para que se produzca el cambio. Los personajes son prototipos e incompatibles, lo cual aproxima a la obra a la alegoría y ofrece una visión maniquea de la realidad (no olvidemos que estamos ante un cuento), aunque sin alejarnos en exceso de “la realidad” de los caracteres. Scrooge está enrolado en el “bando de los malos” con todo lo peor, mientras que otros personajes se enfrentan a él como sumisos, magnánimos, piadosos… Claro, que al final se salva y el personaje en el cuaL nunca encontraríamos una presunción de bondad pasa a ser de la noche a la mañana el héroe. La metamorfosis del personaje es posible a través de un examen de conciencia y un análisis exhaustivo de su vida. A pesar de que a Ebenezer le resulta extremadamente difícil poder cambiar, ya que siempre el ha sido así la perspectiva de futuro lejos de todo y de todos le obliga a dar un vuelco a su vida.. Al final, el avaro despierta de su mal sueño y se convierte en un hombre dadivoso y afable. Finalmente Scrooge celebra la Navidad, compra un pavo y lo envíe para su empleado Cratchit que estaba atravesando un pésimo momento económico sin dar a conocer quién lo mandó. Posteriormente sale a la calle para saludar alborozadamente a la gente al grito de Feliz Navidad y entra en casa de su sobrino Fred para sumarse a los festejos, provocando el asombro entre los invitados. Con respecto a Cratchit, simula reprenderlo por su llegada tarde al trabajo; le da un aumento de sueldo y va con él para ayudar a la familia y en especial a Tim hijo de Cratchitque lleva mucho tiempo tratándose a causa de una enfermedad .Cuentos de Navidad, como muchas otras historias de Charles Dickens,es un relato humano, cálido y palpitante, donde el hombre persigue el espíritu del amor y encuentra el fuego del hogar. Es una grandiosa parábola sobre el pecado del egoísmo y recurre al uso de la fantasía para mostrarle a los hombres el camino correcto. Sigue el mandato de Paz en la Tierra a los hombres de buena voluntad y la Navidad es la fecha que nos han enseñado a elegir para olvidar los pesares, los sufrimientos y la mala voluntad. A través de la lectura de Cuento de Navidad encontramos una oportunidad para convertirnos en una mejor persona.

Dostoievski se adentra en la pasión por el juego para perfilar las miserias de un grupo de aristócratas El jugador, novela que no llega la doscientas páginas resultó largamente meditada por Dostoievski y sin embargo escrita en sólo un mes, es una lúcida y dolorida reflexión sobre el carácter ruso. Alexei, el protagonista, es el instructor —humilde , de sentimientos nobles e íntegro— de la familia del general Zargoryansky. Aunque está enamorado de su hijastra Polina, no se atreve a confesar sus sentimientos. La hecatombe se presenta cuando la tía del general dilapida su fortuna en el casino en pocas horas y Zargoryansky encuentra lejanas sus esperanzas de heredar, sumiéndose en la consternación y desesperanza. Alexei empieza a jugar apremiantemente a la ruleta, casi de una manera compulsiva y aunque en un primer momento gana una fortuna, luego la pierde con la misma apatía con que acumula los billetes sobre el verde tapete. El preceptor, como Ralskolnikov y otros héroes protagonistas presentes en otras obras de Dostoievski, no controla sus pasiones. El jugador tiene un cierto remedo biográfico ya sea por esta inclinación al juego como por el amor malogrado del general por Blanche de Cominges, que describe seguramente los sentimientos frustrados del autor por su ex amante, Apolinaria Suslova, que le había abandonado tres años antes. Sin embargo esta soberbia y deslumbrante narración de Dostoievski es mucho más que la descripción de la pasión por el juego, como pretendía evidentemente el escritor ruso. La obra proyecta una penetrante mirada sobre las peculiaridades del carácter ruso, diametralmente opuesto al francés y al alemán, simbolizados por dos personajes: De Grillet, un cínico y despiadado prestamista, y Astley, un próspero y magnánimo millonario.El general vive por encima de sus posibilidades una falaz vida de fastuosidades y lujo. La tía,adinerada e inconsciente, reprocha A el comportamiento de su sobrino y sin embargo dilapida su fortuna en la ruleta. Alexei siempre sintiò un profundo complejo de inferioridad y buscó en el juego un vertiginoso enriquecimiento para intentar conquistar mas fácilmente a Polina.Los tres personajes son extremadamente fatalistas y ponen sus esperanzas en un golpe de fortuna para salvar sus vidas. Ante el fracaso, se someten a una impasible conformidad del destino, que interpretan como una liberación.Dostoievski no juzga de una perspectiva moral las conductas de sus personajes. Y, en cierta manera, los justifica porque son como él: nada se puede intentar contra la mala suerte, una ideología hondamente enraizada en el pueblo ruso.Las clases sociales son inamovibles, el carácter personal no se puede modificar, los individuos están signados por los acontecimientos, el azar juega un papel determinante en la vida humana. Estas son las convencimientos del pesimista que era Dostoievski, que encuentra en su propio dolor el germen de su inspiración literaria.El jugador, fue escrita por Fiódor Dostoievsky mientras concluía una de sus obras, mas trascendentales Crimen y Castigo. Atormentado por las deudas y las angustias económicas a pesar de ser un escritor reconocido y famoso, le había dado su palabra al el editor Stellovski prometiéndole entregarle un manuscrito antes del 1º de noviembre de 1866 para cobrar un anticipo. No habrá resultado para el gran Fiódor escribir El Jugador al mismo tiempo que escribía el final de una obra tan demoledora como Crimen y castigo. El editor Stellovski no las tenía a todas consigo por el éxito de Crimen y Castigo editada en entregas sucesivas en una revista, de tal manera que a Fiódor no le quedó más alternativa que recurrir a su enorme creatividad, así fue como surgió El jugador, una novela relativamente corta, doscientas páginas a lo sumo, dependiendo del formato, que Dostoievski le dictó a una taquígrafa llamada Anna Griegorevna Snitkina durante veinticinco días. El Jugador (la historia de un hombre atrapado por el embrujo fatal de la ruleta)es una novela que se mueve en los umbrales de la aguda pasión psicológica que lleva a un hombre a convertirse en jugador despiadado. Escrita en primera persona EL protagonista, Alexei Ivánovich, le sirve de ventana al lector a través de la cual se sitúa como husmeador y observa el mundo que lo rodea, las exaltaciones y los aspiraciones de la gente que lo trata como si fuese un ser anónimo, la única manera de infiltrarse sin ser un estorbo. Cada personaje lo cree su confidente, cada mujer se dirige a él como si fuese un ayudante de cámara ante el cual puede descubrir no solo su cuerpo sino su alma. Y cada hombre solo observa en él al ser intrascendente que no ofrece mayor peligro pues no es un rival a ser considerado, El Jugador es una pieza capital de la obra de Dostoievski, donde su mayor mérito es incluir absolutamente todas las características de sus novelas más famosas Morbosidad, sensibilidad, nerviosismo casi insufrible, agresividad y revelación aguda y sutil de estados anímicos experimentados y superados por el sobresaliente escritor. Dos pasiones principales sobresalen en este libro: la del juego, que contaminó a Dostoievski, hasta pocos años antes de morir, y la de un amor que solo le reportó afrentas, equívocos, animadversiones y abnegación propia de un Quijote.

