Egon Schiele, nació  en Viena, Austria  (1890-1918). Es uno de los pintores expresionistas más importantes en la historia de la pintura. Influenciado por su  maestro  Gustav Klimt, quien le guió durante sus primeros años,con algunos rasgos que identifican su enseñanza y otros  todavía académicos  que se pueden entrever.
Su vida estuvo  rodeada por un aura de misticismo; de talento muy precoz ,  Sin embargo  murió muy joven , a los 28 años.
Egon Schiele fue un enamorado de las letras y a pesar de su temprana muerte dejó una vasta correspondencia y otra serie de manuscritos , entre los que destacan poemas y manifiestos de grupos de arte. Su escritura particularmente iluminadora en lo que respecta a la cosmovisión para reflejar  su visión de mundo tal como lo retrataba en sus cuadros.
Por otro lado, estos escritos tambien constituyen una apertura   para accesar a su pintura  con más claridad. En algunas ocasiones sus cartas aclaran aspectos importantes del significado de sus lienzos. De igual forma, su obra escrita presenta semejanzas  formales con su trabajo pictórico.
En 1910  el artista, concentra su atención en el cuerpo como  espacio  de placer y dolor. Los cuerpos  en su mayoría están desnudos y suspendidos en el vacío, generando un desprendimiento tal que casi deja ver el esqueleto de sus protagonistas, frente a la sinuosa elegancia y la fluidez del Eros Klimtiano. Schiele compone sus imágenes  fragmentando abruptamente los planos y fracturando la línea en ángulos agudos, lo que da lugar a figuras huesudas … con los miembros seccionados o contorsionados hasta el límite de la desarticulación.
El erotismo en las obras de Schiele, según Casals, es un erotismo herido  sobre sí mismo. Una de las características más fuertes  en la pintura  de Schiele es la destreza y la firmeza de su trazo, el cual seguía una vez comenzaba sin treguas, hasta el final sin ninguna corrección  posterior. Parece ser que el artista continuaba con sus dibujos sin importarle que el o la modelo se moviera o cambiara de lugar, puesto que la línea seguía su rumbo cargando  toda su dimensión emocional.
Schiele señalaba que el compromiso del artista debería ser, con  él mismo, seguir su voluntad sin desviarse en implicaciones históricas , como por ejemplo  los revestimientos ornamentales de la Jugendstil.
En la pintura de Schiele, la forma de representar la individualidad fue por medio del autorretrato, y el espejo fue para él, un elemento fundamental en sus autoretratos . Mediante el autorretrato el artista realiza su propia autobiografía, un registro de la identidad que atraviesa el tiempo, representando la imagen reflejada en el espejo, distorsionada por el tiempo ,
Justamente, otra marcada característica de la obra de Schiele es la autoafirmación constante a través de los autorretratos los cuales, superan los cien. En ellos, su individualidad fue  expresada  magistralmente.
La introversión corre paralelamente a la continua presente exploración del lenguaje corporal: espasmódicas contorsiones de miembros desnudos, escenas en masturbaciones, signos de agresiva autoafirmación.
La repetición en Schiele  tanto en la pintura como en el dibujo fue variado. Es posible que estas repeticiones se consideran más obvias en  la figura humana.
Frente al pudor moralista de la sociedad adulta de Viena, Schiele fue el eterno niño quien por definición propia    respondía poniendo al descubierto su gestualidad más íntima y compulsiva. Esto se observa en las pinturas tituladas “Autorretrato con vasija de barro negra y los dedos extendidos” de 1911, en “Autorretrato con la mano en la mejilla” de 1910 y en “Autorretrato masturbándose, cubierto con ropajes negros”  también de 1911. De esta manera, él utilizó su cuerpo como vehículo de expresión, a partir de los sentimientos que se le presentaban. En la segunda obra mencionada, donde la mano en la mejilla tira del párpado hacia abajo, es explorada la escala de los sentimientos de melancolía y malestar del artísta.