Durante mucho tiempo se dudó acerca de la autoría de La Celestina también llamada La Tragicomedia de Calixto y Melibea, hasta que por fin muchos creen firmemente que su autor fue Fernando de Rojas, quien nació en Puebla de Montalbán (Toledo), probablemente en 1476. Estudió leyes en la Universidad de Salamanca y llegó convertirse en Alcalde Mayor de Talavera (Toledo), donde falleció a la edad de sesenta y cinco años en 1541.Según cuenta él mismo en el prólogo, se encontró con un manuscrito del primer acto de la obra que circulaba entre los estudiantes de la universidad ignorando quién lo había escrito. Se sintió atraído por lo que había leído y se decidió a darle continuidad a la obra escribiendo el resto se los actos, finalizando el trabajo en quince días, mientras gozaba de sus vacaciones. Hay críticos literarios que creen imposible que Fernando de Rojas se identificara tan afinadamente con el autor del primer acto; los mismos que sostenían esa idea sin embargo creyeron que fue él quien escribió toda la obra. Hoy después de mucho tiempo se acepta la idea que en la creación de la obra fueron dos autores los que intervinieron .En La Celestina se ponen de manifiesto los trágicos amores de Calixto y Melibea y las malas artes las que recurre la correveidile Celestina para que acaben enamorándose La obra empieza cuando Calixto se encuentra por ventura Melibea en el huerto de su casa, donde ha entrado a buscar un halcón suyo, demandándole su amor. Esta termina rechazándolo, sin embargo ya es tarde, el está perdidamente enamorado de Melibea. Siguiendo el consejo de su criado Sempronio, Calixto recurre a la ayuda de vieja prostituta ahora convertida en alcahueta profesional llamada Celestina quien, figurando ser vendedora de artículos diversos, tiene mas libre acceso a las casas y de esa manera puede actuar a sus anchas en el papel de casamentera y concertar citas para futuros amantes; Celestina también regentea un prostíbulo con dos pupilas, Areúsa y Elicia. El otro sirviente de Calisto, Pármeno, cuya madre en otro tiempo fue maestra de Celestina, procura persuadirlo, sin embargo solo consigue acabar despreciado por su señor, al que sólo le importaba darle rienda suelta a sus deseos, y decide sumarse a Sempronio y Celestina para sacarle provecho a la pasión de Calisto y prorratearse así los dádivas y recompensas que esta situación produjera .Sirviéndose de sus destrezas dialécticas y la palabra dada de obtener el favor dealguna de sus pupilas, Celestina se gana la voluntad de Pármeno; y mediante la hechicería de una súplica a Plutón, sumado a su facilidad de palabra , logra que Melibea quede cautiva de Calisto, y se enamore de él .Como recompensa Celestina recibe una cadena de oro, que será motivo de desavenencia, ya que la avidez la lleva a negarse a participarla con los criados de Calisto por lo que éstos resuelven asesinarla, por lo cual pronto acaban en prisión y son ejecutados .Las prostitutas Elicia y Areúsa, que se han quedado sin los favores de Celestina y de sus amantes, urden todo para que el presumido Centurio acabe con la vida de Calisto, aunque este en realidad solo armará un revuelo. Mientras, Calisto y Melibea disfrutan de su amor, sin embargo al oír la algarabía en la calle e imaginando que sus criados se hallan en peligro,  Calisto salta el muro de la casa de su amada, cae y pierde la vida Es así como presa de la desesperación Melibea, se suicida y la obra concluye con el sollozo de Pleberio, padre de Melibea, quien llora angustiosamente la muerte de su hija. Dos mundos se anteponen en la obra: el perfecto o renacentista, de los jóvenes enamorados que sólo coexisten para darle rienda a su pasión; y el real o gótico de la Celestina y los criados, ruines aprovechados de aquel amor. El personaje mejor delineado en la obra es de Celestina, la vieja pécora, personificación del mal, que con atrayentes palabras profana la integridad de Melibea.Uno de los aspectos más sobresalientes de la obra es la majestuosa caracterización de los personajes a través del lenguaje que manejan: los personajes insignes, como Calisto y Melibea, se expresan con refinamiento y argumentación, mientras que los personajes populares, como Celestina y los criados, emplean un lenguaje más campechano y popular, donde no faltan los refranes las y frases hechas.  pesar que la obra es bastante despiadada, si hemos de guiarnos o por las pasiones como por el lenguaje esgrimido, la intención es del autor se vuelve didáctica. Pretende advertir a las muchachas de la época contra los engaños de las alcahuetas que trataban de socavar su recato; y alertar a los jóvenes de todos los tiempos contra las esquizofrenias del amor, contra la impulso de experimentar el amor como lo único de valor y los más trascendental; como algo que si no se logra dominar acabará conduciendo a la destrucción y a la muerte.

Tom Canty, un mendigo que ha vivido y se ha desarrollado en el ambiente intolerante y miserable de los barrios más pobres de la Inglaterra del siglo XVI, y un príncipe, Eduardo Tudor, que no otro que el hijo de Enrique VIII, tienen demasiadas pocas cosas en común. Sin embargo por esas casualidades curiosas del destino son sumamente parecidos el físico y en el carácter, y esa circunstancia hace que la vida los incluya en una extraña aventura que acaba resultando tan apasionante como peligrosa para ambos. Quien se adentre en la historia narrada magistralmente por el genial Mark Twain encontrará una respuesta. No por nada han disfrutado de ella de principio a fin los adolescentes de tantísimas generaciones, revalidando la idea que se trata de una de las obras más célebres de la literatura universal. El príncipe y el mendigo, fue publicada en 1882 , bajo el formato de novela histórica, y a traves de la palabra escrita de Twain satiriza el mundo de las apariencias y nos muestra cómo, muchas veces, la sociedad nos cree cuando mentimos pero no cuando decimos la verdad. Nos hallamos en 1547. Dos niños, el príncipe Eduardo y el plebeyo Tom, físicamente iguales, resuelven intercambiar sus papeles. Sin embargo, después de un tiempo, cansados del juego, deciden que ha llegado el momento de revelar la verdad. Cuando Tom explica lo sucedido en la Corte, todos suponen que el príncipe ha perdido la razón y en muchas más complicaciones se verá implicado Eduardo. Tan sólo la existencia de un anillo en posesión del verdadero príncipe servirá para que los obstinados nobles comprendan la verdad. Los Estados Unidos consolidaron el proceso de su Independencia allá por 1783, desde esa fecha y hasta que el siglo XIX promediaba, la literatura norteamericana pretendió romper los lazos que la habían unido a la de Inglaterra.Sin embargo y a pesar que su temática empezó a ser la del nuevo país en formación, continuó siendo influenciada por el romanticismo, tendencia entonces dominante en la metrópoli. Sólo después del descubrimiento de oro en California, las obras comienzan a separarse definitivamente del romanticismo, la literatura se vuelve más realista.A primera vista, podría opinarse que "El príncipe y el mendigo" es una novela histórica. Los hechos narrados nunca ocurrieron en Inglaterra, aunque están contados en forma realista. Cuando empiezan a alejarse del romanticismo, los escritores estadounidenses se lanzaron tras la búsqueda de la identidad de su país. Descubrieron, entonces, que mas allá de la epopeya imperialista había arduos problemas sociales y raciales, difíciles de resolver, además de enormes iniquidades, enormes diferencias entre pobres y ricos. Mark Twain ya había abordado este asunto, a su manera, a través de sus dos célebres personajes: Tom Sawyer y Huckleberry Finn. Otros escritores norteamericanos también habían hecho otro tanto, por ejemplo, Enriqueta Beecher, con "La cabaña del tío Tom" (1852), había concientizado a la opinión pública a favor de los derechos civiles de los negros. Henry Thoreau, en su novela "John Brown" (1859), mostraba cómo un esclavo negro le ponía armas en las manos a sus análogos de raza y luchaba contra los plantadores de algodón sureños.Tom Canty era un niño extremadamente humilde, pero honrado. Ayudaba a sus padres llevando algun dinero a su casa, trabajando en mil oficios, en el centro de Londres. El príncipe de Gales, Eduardo Tudor -hijo del rey Enrique VIII y heredero de la corona de Inglaterra tenía la misma edad y sin embargo, no era más feliz que Tom; aunque nunca le falto ningún juguete, siempre tuvo a su alcance los juguetes más caros del mundo. Una tarde, en medio de sus caminatas cotidianas, Tom llegó hasta las rejas del castillo. Se mostraba asombrado por sus interiores y maravillado por la guardia real que, como los soldaditos de plomo, practicaba su desfile de cada tarde. El príncipe se angustió. Cambiaron de ropaje y el príncipe salió del castillo en medio de la noche. Tom engullía toda su comida, alegrándose mucho el rey, acostumbrado a ver “a su hijo” demacrado, desganado y casi siempre enfermizo. Leía mucho, solía dar consejos de guerra a su padre, y siempre acababan sien de gran utilidad. Eduardo, por su parte, aprendió a trabajar y a apreciar el esfuerzo de la gente. El escolta tomó cautivo a Tom, amenazando con quitarle la vida si no aparecía el príncipe. La noticia llegó a los oídos de Eduardo, quien comunicó a la familia de su amigo que él era el verdadero príncipe, aunque nunca le creyeron. Tom alcanzó a librarse de sus cadenas, logrando evitar que nombrasen al nuevo rey; sin embargo lo apresaron nuevamente y en el momento cuando se aprestaban a coronar al rufián traidor, Eduardo que por entonces ya había convencido a los humildes, ingresó al castillo liderando un ejército de campesinos, impidiendo la traición y encarcelando a los responsables. Tom y Eduardo interpretan a la perfección el pensamiento de Mark Twain de que todo niño es puro. Príncipe y Mendigo se trata de un divertido relato que, como decíamos, trata de mostrarnos lo fácil que resulta mentir y engañar en determinadas situaciones –imaginar que la gente crea lo creíble- y lo arduo que es mostrar la verdad cuando, precisamente, no es creíble, es decir, no resulta verosímil. Todo ello a través de la narración de Mark Twain ágil y amena que siempre deja al lector alguna moraleja en sus obras.

Escrita por William Sakeaspeare probablemente en 1606, Macbeth está considerada una de las obras clásicas de la literatura de todos los tiempos. A pesar de ser una tragedia, es una de sus obras más populares del gran dramaturgo. Macbeth representa la tragedia de la ambición…Junto con Hamlet, Romeo y Julieta y Otelo, completa el grupo escogido de las obras más importantes del juglar inglés. Más allá de las controversias generadas respecto de la autenticidad de la obra, sus influjos, añadidos, posibles plagios, su sostén en hechos reales (incluso la propia existencia de Shakespeare está cuestionada y puesta en duda (la denominada cuestión shakespeariana)), la obra existe. Macbeth fue escrita en la época de madurez del dramaturgo, y bien puede catalogarse como una más de las obras oscuras de su madurez, aunque acabo siendo considerada una obra magistral. Atrás quedaron obras como Sueño de una noche de verano, Mucho ruido y pocas nueces o El mercader de Venecia, obras de una concepción distinta a Macbeth . Acertadamente como señalan no pocos especialistas, algo ocurrió en la vida del escritor en esos años que matizó toda su producción de una sentida oscuridad, a la vez que de profundas repercusiones. Borges siempre sostuvo que creía en Hamlet aunque no en sus circunstancias, en cambio, sí creía en Macbeth y en sus circunstancias. Hay un enorme acierto en la credibilidad de esta tragedia. Hay algo en esta obra de Shakeaspeare, que la hace más verosímil que otras obras del autor; tanto respecto de la historia como de los personajes. No sabemos exactamente qué cosa, pero hay algo que vuelve creíbles a Macbeth y a Lady Macbeth, ellos están vivos (tan vivos que nos parece verlos en cualquier circunstancia, y enmarcada en cualquier acción cada cierto tiempo.).Macbeth publicada en 1623, diecisiete años después de ser escrita `por Shakeaspeare es una de las tragedias más celebradas del dramaturgo inglés . Es una obra que gira en derredor de la traición y la ambición sin límite. Todo comienza cuando comienza cuando Macbeth y Banquo (dos soldados galardonados por sus acciones en la guerra) con tres brujas. Estas le anuncian a Macbeth que se convertirá un dia en rey, después de convertirse primero en señor de Glamis, y luego señor de Cawdor, También le avisan en forma de presagio a Banquo que sus descendientes más tarde o mas temprano serán reyes. Ambos se unen para asesinar a Duncan, el actual rey de Escocia. A partir de este momento el personaje de Macbeth empieza a recorrer una espiral que acaba por consumirle.Así las cosas, Macbeth acaba con la vida de su mejor amigo (Banquo) por que sospecha que sus hijos ocupen su puesto, así es como que cosecha un sinnumero de enemistades en diferentes esferas. Este libro es también concebido como una tragedia de orden en el recopilatorio de la obra de William Shakespeare. Macbeth cuenta una historia de crimen y castigo mezclada con grandes dosis de brujería y elementos sobrenaturales.Refugiado en las falaces profecías de las Hermanas Fatídicas, brujas o diosas del destino, Macbeth resuelve asesinar a su rey y apoderarse de la corona. Sabedor del horror al que se entrega, concibe su escalofriante des­tino y se deja investir por el mal que nace de la avidez de poder, pretendiéndose invencible y eterno. Esta obra lúgubre y turbadora, de una acción vertiginosa, es también profundamente reflexiva. A través de un lenguaje alegórico y sensual, el más denso lenguaje figurado de Shakespeare, sustentado en un torbellino de imágenes relacionadas a las tinieblas, la muerte, el salvajismo y la esterilidad, la obra se sumerge en lo prohibido, explora la trasgresión y le brinda al lector la oportunidad única de participar de la vida interior de un asesino, con su horror y su misterio . Macbeth y Lady Macbeth no son dos personajes disímiles, ni tampoco hay una división de los personajes (no son dos veces el mismo personaje) pero tienen un poco de eso…..Además, promediando la obra, hay un quiebre y luego parece haber como un movimiento donde los roles se entrecruzan Un gran hallazgo de Shakespeare es la forma de enfrentar el tema de la locura. Los descripciones al pintar los cuadros de sonambulismo, las ofuscaciones, las apariciones de las brujas, las angustias de los personajes, son otro punto a su favor No olvidemos que en la época de Shakespeare, comienzos del Siglo XVII, nadie hablaba el psicoanálisis ni siquiera se sospechaba de el, la psiquiatría se asentaba en unas cuantas teorías absurdas y la medicina era para muchos, poco más que un barbero con una sierra. No sería desacertado relacionare a Shakespeare, como dramaturgo y pionero del psicoanálisis. Macbeth ha inspirado infinidad de obras. Ha sido el punto de partida para películas más o menos fieles al texto, así como también ha imbuido obras musicales. . La historia se basa en denunciar la codicia; el teatro de la época era una buena escuela para enseñar los límites que el hombre no debería sobrepasar para conseguir sus objetivos. Presentarnos al rey Duncan como un gran regente, un gobernante a imitar y una gran persona solo vuelve a la traición un hecho más negativo, más duro, más execrable Así, en esta historia de trasmutaciones de la personalidad, Shakespeare nos demuestra, finalmente, la inconstancia del espíritu humano.

Julio Verne, nació el 8 de febrero de 1828 en la isla de Feydem en Nantes, Francia. Eximio escritor francés de novelas de aventuras, es considerado por muchos junto a H.G. Wells uno de los adalides de la ciencia ficción Después de Agatha Christie. Es el segundo autor mas traducido de todos los tiempos. Obras como Viaje al centro de la tierra (1864) y La vuelta al mundo en ochenta días (1873) evidenciaron su talento al fusionar la aventura con fundamentos científicos atrevidos como la teoría de la relatividad del tiempo y la documentación sobre material y equipo científico. También escribió numerosas novelas y cuentos entre los que sobresalen Viajes extraordinarios (1863), El desierto de hielo (1866), Los hijos del capitán Grant (1867-68), Veinte mil leguas de viaje submarino (1870), De la Tierra a la luna . (1865) y La isla misteriosa (1874). La historia ocurre en toda Roma. Miguel es cartero del Zar Ruso e irrumpen los Tártaros. A lo largo del camino, a Miguel, lo acompañó Nadia, una mujer que para poder encontrarse con su padre debía obligadamente hacer el mismo recorrido que él. Mientras el viaje continúa,y se van aproximando a Irkutsk los peligros se multiplican paso a paso. Durante un viaje en barco, los Tártaros le disparan a Miguel Strogoff y este cae al agua, y aunque no muere, es el momento en que se separa de Nadia. A muchos Miguel Strogoff de Julio Verne les puede parecer una historia previsible de aventuras pero más allá del argumento,es un conjunto de lecciones de excelente literatura.En Rusia, una incursión a manos de los tártaros en Siberia entorpece la soberanía del Zar. Su hermano, es el gran duque de Irkustsk, una ciudad dispuesta a 4.199 kilómetros de Moscú. El Zar es anoticiado del propósito de Iván Ogareff, un ruso conspirador que guió a los soldados del ejército tártaro, para embestir contra Irkustsk y por ello resolvió enviar un correo que se dirigió hacía la ciudad. Atravesó la estepa rusa, importándole poco la rigurosidad de su clima y su desolación, tarea que pocos wse atrevieron a realizar. Es ese el momento en que entra en juego Miguel Strogoff, hombre tosco y algo ordinario cuya misión va a ser llevar un sobre desde Moscú hacía Irkustk sorteando a los tártaros.La historia que nos cuenta Julio Verne es una aventura de reyertas y de supervivencia con esos compañeros de rutas entre los encontramos a Nadia – socorrida por el protagonista en el inicio- un periodista inglés y uno francés y Nicolás, un delegado de puesto de telégrafos.Verne detalla cada lugar de Rusia, cada espacio por el que atraviesa nuestro héroe, con tal minuciosidad de detalle que el lector siente que está interiorizado en el papel del personaje. Strogoff, el correo del Zar es de una escritura sencilla, con matices de humor en los diálogos, con la dosis exacta de emoción, este libro le hace honor a la excelsa imaginación del autor francés.El personaje creado por Verne se ha convertido en uno de los héroes de la literatura universal merced a sus rasgos de modestia, de amor, de cumplimiento del deber establecido, de humildad, de entereza frente a la humillación y el dolor. La obra de Verne es una obra impredecible, llena de sorpresas, con extrañezas hasta en la última página, Miguel Strogoff es un libro que presenta los sentimientos más nobles de los seres humanos. En oposición, Ivan Ogareff personifica todo lo malo que invade a los hombres ofuscados por la sed de venganza: odio, ambición de poder desmedida, violencia, engaños, traición.Viajar por Rusia a través de Miguel Strogoff es una prerrogativa que se vuelve más satisfactoria al tener la convicción de estar leyendo buena literatura.No es solamente una novela de aventuras, tambien es una muestra de exaltación de valores, y entre ellos la fidelidad. La fidelidad a los ideales, a la Patria, al señor, a la familia, a los amigos.Miguel Strogoff es una obra extraordinaria a la que uno se aproxima en la adolescencia, o incluso antes y a la que el lector vuelve, irremediablemente, tiempo después para descubrir que no ha transcurrido el tiempo por ella; .Las últimas páginas de la novela son dotadas de gran hemosura: el reencuentro de Nadia con su padre, el hallazgo de Miguel Strogoff de que en realidad no estaba ciego, el reencuentro con su madre, Marfia, y el retorno a la corte, después de rendir merecido tributo a Nicolás, que fue apresado y asesinado por los tártaros, y, como momento sobresaliente de la historia, su mutua declaración de amor.Con Miguel Strogoff, Julio Verne se aparta de su género favorito, la ciencia-ficción, y podemos certificar, no sólo que se maneja a la perfección con este nueva materia, sino que la eleva a una categoría extraordinaria y sublime