La deformación de su persona en las distintas obras o composiciones, produce el quiebre de la unidad en el tiempo. Schiele es muy diferente en sus autorretratos, pues en ellos   muestra que su verdadero interés no es rescatar la identidad en el devenir, sino expresar sus estados internos. La imagen en el espejo no la utiliza para establecer su identidad, sino al contrario, para destruirla; él pinta a través de un "espejo deformante" y su único reflejo es la "gran razón". Sin embargo, a pesar de que el pintor altera las proporciones de su cuerpo y se crea en posturas originales, no hay que entender esto como una simple deformación del cuerpo, sino que debemos comprender que esta es la forma que utiliza el autor para poder quebrar con su propio "yo", logrando "... la despersonalización en lugar de servir para asegurarse y cerciorarse de la propia persona."
En algunos autorretratos dobles, el “alter ego” aparece por detrás de la primera imagen como si fuera la manifestación de esa voz oculta, de su “yo” más profundo que está detrás, como fundamento, del “yo” más visible, más consciente podríamos decir.
 
Carmona  señala que Schiele apostando por el arte de lo feo, abatió contra el concepto de belleza que reinaba entre los miembros de la Secesión. Su arte de crítica y denuncia presidia  de intento alguno de embellecimiento. Apunta,  a que la representación  de la masturbación de los dibujos de Gustav Klimt, a pesar de la niñez  de algunas de sus modelos , resulta hermosa. Sin embargo la rigidez de las posturas a las que Schiele sometía a sus figuras les negaba a sus protagonistas la apasible ingravidez del cuerpo abandonado a sí mismo, carasterístico de su antecesor.   Schiele  contribuyó, de esta forma como lo hiciera antes  Félicien Rops , a la desestización de lo estético, extendiendo el arte al terreno de lo aberrante. El joven artista no pudo si no llevar esto a sus últimas  consecuencias en los múltiples autorretratos donde se mutiló , se jorobó y forzó su espina dorsal hasta resquebrajarla, con colores sucios.  Señala Carmona que al ver esos  autoretratos de Schiele hoy día sentimos algo de pudor frente a algunos de sus desnudos y composiciones , No sabemos que nos impacta más . Si la desnudez o la fragilidad del alma  descubierta por un gesto llevado al extremo. Por su parte refiere que Schiele descubrió lo obsceno como camino hacia el alma.
Egor Schiele.  Como hemos referido antes, fue estudiante de Gustav Klimt , el cual   se impresionó tanto con sus primeros trabajos que le dedicó su aprecio y consideración sobre otros estudiantes convirtiéndose en su mentor durante sus estudios de arte. Por otro lado le apoyó  a manera de contacto  para conectar  con las galerías de arte y otros mecenas, quienes le compraron sus primeros cuadros.  No obstante Klimt haber sido maestro de Schiele su erotismo representado en mujeres de diferentes clases sociales y estilos fue totalmente diferente al de Schiele . Ambos artistas han sido reconocidos mundialmente como los grandes exponentes en la pintura de la Viena finisecular.
Egor Schiele a diferencia de Klimt . Este último como sabemos  se ocupó  mayormente de mujeres que de hombres  y sus pinturas muestran un tratamiento distinto al de Schiele.  
 
Schiele trabajó en sus composiciones  figuras masculinas  y femeninas por igual. Nada más hay que fijarse en los autoretratos de ambos artistas  para entender la diferencia de enfoque. Klimt nunca estuvo interesado en autorretratos. No creía en introspección  para nada. Afirmaba que él estaba más bien interesado ,en todo Ser excepto en sí mismo. Lo que no coincide  de manera alguna con algunos coetáneos  como Ludwig Wittgensein o Karl Kraus.  De hecho Klimt negó que se hubiese autorretratado alguna vez; decía que no se estaba interesado en una apariencia personal específica como un sujeto para un cuadro, pero sí en otros individuos , sobre todo mujeres . Todo lo contrario a Schiele del cual no faltó parte de su cuerpo que él no tocara para autorretratarlo.