“Muy pronto en mi vida fue demasiado tarde. A los dieciocho años ya era demasiado tarde. Entre los dieciocho y los veinticinco años mi rostro emprendió un camino imprevisto. A los dieciocho años envejecí. No sé si a todo el mundo le ocurre lo mismo, nunca lo he preguntado. Creo que me han hablado de ese empujón del tiempo que a veces nos alcanza al transponer los años más jóvenes, más gloriosos de la vida. Ese envejecimiento fue brutal. Ví cómo se apoderaba de mis rasgos uno a uno, cómo cambiaba la relación que existía entre ellos, cómo agrandaba los ojos, cómo hacía la mirada más triste, la boca más definitiva, cómo grababa la frente con grietas profundas. En lugar de horrorizarme seguí la evolución con el interés que me hubiera tomado, por ejemplo, por el desarrollo de una lectura”.Así empieza El Amante de Marguerite Duras; la mismísima Marguerite fue la primer sorprendida al ver Que- sin proponérselo - su obra ocupaba, por largas semanas, el primer puesto en la nómina de los best-sellers .La ficción posee una importante carga autobiográfica, aunque la autora desestima la idea que sea una confesión, ni siquiera una historia amorosa. Una joven muchacha quinceañera (que no es otra que ella misma) se relaciona con un adinerado comerciante chino en Saigón. La destreza objetiva de Duras es pura maestría: recurre al distanciamiento objetivo para contarnos (sin adjetivarlo) el despertar de su propio deseo. En palabras de la autora: “La protagonista no busca el amor, persigue el deseo, un deseo más poderoso que ella misma. Y busca su libertad”.Con El amante, el lector, disfruta goza de una rara atracción literaria. La estética cautiva con un ritmo que transita junto a los cuerpos, pues la historia está relatada por uno de los protagonistas de la relación. .Quizás sea El Amante el libro más reconocido de esta autora francesa, por el que fue recompensada con el premio Goncourt 1984 y fue traducido a cuarenta idiomas. La obra de Duras constituye el final y el resumen de la extensa y rica vida de Marguerite Duras (1914-1996), una de las intelectuales francesas más importantes del siglo XX que contó con una prolífera obra literaria.El amante es una nouveau roman; la historia de amor entre una niña blanca de quince años de edad y un joven y rico comerciante chino, en la Indochina francesa de finales de los años veinte. La historia refleja los años espinosos de su adolescencia, transformándose en una obra auto referencial fascinante en todos los aspectos. El amante no responde a las formas del relato convencional sino que, como la misma autora admite , es una sucesión de comentarios fusionados por un secreto eje interior, que giran en torno a temas de carácter social, como lo son la situación colonial, el racismo y la descomposición administrativa. Al concluir la lectura de L’Amant el lector experimenta la necesidad tener que agradecer a su autora, Marguerite Duras, la clarividencia implacable y la magnificencia con que nos brinda la reconstrucción de su entristecida y vital infancia en la Indochina francesa. En la Saigón de los años veinte, la adolescente personaje del libro, una niña blanca y francesa, hija de la burocracia administrativa colonial, protagoniza una historia de amor con un joven primogénito, sucesor de la burguesía china. Después del regreso y la muerte del padre en Francia, la familia queda expuesta a una oscilación incierta entre la inestabilidad económica y las apariencias, entre la enajenación y la humillación. Es con este trasfondo social de descomposición y decadencia, desde su lugar en un cuadro familiar de obscenidad e impudicia, que la autora nos va llevando al universo de fuerzas enfrentadas en el que encontramos a esa adolescente de profunda inteligencia y de bravío espíritu librepensador. Nadie podrá mostrarse indiferente ni sustraerse a la emoción que nos depara la narración autobiográfica en la que la autora nos cuenta una historia de amor, esa historia de amor de la que ella es protagonista contando con apenas quince años junto a un rico comerciante chino de veintiséis.Esa jovencita bellísima, pero desdichada, que vive en Indochina, no es otra que la propia escritora quien, hoy, conmemora las relaciones apasionadas, de grandes amor y odio, que desgarraron a su familia y, de pronto, dejaron prematuramente en su rostro los despiadados surcos de la madurez. Pocas personas -y especialmente mujeres- se mantendrán exentas a la contagiosa fogosidad que resulta de este libro. En cualquier caso, El Amante de Marguerte Duras, es –a no dudarlo- una obra maestra. Con un estilo sencillo y sorprendente por lo moderno que resulta, es una novela que nos habla sobre sentimientos, sobre la historia que vivió la propia Duras, en Indochina Quizás aparente tan innovadora porque cuenta la vez una aventura amorosa, el proceso de formación de una personalidad en una adolescente y la elaboración del discurso literario de la autora, a través de su mismismo relato.. El resultado es alucinante.Marguerite Duras (Vietnam, 1914-1966), novelista, guionista y directora de cine, transcurrió su infancia y adolescencia en la Indochina francesa, a los 18 viajó a Francia, combatió en la Resistencia, participó en el Partido Comunista hasta que la expulsaron y publicó su primera novela en 1943. Cuarenta y un años después de obtener un resonante éxito con «El amante», se la empezó a considerar en el universo literario, una de las grandes autoras francesas del siglo XX.

Anna Karenina del gran ruso León Tolstoi, a diferencia de la monumental Guerra y paz, no fotografía una época, ni un país entero ni una terrible guerra sino el alma de una mujer y de algunos hombres. Nos cuenta acerca de un amor clandestino emplazado en el tiempo de los zares. Anna Karenina es, en cierta forma, la culminación heroica del camino que había abierto veinte años atrás la historia de la caída en desgracia de la adúltera Emma Bovary. Sin embargo, lo que en Flaubert hay de reparación casi opresiva, cobra ribetes casi abstrusos en Ana Karenina. Aunque la historia puede considerarse tanto, similar, las resoluciones no son duales. Ana, esposa del alto funcionario Karenin, se enamora perdidamente de Vronski, un apuesto militar. Cuando Ana resulta embarazada por Vronski, se fuga con éste a Italia, desafiando así el sometimiento a las normas sociales que le exigía su marido. Simultáneamente al hecho que la alta sociedad rusa le da la espalda mientras, a nuestra heroína se le reduce el cerco que culminará cuando tome la decisión de suicidarse ya que su marido no quiere concederle el divorcio y le niega la posibilidad de ver a su hijo. Angustiada y , abrumada por los celos, Ana se lanza bajo las ruedas de un tren. Ana Karenina cuenta con dos historias que corren paralelas a lo largo de la novela: la historia de Ana y la historia de Levin. La historia de Levin es una mirada sobre la naturaleza pastoril de Tolstói y una confirmación de la visión del novelista de la vida simple. La belleza de las estaciones y la labor avisada de cosechar captan toda la atención de Levin. La relación de Levin con la tierra y la vida desentonan con las pasiones turbias y destructivas de Ana. La aparición de Ana en la novela constituye una grieta en el tranquilo mundo que consiente que prevalezcan la pasión y la irracionalidad. Una crisis en el hogar es el motivo para que Tolstoy comience a contarnos la historia.El libro comienza con una crisis en el hogar. El hermano de Ana, Stiva, ha sido descubierto en un affair amoroso por su esposa, Dolly. Ana logra persuadir a Dolly para que lo perdone, por lo que rápidamente, el lector observa en Ana a una persona magnánima, interesada sólo en demostrar compasión e indulgencia. Está casada con Karenin, un hombre de clase adinerada y con una prominente condición social. Ana se relaciona y no tarda en enamorarse del Conde Vronsky, hombre apuesto y galante . Aunque ella pretende eludir sus miradas, para no encontrarse con él, él es perseverante y ella está cautivada por su amor. Ellos tienen un amorío que quebranta las reglas y los esquemas de su vida social después del momento cuando Ana queda embarazada. Sin embargo, Ana no puede abandonar a Vronsky y continua viéndolo con frecuencia. Karenin termina de comprende el alcance de este amorío cuando ve a Vronsky entrar y salir varias tardes de su casa, y pide el divorcio. Ana, por su parte, corre a los brazos de Vronsky.Después de tener el hijo con Vronsky, Ana cae enferma gravemente. Sin embargo, Ana recobra su salud y olvidando se rápidamente de su promesa y de Karenin, una vez más reanuda su ardiente romance con el conde. Mientras Ana estuvo enferma, Karenin nunca se separó de a su lado, entretanto Vronsky fue humillado por lo que había hecho. Tuvo la intención de suicidarse disparándose él mismo, pero no murió, al igual que Ana, no murió.Ya recuperados Vronsky y Ana viajaron a Italia, mientras Karenin desistió de seguir avanzando con el divorcio con Ana, dolo con el fin de hacerla sentir más culpable. La vida de Ana se volvió difícil de sobrellevar. . Sus amigos la abandonaron, avergonzados por su comportamiento. Ella pronto se vio imposibilitada de poder salir en público con Vronsky, al teatro o la ópera, porque serían repudiados por los demás y se convertirían en objeto de rumores y patrañas. Vronsky, sin embargo, empieza a salir sin Ana, él se sentía libre de poder hacerlo. Ana se vuelve sumamente insegura, imaginando que Vronsky sale tanto porque está enamorado de otra mujer. Sin embargo, él solo está en amores con Ana, y los dos riñen a menudo debido a que Ana tiene la certeza que el hombre le es infiel, Nuestra protagonista acaba por entender lo compleja de la situación en la que se encuentra. Ella pretende reconsiderarlo brevemente antes de que el tren la arrolle, pero no tiene tiempo de esquivarlo. Catalogada como la última novela del primer estilo del autor, es la primera en que se reflejan las incesantes crisis morales que sobrellevó el escritor en aquella época..Ana Karenina, es una conmovedora historia de adulterio en el ámbito de la alta sociedad rusa de la época. En ella Tolstói muestra su visión de la sociedad urbana, símbolo de los desenfrenos y el pecado, en contraste a la vida sana de la naturaleza y del campo. De ese mundo insulso y malsano de la ciudad es víctima Ana Karenina, que de la mano (y desde la imaginación de Tolstoi) se ha convertido en una figura preponderante de la literatura universal.

No resultaría apresurado afirmar que la publicación de La Montaña Mágica de Thomas Mann marcó un antes y un después en el universo de la escritura: Mann mantiene en alto la expectativa del lector durante centenares de páginas sin recurrir en la trama a grandes enigmas, ni a sorprendentes hazañas, narrando tan solo los hechos que ocurren en un sanatorio de enfermos con afecciones pulmonares, y la vida de sus pacientes. La idea de “La montaña mágica” se originó a propósito de una breve internación de la mujer de Thomas Mann, Katia, en un clínica que cobijaba pacientes con características muy similares al de la novela. Mann se sirve de la excusa perfecta para reflejar de manera minuciosa la decadencia de la sociedad burguesa en los umbrales del siglo XX en los años que precedieron a la Primera Guerra Mundial: el mundo de aquella sociedad se derrumbó, su forma de vivir y de entender su realidad se esfumó para siempre. Y ese ocaso final, esos últimos tiempos, quedan aquí irreprochablemente reflejados, con la escrupulosidad de un cirujano. Una vez concluida la guerra nadie volvió a ser quien fuera antes y, aunque la novela finaliza justo cuando la guerra sumaba sus primeros días bélicos, el final abierto y absolutamente demoledor ofrece al lector una idea ciertamente aproximada de lo que ocurrió entonces. A lo largo de la novela desfilan decenas de personajes, en su mayor parte enfermos de larga convalecencia ingresados en el sanatorio, pero también sus familiares, los médicos... todos y cada uno de ellos, al le lector le parecerán inolvidables. La montaña mágica" es quizá la obra más célebre de Mann y la más leída por varias generaciones de lectores. No es fácil aproximarse a una novela como ésta. Sus mil páginas tal vez puedan amedrentar a más de un posible lector. Si a eso se suma su por momentos inacción, su ritmo pausado y las acciones de los personajes, más imaginativas que dinámicas, a algún lector desprevenido podrá parecerle estar frente a una obra extremadamente larga y tediosa . Nada más lejos de la realidad.La montaña mágica es uno de esos libros nada fácil de comprender: en esta gesta de Thomas Mann se dan cita innumerable cantidad de temas, de referencias, de universos; el maestro alemán derramó en esta novela toda su sabiduría y su gran caudal de conocimientos, convirtiendo la aventura —estática y casi inmutable— de Hans Castorp un microcosmos en el que el lector podrá encontrarse con todo lo que antes imaginaba Y es que entre los desafortunados vaivenes de la Primera Guerra Mundial, el alemán Thomas Mann daría forma a su más célebre novela: La montaña mágica. La historia del muchacho Hans Castorp, ingresado en un sanatorio de los Alpes suizos, ha sido imaginada por muchos como una de las novelas más significativas de la primera mitad del siglo XX.. La historia se inspiró directamente de la vida real. La mujer de Mann, Katia, estuvo ingresada en un sanatorio cerca de Davos y la correspondencia que mantuvieron ellos dos, en la que la esposa le narraba sus experiencias en la clínica, valdrían de inspiración para el inicio del manuscrito- En él se forjan de manera explícita los pensamientos políticos del propio Mann, especialmente a través de dos personajes: Settembrini y Leo Naphta, que pugnan por el rol como tutores del joven Castorp. Mientras Settembrini personifica los valores de la burguesía (a los que Mann se incluye), Naphte es la encargada de mostrar las contradicciones de los pensamientos totalitarios .Finalmente, Hans Castorp se ve asimilado a la femineidad como parte de su formación. Ella es Clawdia Chauchat, una mujer mundana enfermiza cuya función es la de cautivar la vitalidad del héroe a través de su propia atracción sexual. Clawdia es el elemento voluptuoso de la novela, la revelación del amor físico por parte de Castorp. Sin embargo, su amor por ella empezará porque le recuerda a un compañero de la infancia, circunstancia que no hace mas que poner de manifiesto la bisexualidad del protagonista.Thomas Mann empezó a escribir la novela en 1912, después que su esposa quedara internada en el Sanatorio Wald de Davos . Si bien inicialmente la imaginó como una novela corta, el proyecto fue creciendo a medida que transcurría el tiempo hasta convertirse en una obra mucho más extensa. Por su hondura y la magnitud del debate que plantea, “La montaña mágica” es una de las más sobresalientes novelas de Thomas Mann, a tal punto que en 1929 recibió el Premio Nobel de Literatura. El interés de la novela se asienta en la perfecta reproducción de la vida interior, afectiva e intelectual, de la vasta galería de personajes que despliega Mann ante los ojos del lector. Todos ellos son perfectamente definidos y atrayentes por sí mismos. La montaña mágica es además de la mejor obra de Thomas Mann, uno de los libros más revelantes de todos los tiempos. Esta novela es un importante fresco de la Europa de principios del siglo XX, y también una de los más intensos y agudos sondeos de la condición humana. La maestría para mostrar las contradicciones sociales y espirituales de su época, la preconizada sensibilidad en la elaboración de personajes y la aguda sabiduría que despliega Mann en La montaña mágica convierten esta obra en una lectura que exhorta a la vez que lanza un desafío tanto a la sensibilidad como a la agudeza de cualquier lector.

Doña Bárbara a poco de ser publicada se convirtió en un hito en la literatura del país latinoamericano y del continente ya que marcò el paso de la novela realista a la costumbrista. La imagen de esta mujer endurecida por los golpes que le deparó la vida , recia, casi hombruna, que difiere con la de Santos Luzardo, el protagonista masculino, han querido mostrarse siempre como la lucha entre formas de enfrentar la vida, opuestas e irreconciliables. Rómulo Gallegos, su autor, ha querido mostrar a través de la obra, la Venezuela de las primeras décadas del siglo XX, que pasa progresiva y casi imperceptiblemente de ser un país con una mayoría de población analfabeta y rural, a ser convulsionada por el progreso y la modernización que trajo consigo el petróleo con la firme emigración a las ciudades y el aumento de los índices de escolaridad. Gallegos, profesor, político –llegó a convertirse en Presidente de su país- y hombre de estado, es, además, el novelista que mayor celebridad alcanzó antes del ‘boom’ de los años sesenta. Doña Bárbara (publicada en 1929) es, probablemente, su más sobresaliente novela. La protagonista es una mujer poderosa de los Llanos venezolanos a la que una dolorosa circunstancia, ´--fue violada por unos piratas que, además, asesinaron a su novio- la ha llevado a convertirse en una mujer enérgica y carente de escrúpulos. Valiéndose de su cuerpo y de la corrupción de la Administración, ha ido adueñándose de las tierras de otros hacendados. Uno de los pocos que restan es Santos Luzardo, quién vuelve del extranjero para poner orden en su rancho.Doña Bárbara ha tenido una hija, Marisela, a la que ha abandonado y que Luzardo ampara y protege. Doña Bárbara es una mujer sin escrúpulos. Doña Bárbara su historia es muy triste. Ella tenía quince años y era muy Hermosa e inocente. El mismo día que asesinaron a Asdrubal fue violada por tres hombres. Cuando murió Asdrubal el corazón de Doña Barbara se volvió mucho menos contemplativo así fue como ella se convierte en “la devoradora de hombres.” En el libro Lorenzo se enamora de ella y el jura hacerla amar a todos los hombres que la hicieron daño, y ella a su vez se juramenta acabar con todos los hombres que ella odia en el . Ella acaba destruyéndolo quitándole La Barquereña y lo echa de la casa junto con Marisela, su propia hija. Doña Bárbara representa el atraso y la ferocidad de la gente salvaje. Ella es violenta y malvada aunque demuestra tener sentimientos y le aflora una cierta ternura cuando aparece Santos Luzardo, el dueño de Altamira. Después de muchos años Santos Luzardo, el heredero de La Altamira, regresa después de la muerte de su madre con un solo propósito: vender La Altamira. Regresa como graduado de la universidad, bien educado y civilizado. Al regresar a La Altamira el se topa con la lanza que todavía esta en la pared tal como quedara el día en que su padre asesinó ha su hermano Felix a raíz del conflicto que había entre La Altamira y La Barquereña, la hacienda de su tío.. Al encontrarse con la lanza resuelve no vender La Altamira, sino reponerla. El empieza por buscar a Lorenzo Barquero, su primo y el heredero de La Barquereña, antes de que lo despidiera a Bárbara. Al ir a buscar a su primo se encuentra con su hija, Lorenzo es un alcohólico , y su hija Marisela, aunque hermosa, no otra cosa que una salvaje. El decide educarla y enseñarla a comportarse como una mujer civilizada. Doña Bárbara es la mamá de Marisela. Ella destruyo a Lorenzo Barquero y echó a el y a su hija de La Barqueña. Mientras Santos procura sumar innovaciones para restaurar a La Altamira intenta convertir a Marisela en una muchacha culta.Doña Bárbara trata de seducirlo solo para unir las dos haciendas que antes eran una sola. Finalmente Marisela aunque se enamora de Santos huye de la casa porque esta avergonzada de ser hija de “la dañera” y regresa con su padre. Termina matando a un hombre que Doña Bárbara enviara para matarlo a el. Santos en realidad no lo mato, fue su servidor Pajarote, pero piensa que el lo hizo. Lleno de furia llevó al cuerpo del Brujeador, el hombre que Doña Bárbara enviara, y lo deja allí en frente de la casa de Doña Bárbara. Al regresar después de lo ocurrido Santos se sorprende al ver iluminada la casa de de Marisela. Cuando Doña Bárbara se entera de esto se enoja tanto que se dirige a La Altamira resuelta a matar a Marisela, su rival, e hija Cuando llega ella los encuentra sentados a la mesa donde recién habían acabado de cenar. Ella se ve tan feliz, y de repente Doña Bárbara se acuerda del pasado reciente. Recuerda a Asdrubal y al rememorar el amor que ella tiene para el en su alma, se esfuman sus malvadas intenciones malvadas. Publicada en 1929, la impronta de Rómulo Gallegos registrada en Doña Bárbara conserva toda su frescura original. Doña Bárbara es una novela que nos recuerda que el placer de la lectura es posible, y ello sucede merced a la maestría narrativa de un autor que logra afinar su creación por medio de unos personajes que se emancipan de un modo natural del discurso ideológico que recorre toda la obra.