Son muchas las similitudes entre los retratos que Schiele hiciera de sí mismo y de su hermana en 1910.  Si comparamos “Desnudo femenino sentado con brazo derecho levantado” y “Desnudo masculino sentado” ( autoretrato ) . Tanto la figura femenina como la masculina  se encuentran en un fondo vacío con el que nada las conecta. El artista sometió las figuras a una postura de tal violencia en ambos, que logró recrear el asiento ausente. Sin embargo, no se aprecia tridimensionalidad del autorretrato  en el dibujo de la hermana. Sí, la posición de los brazos es similar en ambos casos, el punto de vista y la posición de las piernas difieren.
En el cuadro “Semidesnudo de rodillas”, una figura absolutamente de frente del pintor, se inspecciona el pezón derecho. Por un lado  Schiele nos mostró algo de la figura que es absolutamente íntimo. De otra parte no podría ser más vulnerable inconsciente de nuestra presencia, no cuidaba la pose, natural en extremo , ese descansar sobre las rodillas.
Schiele exhibió la introspección, no el cuerpo de la figura. De ahí , que toda la figura esté tratada por igual.  Tanto las partes desnudas como las partes cubiertas.
 Hemos de notar, que   Schiele, tenía una costumbre  de retratarse como un monje. Estas representaciones suelen estar teñidas de un aire mortecino mediante el cual, el artista quiso comunicar determinados aspectos de su personalidad y de su visión de mundo  que consideraba esencial e incluso  geniales.
La igualdad entre los sexos implícita en la pintura de nuestro artista supone ciertos trastornos de la personalidad como ha expresado la crítica .
Carla Carmona en un estudio sobre la obra pictórica de Egor Shiele titulado Manifestaciones literarias y pictóricas de una misma estética : un diálogo entre la pintura y la poesía de Egon Schiele, plantea que en  la obra pictórica del artista, existe un paralelismo entre los recursos formales  utilizados  por él, en su pintura  y aquellas características  de su obra escrita, en particular sus poemas. Concretamente mediante un análisis de sus usos de la repetición y de la concentración en el detalle, compara el ímpetu de la palabra de Schiele con la viveza de sus imágenes pictóricas. Por ejemplo  interpreta la tendencia a repetir  figuras de su pintura a la luz de los paralelismos sintácticos que tan frecuente son en su poesía.  Asimismo, Carmona muestra  como Schiele logra hacer saltar por los aires sus composiciones por medio de la introducción de detalles inesperados, aparentemente ornamentales, que funcionan como poderosas herramientas fragmentarias. Finalmente  pone en relación su singular empleo  de la puntuación en ocasiones  extravagantes  con el carácter de vidriera de sus lienzos.  Paralelo a esto  Carmona se detiene en las consecuencias semánticas  que estos recursos tienen en sus obras , para lo que ella encuentra necesario hablar  de otro tipo de figuras como la antítesis  o la hipérbole.
Si bien es cierto  que este autor murió a temprana edad no menos cierto es la importancia que tiene dentro de la plástica de su tiempo y su relación con otros pintores tan importantes como lo fue él.
Debido quizás a situaciones ocurridas en su juventud previo a su adolescencia no podemos inferir sobre ello para juzgar el por qué de su actitud ante lo que fue su vida en relación a los jóvenes a quien utilizó como modelos y la relación que se cuenta del incesto con su hermana Gertrudi. El asunto más importante pienso yo debería ser en relación a su trabajo como artista . Me hubiese gustado estar viviendo en esa época pero no es posible , conocer a estos maestros del arte ha sido para mi durante mi vida un asunto muy importante . Sus cuadros no son hermosos pero reflejan algo más allá de su fealdad y sus colores también. Sobre todo este artista Egor, pintor y poeta.