Cuando el joven marino Dantes esta a punto de lograr lo que siempre deseo---convertirse en capitán de un barco, otro marino llamado Danglars también aspirante a capitanear la embarcación, lo acusa de agente bonapartista, acusación que acaba con él en p`risión, prisión que cumple en el castillo de IF. ES allí donde ser hace amigo de Faría y con el planea escapar, sin embargo este muere, no sin antes dejarle como obsequio un tesoro en la isla de Montecristo. Dante escapa, se adueña del tesoro, y se cambia el nombre por el de Conde de Montecristo. Luego planea su venganza y decide marchar a Marsella nuevamente para ver cómo marchaban las cosas, y alli se percata que los traidores que lo culparon habían triunfado en la vida y Morrel, que lo había socorrido antes, estaba casi en la ruina. El conde de Montecristo lo ayuda, e invierte diez años de su vida para elaborar primero, y consumar después su venganza, primero causa que Fernand, quien se había casado con su amada y había tenido un hijo con ella , se vea involucrado en un juicio y resulte deshonrado, después de lo cual su esposa y su hijo lo abandonan y éste se suicida. Danglars se ve inmerso en una bancarrota, ya que se había convertido en el banquero más rico de París, y se marcha a Italia, y por último, Villeford si bien es condonado, su segunda esposa y su hijo no soportan tanta humillación, y acaban su vida envenenándose Al final el conde arrepentido y percatado del mal que causó se perdona a si mismo y a sus enemigos..El conde de Montecristo (Le comte de Monte Cristo), novela de aventuras clásica de Alexandre Dumas padre, esta considerara por los entendidos como el mejor trabajo de Dumas, y a menudo suele verse incluida en las listas de las mejores novelas de todos los tiempos. El libro se concluyó de escribir en 1844, y fue publicado en una serie de dieciocho partes durante los dos años siguientes. Dumas contó con la la colaboración de otros autores para escribirlo.La historia tiene epicentro en Francia, Italia y varias islas del Mediterráneo durante los hechos que jalonaron la historia entre 1814 y 1838 (el final del mandato de Napoleón I de Francia y el reinado de Luis Felipe I de Francia). Dumas aborda con singular maestría los temas de la venganza, la misericordia y el indulgencia y está narrada con la impronta de una historia de aventuras.Dumas le dio forma al argumento idea de El conde de Montecristi imbuyéndose en una historia real que encontró mientas ahondaba en las memorias de un hombre llamado Jacques Peuchet. Peuchet detallaba la historia de un zapatero llamado François Picaud que vivía en París en 1807. Picaud se involucró sentimentalmente con una mujer adinerada , pero el hombre nunca contó con que cuatro amigos celosos lo acusaran sin ninguna prueba fehaciente de convertirse en un espía de Inglaterra. Sufrió cárcel durante siete años, y durante su reclusión, un compañero de prisión moribundo le dejó a modo de herencia un tesoro escondido en Milán. Cuando Picaud fue redimido en 1814, tomó posesión del tesoro, regresó bajo otro nombre a París y consagró diez años de su vida a delinear su exitosa venganza contra sus viejos amigos. Dumas intentó dar a conocer las injusticias que sufren muchas personas que son privadas de la libertad o procesadas sin causa justificada, y tienen que pagar por algo que no han hecho, también Dumas quiso dar a conocer que la venganza lo acaba consumiendo a uno, y que a veces perdonar aunque suponga un gran esfuerzo es lo más razonable. Alejandro Dumas no sólo se apoyó en el hecho real, sino también de otras obras y tradiciones para esbozar la idea final del Conde de Montecristo, principalmente porque a lo largo de la novela sobresalen las menciones del Oriente, las destrezas y los problemas, fisonomías y perfiles que encontramos en “Las mil y una noches”. Otra influencia es la del pseudo-veneno, recurso sumamente utilizado en la literatura, más conocido en “Romeo y Julieta”. Las falsas imputaciones que le hicieron a Dantés tienen su influjo en Eugéne Francois, reverenciado como el primer detective a nivel mundial. Si bien la trama puede resultar en varias ocasiones complicada, ese rasgo distintivo le concede un aspecto único a la novela. Dantés se viste con las ropas de un espíritu guardián y un ángel vengador de Dios. Es un espíritu guardián con las personas que lo ayudaron, mientras que es un ángel justiciero de Dios con quienes lo damnificaron. Sin embargo cuando un inocente resulta perjudicado durante su venganza, se percata que sólo Dios es quien realmente confiere la verdadera justicia.

Aun cuando nunca alcanzó la popularidad ni el éxito de ventas de otros trabajos de Dickens, Tiempos Difíciles resulta un producto sumamente interesante . El autor inglés se dedica a examinar esta vertiente del pensamiento, sus cánones principales y como de qué manera se forma a las personas. “Tiempos difíciles “empieza esbozando una critica despiadada sobre la educación inglesa que absorben los niños, flemática e irracionalmente lógica, por supuesto sustraída de todo vestigio de afecto. A la vez, la novela muestra las condiciones de vida en la Inglaterra de 1840, en pleno apogeo de la Revolución Industrial, y las intolerantes relaciones entre el capitalismo y la clase proletaria. Los personajes que encontramos estas páginas son más arquetipos sociales que otra cosa: un padre que, persuadido de que sus métodos de educación resultan incontrastables, observa derrumbarse a su familia casi sin poder evitarlo; su hija, ligada a un matrimonio sin amor con un hombre que es paradigma del mal; un joven tanto inescrupuloso como insaciable que no se inhibe a cruzar los límites de la ética; una niña que resultará ser el resguardo de todos, ejemplo de moralidades, dejada de lado por su propio padre; el obrero misericordioso, cuya muerte lo convierte en un abnegado de su honradez; la parodia de la aristócrata; la proletaria sindicalista enmarañada y ofrendada por el hombre que ama. Asi las cosas, mas allá de la aflicción que impera en Tiempos difíciles, Dickens no puede dejar de plantear una nota de esperanza. La fantasía del circo, como sociedad sin apremio, convertida en utopía imposible para el mundo real; los valores humanos encarnados en personalidades individuales; la idea de que continuamente se está a tiempo de cambiar, y de que las decisiones desacertadas que se tomaron en el pasado no necesariamente deben volver a repetirse. Tiempos difíciles ha sido a menudo considerada la más social de las obras de Dickens, desde la circunstancia que en ella se fotografía más que en ninguna otra la vida obrera y las relaciones de asalariados y patrones. Aunque tal afirmación es cierta solo en parte, puesto que, aun cuando es verdad que trabajadores y movimientos sindicales ocupan u lugar importante en la obra, también lo es que dicho tema no resulta tan fundamental como se ha querido ver, sino que recibe, al contrario, un tratamiento tan oblicuo como epidérmico. El problema social aparece en el argumento, innegablemente, como un foco de contraste, sin embargo su trascendencia no pasa de ser circunstancial. El argumento de Tiempos difíciles, su nudo narrativo, no es otro, en realidad, que la diatriba al pensamiento utilitarista que tanto impacientaba a Dickens, la educación sustentada en criterios empíricos y en el elemental conocimiento estadístico, cuya simiente arrastrará a los diversos personajes de la novela, por diferentes caminos, a la desgracia. Dickens desplegará el variado mosaico de criaturas que han de darle forma final cuadro, algunos de ellos ciertamente atrayentes: Mr. Sparsit, la aristócrata venida a menos y convertida en ama de llaves de Bounderby,; James Harthouse, el desfachatado e insolente gentilhombre londinense, sin ideal alguno, será la carga que acabará demoliendo el mundo frío y riguroso que una educación utilitarista había empezado ya a resquebrajarse. De cara a esta séquito de bufones, Dickens nos aproxima al lado más humano de Coketown a través de la clase obrera. Se trata de la compasiva bondad de Rachael, mujer-ángel en quien Dickens vuelca la compasión como un paliativo para el mundo, y del mezquino y desventurado Stephen Blackpool, obrero en una fábrica de Bounderby a quien el amor puro de Rachael redime del infortunio de su vida. Por último, otra de estas mujeres-celestiales, tan habituales en Dickens, será la encomendada de pacificar el aritmético desierto de Coketown: se trata de Sissy Jupe, la niña abandonada por su padre, contorsionista de circo, a quien Thomas Gradgrind, en un arrebato de bondad, resuelve criar como hija propia. En primer lugar, y a pesar de algunas anomalías (particularidades características de la novela de folletín), debe elogiarse a Dickens por su elogiable maestría narrativa, propia de un magnifico escritor. La destreza de Dickens es realmente virtuosa cuando se plantea la necesidad de sondear las rodeos de sus personajes más oscuros, por ejemplo ya sea en la ociosidad de un alma a la que no se le ha consentido, a pesar de sus empeños, llegar a realizarse , como en el caso de Louisa, o como en el caso de Tom, en los perniciosos efectos de una educación sin lugar para la fantasía, o, en el caso de Harthouse, en la procacidad de quien, frente al vacío espiritual del mundo, se cobija en las formas. Y, finalmente, el sarcasmo: esa brillante ironía de Dickens, que nos provoca una sonrisa espontánea al leer sus libros, pero pensar también simultáneamente, no sin un dejo de amargura, si la radiante esperanza que trasuntan sus historias, , no terminaría convirtiéndose en el último refugio de una alma sumamente sensible ante la crudeza de su tiempo. Puede que “Tiempos Difíciles” no  sea la novela más comprometida de Charles Dickens; sin embargo es una novela grandiosa, descomunal, que necesita una lectura profunda y que no deja de ofrecernos sorpresas atrayentes a lo largo de su lectura. Leer a Dickens no solo es necesario, es casi imprescindible, pero en el caso de “ Tiempos Difíciles” esa obligación adquiere una relevancia sobresaliente

El Fantasma de la Ópera imaginada por Gastón Leroux en 1909, está ambientada en el París del siglo XIX, precisamente en la Ópera Garnier, un edificio suntuoso y monumental erigido sobre un lago subterráneo entre 1857 y 1874. Los empleados por ese entonces afirmaban que la ópera estaba hechizada por un fantasma recóndito que provocó un sinnúmero de accidentes. El fantasma de la ópera (le fantôme de l'Opéra) extorsiona a los dos gerentes de la ópera para que le abonen veinte mil francos al mes y le reserven una compartimiento privado para los conciertos, ya que él componía todas las óperas que se presentaban allí, también se ocupaba de realizar arreglos musicales. Mientras, la joven heroína Christine Daaé ( engañosamente sugestionada en la diva sueca Christina Nilsson) que imaginaba estar regida por un Ángel de Música aparentemente enviado por su padre, alcanza un éxito súbito en el escenario en cuanto suplanta a la hasta entonces "Prima Donna" Carlotta, que tuvo que ser reemplazada dos veces porque enfermó con extraños síntomas. En esta versión de la historia, Carlotta es reemplazada debido a que Erik, el fantasma, al dejar caer un telón de gran tamaño sobre Carlotta, ésta termina lesionada y debeabandonar la presentación de esa noche. Christine, gracias a una espléndida actuación, rápidamente gana los corazones del público, incluyendo el de su amor de infancia, el Vizconde Raoul de Chagny.El fantasma sintiéndoseceloso de la relación de Christine con Raoul, la invita a visitarle, proponiéndole que conozcasu mundo debajo del edificio. Ella acepta la invitacióny abajo en las catacumbas acaba por descubrir que su ángel no es otra cosa queun genio musical deforme que lleva una máscara para disimular su rostro espeluznante. Ella grita de terror al observar su verdadera imagen, y es allí cuando el fantasma la encierra en su hogar, consintiendo en liberarla sólo cuando ella se comprometa a visitarlo nuevamente de manera voluntaria .Chistine está entusiasmada por el amor del joven y encantador vizconde Raoul, pero no deja de sentirse atraída la misteriosamente por la bellísima música del fantasma. Cuando ella se da cuenta de que su ángel es el mismo fantasma de la ópera responsable de accidentes y asesinatos, ella y Raoul deciden casarse en secreto y escapar de París, fuera del alcance del fantasma. El fantasma pone al descubierto su plan, y durante la interpretación de Christine como Marguerite en la ópera Fausto de Charles Gounod, deja la opera en tinieblas y aprovechando la oscuridad la secuestra en pleno escenario, pero esta vez con la intención de no liberarla más Como estratagema para vencer al Fantasma y que la ley haga justicia definitivamente, resuelven presentar su ópera, sabiendo que el Fantasma se presentaría de una u otra forma, así las cosas deciden poner a Christine en el papel de protagonista, como señuelo para atraer y "complacer" al fantasma. Después de una estupenda representación, durante la que la bella corista se siente renovaday misteriosamente hechizada con el cantar de este hombre, él se la lleva a su hogar nuevamente, pero esta vez, con la intención de no liberarla más, separándola de Raoul, su prometido, yaen los subsuelos del teatro la ató con la intención de obligarla a amarle. Cuando el Fantasma de la Ópera escapa con Christine por un pasadizo que solo él conocía, deja caer ex profeso el maravilloso candelabro de cristal francés,, con lo que provoca un incendio que destruye el teatro. Casi simultáneamente Raoul corre al rescate de su futura mujer, y logra llegar a los aposentos del Fantasma, guiado por Madame Giry, y al llegar, el Fantasma lo atrapa con el propósito de matarlo, pero cuando recibe un inesperado beso de su amada Christine (que ama a ambos hombres, pero de maneras diferentes), se percata de la monstruosidad que está cometiendo y libera a ambos. Entonces, triste y perturbado, su asombro se refleja en su rostro: sobre la sepulcro de la que fuera su amada encuentra una rosa roja, lo que demuestra que el fantasma de la Ópera, tantos años después, continúa vivo y amando a Christine. Luego, la rosa recupera el color perdido, y se apaga una vela. A medio camino entre la novela de misterio y la novela de terror, El fantasma de la Ópera se adentra en el fascinante mundo de los escenarios para extraer su inspiración de los enigmas que se esconden tras los telones y entre decorados. En ese mundo encontró Gaston Leroux el lugar ideal, las argucias y los personajes de la gran tradición gótica: un edificio de la Ópera casi inabordable (con sus pasillos húmedos que se aproximan a trampas mortales, un lago subterráneo...), un ser lúgubre, abrumado por su extrema deformidad y por su fiereza, pero entusiasta por la música y enamorado hasta el límite de la belleza, personificada en una joven cantante de ópera. Es el sufrimiento de este personaje al límite de la pasión y de la angustia lo que ha encumbrado a El fantasma de la Ópera entre los grandes mitos de la novela gótica -o de terror-. 

En1894 el Servicio de Contraespionaje Francés se apoderó de una información que dio lugar a uno de los mayores aquelarres de la época: una carta escrita a mano y dirigida al agregado militar alemán en París, donde se detallaban características fundamentales de la artillería francesa. Tras un estudio caligráfico realizado por militares de altos cargos se precisó que el autor de la nota era Alfred Dreyfus, un joven alsaciano judío, al que se culpó de espionaje. Se lo condenó a cadena perpetua y el destierro a la Guyana francesa. Durante el juicio se demostró la existencia de contundentes pruebas que demostraron la responsabilidad del hombre -pruebas que nunca salieron a la luz. La familia buscó desde el primer momento sustento político y el apoyo de los medios para repetir el juicio. Este caso provocó una formidable división en la Francia de entonces, con intensos rasgos antisemitas. El escritor Émile Zola se convirtió en adalid de los defensores de Dreyfus y, por extensión, de la defensa de los derechos de la república francesa, poniendo en tela de juicio desde el un primer momento la ecuanimidad del juicio y la culpabilidad del militar.En 1896 nuevas pruebas señalan a un general francés de origen húngaro como el autor de las cartas dirigidas al agregado militar alemán. Examinando las letras, se demuestra la similitud entre ellas, y la necesidad de reconsiderar el juicio. Es en ese momento cuando grupos de extrema derecha y fanáticos actúan para evitarlo. El nuevo pretendido culpable será procesado en 1898, y sometido a un breve juicio del que salió eximido. Émile Zola, a consecuencia de esto, publica en el periódico L'Aurore una carta dirigida al presidente francés, revelando la trama antisemita del caso Dreyfus y denunciando nombres de altas personalidades implicadas, lo que le valió ser objeto de numerosas amenazas de muerte por parte de sectores de la extrema derecha. París, por entonces, era epicentro de innumerables revueltas sociales.Yo Acuso es una obra que modificó la historia de Occidente.Este libro compila artículos y cartas escritos por el autor a partir del caso Dreyfus. . Únicamente la familia de Dreyfus, persuadida de su inocencia, siempre habló de error judicial y buscó apoyos entre los políticos y la prensa para lograr la revisión del juicio. En marzo de 1896, el nuevo responsable del Service de Renseignements, el coronel Picquart, Encuentra un telegrama que echa luz definitivamente sobre la inocencia de Dreyfus. Comunica a sus superiores y expresa su certeza de que ha sido un error atribuirle el escrito. El Estado Mayor consigna a Picquart a la frontera del este y, posteriormente, a Túnez. Los tribunales militares, oprimidos por camarillas de extrema derecha y antisemitas, se niegan a examinar el caso Dreyfus y aunque tratan de contener el escándalo, aunque no consiguen evitar que algunos rumores adviertan a personalidades de la izquierda. En 1897 -con la ayuda del periodista Bernard Lazare, del senador Scheurer-Kestner y del diputado Joseph Reinach-, Mathieu Dreyfus, hermano de Alfred, inicia una campaña en Le Figaro para reclamar que se investigue a Esterhazy y se examine el juicio de 1894. La extrema derecha se rebela de inmediato. . La campaña de Le Figaro echa por tierra la conspiración de silencio. En diciembre de 1897, Esterhazy, cuya letra es exactamente igual a la de los facsimiles del escrito que la prensa ha reproducido, es procesado y se presenta ante un tribunal militar; sin embargo los jueces lo absuelven en enero de 1898. ES en ese momento cuando Zola, consciente de los riesgos que corre, plantea la cuestión ante la opinión pública en su célebre carta al presidente de la República, titulada Yo acuso y propagada el 13 de enero en L'Aurore. Ese mismo día, la policía apresa al teniente coronel Picquart. La polémica aviva al país y se desencadenan las luchas entre la derecha militarista y la izquierda socialista o radical. Por esta carta recibió intimidaciones de distintas naturalezas y diversos sectores, fue sometido a juicio y procesado y debió exiliarse. Algunas semanas más tarde se confirmó que el documento del cual muchos se sirvieron para comprometer a Dreyfus en el juicio era apócrifo. El Tribunal Supremo, que había empezado a analizar el expediente Dreyfus en junio, dispuso la revisión del caso. Zola regresó de su exilio en junio de 1899 y el Gobierno desistió de tomar medidas contra él. Dreyfus fue trasladado a Francia, se sometió a un segundo juicio y de nuevo lo condenaron los tribunales militares, que no quisieron reconocer el error judicial que se había cometido antes.Hasta el 12 de julio de 1906 no obtuvo Dreyfus la rehabilitación en el ejército. Cuatro años antes, la noche del 28 al 29 de septiembre de 1902, Emile Zola murió misteriosamente asfixiado en su casa, producto de haber inhalado monóxido de carbono producto de la emanación de una chimenea. Desde 1898, Zola había recibido numerosas amenazas de muerte, aunque este "caso" nunca llegó a desentrañarse. Yo Acuso no solo marcó un hito en la obra de Zola, sino también en la historia occidental y imprimió un jalón en su propia vida.

Promediando el siglo XIX, las potencias europeas –en aquel entonces Estados Unidos aún no había alcanzado la supremacía de las que disfruta en la actualidad- se repartieron el continente africano para proceder a su colonización. Pero ésta, lejos de preocuparse por su objetivo natural ( educar y modernizar la zona), se convirtió en una corriente cuyo único objetivo era explotar las riquezas del continente, sin el mas mínimo respeto por la vida de los indígenas. Algunos dirigentes europeos descollaron en esta poco digna misión, como el Rey belga Leopoldo II, quién asoló la zona del Congo. Cuando pensamos en Conrad, nos encontramos ante uno de esos casos poco frecuentes de autores que escriben en una lengua disímil a la suya materna y realizan su trabajo con una calidad sobresaliente. El escritor se autodefinía como un ‘realista romántico’, supuesto refutación que explicaba argumentando que sus novelas se fundamentaban en lo que había observado y, fundamentalmente, en el análisis de la condición humana. La calidad de suS trabajos ha hecho que algunos lo consideren un escritor pre-modernista. Mas allà de los encasillamientos. siempre relativos, se trata de un excepcional narrador. Nacido en 1857 en Polonia como Josef Teodor Konrad Korzeniovski, era hijo de un noble. Carente de padre y madre desde los doce años, desertó de su país natal ocupado por los rusos, y a la edad de dieciséis años se reasentó en Marsella. Se embarcó en navíos franceses. Más tarde se alistó en la marina británica, se naturalizó inglés en 1886 y cambió su nombre. Conrad viajó, en 1890, al corazón de África, y siguió el cauce del río Congo; en ese entonces se llamaba Congo Belga. Después de su independencia, República Democrática del Congo, y luego, Zaire. En ese entonces Conrad era oficial de la marina mercante británica, y en ese tiempo fue espectador de espantosos horrores cerca de lo que hoy es Kinshasa, y a finales del siglo XIX era Leopolville en honor al rey belga. Más de una década después, el escritor recordaba a Mr. Kurtz, uno de los agentes de ese monarca; un tipo monstruoso que oprimía a los nativos, los atormentaba, exhibía sus cadáveres empalados para que todos supieran del escarmiento. Mientras tanto, atesoraba una gran fortuna. Uno de los espantos colonialistas que ayudaron a que la situación del África central de ahora mismo se volviera angustiosa. En 'El corazón de las tinieblas' se cuenta el viaje por el río Congo de Marlow, un capitán de barco mercante. Narra, él mismo, a su tripulación, cuando dirigió una expedición a la impenetrable jungla. Aparecida en 1899 a travès de no muchas páginas la obra de Conrad no es otra cosa que una áspera crítica al papel que la supremacía europea estaba librando en África. Marlow navega a traves del río Congo en busca del señor Kurtz, quien se halla al frente una explotación de marfil, para llevarlo de regreso a Inglaterra. Mr. Kurtz, el agente cuyo propòsito era hacerse del marfil de los cementerios de elefantes, de la noche a la mañana ha dejado de enviar mercancía. Se teme que pudiera estar enfermo. Mr Kurtz destrató a los negros del Congo, y sacó provecho tanto de su fuerza física como su ignorancia aplicándoles un trato de sumisión como si fuera un semidiós. La codicia de los otros agentes es tan grande que se apoderan de las pertenencias de Kurtz –favores de su actividad mercantil- y procuran que no llegue con vida de regreso.El encuentro de Marlow con él presupondrá un cambio de vida del ya viejo marino, que es capaz de percibir la codicia y la miseria de los otros agentes y socorre a Kurtz, aún a sabiendas de que es responsable del trato bárbaro a los nativos. Le ayuda y escucha la suplica del moribundo de custodiar unos papeles.Kurtz fallece experimentando el horror del mal que había ocasionado a los nativos; la consternación del saqueo que supuso el regateo de mercancías falsas a cambio del marfil; el espanto de su agonía personal, moral y física. De regreso a Europa, Marlow da a conocer un informe sobre la tragedia de los nativos del Congo a la prensa, escrito por Kurtz, para que sepan de la situación la población europea y un paquete de cartas a la mujer que le aguardaba ansiosa para casarse con él. Marlow no se cree lo suficientemente valiente como para decirle que fueron precisamente “¡horror, horror!”. Ante la angustia de la mujer le asegura que Kurtz, lo último que dijo fue su nombre. Conrad le entrega al lector un análisis, en no más de ciento cuarenta páginas, del horror al que lleva la conducta del hombre que pone en las riquezas su corazón y se olvida del respeto al ser humano como tal, aunque se halle en circunstancias en las que la ley civil no llegue a alcanzarle o a sancionarle; aunque no exista ninguna ley civil que le exija a respetar al otro como a sí mismo, sin importar el color de la piel, la edad o el sexo. La novela que inspiró Apocalipsis Now, es una de las novelas más conmovedoras de todos los tiempos; además de una de las obras maestras del siglo XIX ,es la novela más reconocida del genial Joseph Conrad, y su gran mérito es que puede leerse como un texto casi iluminado que profetizò no sin acierto de los horrores del siglo XX.